Top 100 - Postimpresionismo
Postimpresionismo: 100 pinturas y sus artistas
100 pinturas de Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Seurat y sus contemporáneos: fechas, colecciones, análisis y fuentes para comprender sus investigaciones.
Esta selección editorial explora el color expresivo, la construcción de formas, el simbolismo y el neoimpresionismo. Cada ficha presenta la obra ilustrada y la información de su original, con una referencia para una mayor investigación.
Después del momento, la visión
Comprender el postimpresionismo a través de 100 pinturas
El postimpresionismo reúne a artistas con diferentes métodos, más que a un grupo con un programa común. Esta selección también incluye sus precursores y sus extensiones, en particular los Nabis. Permite comparar paisajes, retratos, naturalezas muertas y escenas de la vida moderna.
Para leer una obra, observe la dirección de las teclas, los contornos, las proporciones de color y la forma en que los planos organizan el espacio.
El nombre está asociado a la exposición organizada por Roger Fry en Londres en 1910. Fuente: Galerías Nacionales de Escocia.
Cambiar a imágenesLas obras en la selección
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Van Gogh, Seurat, Cézanne, Gauguin y Toulouse-Lautrec abren el recorrido con las obras que dieron al movimiento sus rostros más famosos.
#1 1. Noche estrellada
Un ciprés oscuro conecta el pueblo con el vasto cielo azul, atravesado por curvas y halos amarillos. A la derecha, la luna ilumina la composición; los tejados y el campanario permanecen mucho más tranquilos que los movimientos del cielo. Van Gogh pintó este lienzo en Saint-Remy en junio de 1889, inspirándose en la vista desde su habitación en Saint-Paul-de-Mausole. Sin embargo, lo creó en varias sesiones durante el día. El pueblo no era visible desde esta ventana y el ciprés se reúne: observación, memoria e invención se combinan. El pueblo no era visible desde esta ventana y el ciprés se reúne en varias sesiones durante el día. Los gruesos toques y contrastes de azul y amarillo confieren así al paisaje una fuerza expresiva que va más allá de la restitución de la luz observada.
Fuente: MoMA - La noche estrellada, 472.1941.
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#2 2. Un domingo por la tarde en la Île de la Grande Jatte
En una isla del Sena cerca de París, unos paseantes permanecen de pie, se sientan o se tumban entre los árboles. La gran pareja de la derecha, la niña vestida de blanco en el centro y las embarcaciones de la izquierda organizan esta escena de ocio. De cerca, las formas se fragmentan en puntos y pequeñas pinceladas de colores yuxtapuestos; a distancia, recuperan su coherencia. Seurat prepara el lienzo mediante numerosos estudios y trabaja de 1884 a 1886, para después añadir el borde de colores en 1888–1889. La inmovilidad de las figuras y la construcción rigurosa evocan un friso más que un instante captado del natural. Presentada en la última exposición impresionista en 1886, la obra marca la afirmación del neoimpresionismo.
Fuentes: Instituto de Arte de Chicago - ficha 1926.224 ; Seurat y la creación de La Grande Jatte.
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#3 3. Montaña Sainte-Victoire - Versión Edimburgo
Un árbol desnudo en primer plano cruza la vista de sus delgadas ramas, frente a los campos del valle del Arco y la silueta azulada de Sainte-Victoire. Cézanne observa este paisaje desde el suroeste de Aix-en-Provence. Los ocres de la tierra y los verdes de los cultivos responden a los grises azules de la montaña; los toques construyen áreas de color en lugar de una perspectiva completamente continua. A pesar de su apariencia cercana a la acuarela, esta obra está pintada al óleo, en finas capas, dejando visibles partes de la preparación luminosa. El museo ofrece una datación alrededor de 1890 -1895, difícil de especificar más. Esta versión de Edimburgo muestra cómo Cézanne asocia la observación del paisaje con la búsqueda de estructura y equilibrio.
Fuente: Galerías Nacionales de Escocia - Montagne Sainte-Victoire, NG 2236.
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#4 4. ¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?
