De la Antigüedad al arte moderno · Instrumentos, conciertos y figuras musicales

Desde ángeles musicales hasta cafés-conciertos, la pintura transforma el sonido invisible en gestos, miradas, ritmos y armonías de colores.

La música ha acompañado la imagen desde las primeras civilizaciones: arpistas cicládicos, liristas griegos y escenas de banquetes antiguos ya muestran cómo un artista puede hacer visible una experiencia sonora. En la Edad Media, los ángeles bíblicos, los reyes y Santa Cecilia dieron valor espiritual a los instrumentos. El Renacimiento reunió música, poesía y orden mundial, mientras que los siglos XVI y XVII multiplicaron los laudistas, los conciertos domésticos, las lecciones y las alegorías. En los siglos XVI y XVII los laudistas, los conciertos domésticos, las lecciones y las alegorías, mientras que los siglos XVI y XVII multiplicaron los laudistas, los conciertos domésticos, las lecciones y las alegorías. En tiempos de Caravaggio, el nacimiento de la ópera y el surgimiento de cantantes profesionales renovaron las actitudes y los instrumentos representados. Luego se practicaron los interiores holandeses musical un lenguaje de sociabilidad, educación y en ocasiones seducción. En el siglo XIX, Manet, Degas y Sargent dirigieron su mirada hacia orquestas, cafés-conciertos y espectáculos públicos. Las obras seleccionadas reúnen el claroscuro caravaggesco, la concentración del laudista, la figura de Santa Cecilia y la energía colectiva del concierto. La selección "Músicos en la pintura" compara notablemente a Los músicos - Caravaggio y El laudista - Orazio Gentileschi. Su lectura favorece los detalles.

Pintar música es sugerir lo que el ojo no puede oír: una mano colgante, una boca abierta o un grupo afinado es suficiente para crear ritmo.