Este lienzo monumental reúne figuras de distintas edades en un paisaje dominado por los azules y los verdes oscuros. A la derecha, un bebé yace junto a un grupo sentado; en el centro, una figura de pie levanta los brazos hacia un fruto; a la izquierda, una persona encogida se lleva las manos a la cabeza. Un ídolo azul y varios animales completan esta composición en friso. Gauguin pinta la obra en Tahití en 1897–1898 e inscribe las tres preguntas del título en el ángulo superior izquierdo. El cuadro propone una meditación sobre los orígenes, la identidad y el destino humano. Sus formas simplificadas y sus colores alejados del naturalismo sostienen esta dimensión simbólica, cuya interpretación permanece abierta.
Fuente: Museo de Bellas Artes de Boston - ficha 36.270.
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#5 5. En Moulin-Rouge
En En el Moulin-Rouge, Toulouse-Lautrec representa a los habituales del famoso establishment parisino. Una mesa reúne a varias figuras de su séquito, mientras al fondo La Goulue se arregla el cabello. El artista se pintó al fondo, cerca de su primo, mucho más alto que él. A la derecha, el rostro de la cantante May Milton, cortado por el borde del cuadro, adquiere un tinte verde bajo la iluminación artificial. Las diagonales de la balaustrada y el suelo dirigen la mirada hacia este grupo. Los marcos empinados y los colores ácidos dirigen la escena hacia este grupo. Los marcos empinados y los colores ácidos dan a la escena una tensión particular: este retrato colectivo describe la vida nocturna de Montmartre tanto como explora los efectos de la luz eléctrica.
Fuente: Instituto de Arte de Chicago - En el Moulin Rouge.
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#6 6. La habitación de Van Gogh en Arles - versión de Orsay
Un lecho amarillo ocupa la derecha de La habitación de Van Gogh en Arles. Dos sillas, una pequeña mesa con objetos de aseo y algunos cuadros completan este interior sin personajes. Las paredes azuladas contrastan con la madera amarilla y la manta roja; las líneas del suelo conducen la mirada hacia la ventana verde. Van Gogh busca sugerir descanso mediante la sencillez del mobiliario y las superficies de color, pese a una perspectiva inestable. La imagen presentada corresponde a la versión reducida del museo de Orsay, realizada en Saint-Rémy en septiembre de 1889 para su familia en los Países Bajos. Retoma una primera composición pintada en Arlés en octubre de 1888, hoy conservada en Ámsterdam; otra versión se encuentra en Chicago.
Fuente: Museo de Orsay - Habitación de Van Gogh en Arles.
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#7 7. Jugadores de cartas - Versión Courtauld
Dos hombres se enfrentan Los jugadores de cartas. El de la izquierda fuma una pipa; su compañero mira su juego. Sus manos y cartas claras destacan sobre una mesa naranja y un interior oscuro. Cézanne construye las figuras con toques coloridos que dan peso a chaquetas, sombreros y brazos. Ningún gesto espectacular interrumpe su concentración: el equilibrio de volúmenes lleva el escenario. La versión ilustrada pertenece a la Courtauld Gallery de Londres. Forma parte de un conjunto de cinco cuadros creados en la década de 1890, con diferentes composiciones. Los trabajadores agrícolas de la finca familiar de Cézanne posaron para estos personajes.
Fuente: Galería Courtauld - Los jugadores de cartas.
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#8 8. Visión después del sermón
En Visión después del sermónlas mujeres bretonas con tocados blancos ocupan el primer plano, algunas con las manos entrelazadas o los ojos bajos. Más allá de un baúl que recorre diagonalmente la composición, Jacob lucha con un ángel sobre una vasta superficie roja. Esta escena bíblica representa la visión que las mujeres imaginan después de escuchar el sermón, más que un evento observado ante ellas. Gauguin pinta la obra de Pont-Aven en 1888. Simplifica las formas, refuerza sus contornos y utiliza un color que se desvía del paisaje natural. El contraste entre los tocados luminosos y el rojo del fondo hace visible la separación entre los fieles y su experiencia interior: el cuadro da forma a la imaginación religiosa.
Fuente: Galerías Nacionales de Escocia - Visión después del sermón.
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#9 9. Un baño en Asnières
En Un baño en Asnières, hombres y niños descansan a orillas del Sena. En el centro, una figura sentada de perfil deja las piernas en el agua; a la derecha, un joven bañista se lleva las manos a la boca. Un perro acompaña al hombre que yace en primer plano. Los puentes y chimeneas de las fábricas sitúan estas actividades de ocio en los suburbios industriales de París. Seurat compuso este gran lienzo en el taller basándose en estudios preparatorios: Los puentes y chimeneas de las fábricas dan a la escena una solemnidad inusual. Pintado en 1884, precede a su puntillismo sistemático, aunque determinadas partes se ocupaban de puntos de colores. Rechazado en el Salón, precede a su puntillismo sistemático, aunque determinadas partes se ocupaban de puntos de colores. Rechazado en el Salón, luego fue presentado en el Salón de artistas independientes.
Fuente: Galería Nacional - Un baño en Asnières.
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#10 10. Terraza cafetera por la noche
En Terraza cafetera por la noche, Van Gogh representa la plaza del Forum de Arlés bajo un cielo estrellado. A la izquierda, el toldo y la fachada del café se bañan en una luz amarilla; las mesas y las sillas avanzan sobre los adoquines, mientras unos transeúntes cruzan la calle. El azul profundo del cielo y de las casas resalta los tonos cálidos de la terraza. Van Gogh pinta esta escena en el lugar, de noche, para observar los colores bajo la iluminación de gas. Fechada en septiembre de 1888, la obra muestra cómo construye un paisaje nocturno con intensos contrastes de color. La perspectiva de la calle enlaza la animación del café con el fondo oscuro y da profundidad al cuadro.
Fuente: Museo Kroeller-Müller - Terraza cafetería nocturna.
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#11 11. Los grandes bañistas - versión de Londres
Once mujeres se reúnen en un claro bajo un cielo azul Las grandes bañistas. De pie, sentados o acostados, forman un todo compacto cuyas inclinaciones responden a los troncos de los árboles. En primer plano, un pequeño perro oscuro y frutas forman una naturaleza muerta. A pesar del título, en esta versión no aparece ningún cuerpo de agua. Cézanne conecta los cuerpos con el paisaje a través de contornos azules y repetidos toques de color; las figuras parecen pertenecer al mismo material que el suelo y el follaje. La obra ilustrada es la de la National Gallery de Londres. Pertenece a las tres grandes composiciones de bañistas trabajadas al final de su vida, cuyas fechas siguen siendo aproximadas.
Fuente: Galería Nacional - Los Grandes Bañistas.
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#12 12. El Cristo Amarillo
Un Cristo con cuerpo lúteo domina un paisaje bretón El Cristo amarillo. A sus pies se reúnen mujeres con trajes regionales y tocados blancos, mientras que los campos y árboles adquieren tonos ocres y rojos. Gauguin se inspira en un crucifijo de madera pintada del siglo XVII conservado en la capilla de Trémalo, cerca de Pont-Aven. Coloca esta imagen religiosa en un entorno contemporáneo más que en una reconstrucción de Tierra Santa. Los contornos marcados y las superficies simplificadas acercan la figura al paisaje. El amarillo se convierte en un medio de expresión simbólico: el color conecta el cuerpo de Cristo con el campo otoñal y la piedad de los habitantes.
Fuente: Museo de Arte Buffalo AKG - El Cristo Amarillo.
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#13 13. El circo
Un jinete se para sobre un caballo blanco El circo, mientras un acróbata realiza una figura a la derecha. En primer plano, un payaso visto desde atrás abre el escenario hacia la pista. Seurat contrasta las curvas del caballo, los cuerpos y el látigo con las filas habituales de espectadores, cuyas siluetas permanecen inmóviles. Los pequeños toques de rojo, amarillo y azul construyen una luz dominada por tonos claros. Los pequeños toques de rojo, amarillo y azul también contribuyen al equilibrio de colores. El borde azul pintado en el lienzo también contribuye al equilibrio de colores. Presentada en el Salón de artistas independientes en 1891, la obra permanece inacabada cuando murió el pintor. Continuó su investigación sobre espectáculos populares y los efectos expresivos de la línea y el color.
Fuente: Museo de Orsay - El Circo.
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#14 14. Jane Avril - retrato del Clark Art Institute
Jane Avril aparece de busto, con un gran sombrero oscuro y envuelta en una capa malva. Su cabello pelirrojo enmarca un rostro pálido, de ojos entornados y labios rojos. Toulouse-Lautrec concentra la atención en esta expresión contenida, mientras las pinceladas verticales del fondo contrastan con los amplios pliegues de la ropa. El cartón sigue visible entre los trazos de color, dando al retrato ligereza de ejecución. Pintada hacia 1891–1892, esta obra del Clark Art Institute representa a la célebre bailarina del Moulin-Rouge fuera de un número escénico. Da testimonio del interés duradero de Lautrec por Jane Avril, de quien realizó varios retratos y carteles: aquí, el vestuario enmarca a la persona en lugar de mostrar su baile.
Fuente: Clark Art Institute - catálogo de pinturas europeas, ficha Jane Avril, núm. 331.
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#15 15. La cesta de manzana
Una canasta inclinada revela sus manzanas a la izquierda La cesta de manzana. Una botella oscura se alza en el centro, mientras que un plato de galletas apiladas ocupa la derecha. Las frutas dispersas sobre el mantel blanco conectan estos objetos. Cézanne no busca una perspectiva perfectamente uniforme: los bordes de la mesa se desplazan y la botella se inclina, creando un equilibrio que parece inestable. Las pinceladas espesas dan volumen a las manzanas y a los pliegues de la tela; unas marcas más ligeras dejan abiertos algunos contornos. Pintado hacia 1893, este bodegón transforma objetos cotidianos en un problema de construcción pictórica. La firma, visible en la parte inferior izquierda, es poco frecuente en la obra del pintor.
Fuente: Instituto de Arte de Chicago - La cesta de manzana.
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#16 16. Los girasoles - versión Londres
Quince girasoles llenan un jarrón en esta versión del Girasoles. Algunas flores conservan sus pétalos, mientras que otras muestran cabezas cargadas de semillas: el ramo reúne varias etapas de su vida. Van Gogh trabaja con amarillos, desde los tonos pálidos del fondo hasta los ocres anaranjados de las flores, con algunos detalles en verde y azul. La pintura gruesa da relieve a las semillas, mientras que las líneas alargadas siguen los tallos y pétalos. Este lienzo fue pintado en Arles en agosto de 1888 para decorar la Casa Amarilla antes de la llegada de Gauguin. Pertenece a la Galería Nacional de Londres; otras versiones se conservan especialmente en Ámsterdam y Filadelfia. La firma "Vincent" aparece en el jarrón.
Fuente: Galería Nacional - Les Tournesols.
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#17 17. Naturaleza muerta con manzanas - Versión MoMA
Manzanas rojas, amarillas y verdes se distribuyen sobre un mantel blanco Naturaleza muerta con manzanas. Frente a una cortina estampada y un fondo marrón destacan un frutero, un vaso y una jarra. Los pliegues de la tela guían la mirada entre estos objetos, pero los dos lados de la mesa no siguen una perspectiva uniforme. Cézanne también deja ciertas áreas de lienzo visibles y contornos incompletos. Estas discrepancias llaman la atención tanto sobre la construcción del cuadro como sobre los frutos representados. La versión ilustrada, pintada entre 1895 y 1898, pertenece al MoMA de Nueva York. Muestra cómo una naturaleza muerta puede convertirse en una investigación sobre la percepción de formas, luz y espacio.
Fuente: MoMA - Naturaleza muerta con manzanas.
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#18 18. ¿Cuándo te vas a casar?
Pintado durante la primera estancia de Gauguin en Tahití, ¿Cuándo te vas a casar? reúne a dos mujeres sentadas frente a un paisaje luminoso. En primer plano, una joven viste una flor blanca cerca de la oreja, un corpiño claro y una prenda roja con grandes estampados. Detrás de ella, una segunda figura, vestida de rosa, levanta una mano. Los contornos oscuros y las grandes superficies de amarillo, verde y azul organizan el espacio sin buscar una perspectiva estrictamente realista. El título tahitiano, Nafea faa ipoipo, introduce una pregunta sobre el matrimonio, sin dar una determinada historia. Esta escena expresa también la imagen idealizada de Tahití construida por el pintor europeo; no constituye un documento neutral sobre la vida polinesia.
Fuentes: Museo Reina Sofía ; La Colección Phillips, informe de 2016.
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#19 19. El sueño
En El sueñoUna mujer desnuda yace en un sofá rojo en medio de una jungla: este familiar mueble hace que la escena sea inmediatamente extraña. Hojas contorneadas con precisión, inmensas flores y animales constituyen un entorno casi profundo. Dos leones miran hacia el espectador, mientras un músico toca un instrumento de viento en el centro de la vegetación. Rousseau explicó este improbable encuentro por el sueño de la mujer transportada al bosque. El pintor, que nunca había viajado fuera de Francia, se inspiró en particular en el sueño de la mujer transportada al bosque. El pintor, que nunca había viajado fuera de Francia, se inspiró en particular en las plantas y animales observados en el Jardín de las Plantas de París. Esta combinación de cuidadosa observación e invención anuncia el interés de los surrealistas por las imágenes oníricas.
Fuente: Museo de Arte Moderno, Hoja de ensueño.
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#20 20. El Puerto de Saint-Tropez
En esta vista de Puerto de Saint-Tropez, Signac reúne a los pescadores del primer plano, los veleros amarrados y las fachadas dominadas por el campanario. La curva del muelle guía la mirada hacia el agua, cuyos reflejos retoman los rosas, amarillos y azules del cielo y de las embarcaciones. El color se divide en pinceladas visibles, mayores que diminutos puntos: su yuxtaposición da a la superficie un aspecto de mosaico. Signac descubre Saint-Tropez en 1892 y desarrolla allí sus investigaciones neoimpresionistas. Pintada en 1901–1902, esta composición monumental muestra cómo refuerza los contrastes entre las pinceladas para dar al color una fuerza expresiva que anticipa algunas investigaciones de los fauvistas.
Fuente: Museo Nacional de Arte Occidental, Tokio.
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#21 21. Café nocturno
El café nocturno representa el interior del Café de la Gare, Place Lamartine en Arles, un establecimiento abierto toda la noche donde se alojaba Van Gogh. El billar ocupa el centro, mientras los invitados permanecen esparcidos por las paredes y un hombre vestido de blanco mira al espectador. Las líneas del suelo de parquet y los muebles oblicuos acentúan la profundidad, pero también hacen que el espacio sea inestable. El rojo de las paredes se opone a los verdes del techo y el billar; las lámparas difunden grandes halos amarillos. Van Gogh explicó a su hermano Theo que estos contrastes deben expresar las pasiones humanas y el peligro de un lugar donde uno puede perderse. El color transforma así una escena cotidiana en una imagen de inquietud.
Fuente: Galería de arte de la Universidad de Yale.
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#22 22. El Espíritu de los muertos observa
En El Espíritu de los Muertos observa, también titulado Manaolo tupapaú, una figura tumbada en una cama mira de lado, mientras una silueta vestida de negro aparece detrás de ella. La sábana amarillo claro, el cuerpo de tonos pardos y la pared violeta forman fuertes contrastes. Gauguin asociaba las formas blancas del fondo a luces sobrenaturales y presentaba la silueta como un espíritu de los muertos. Sin embargo, esta explicación debe entenderse como el relato del pintor, más que como una descripción objetiva de las creencias tahitianas. El museo recuerda que la modelo, Teha’amana, era adolescente y destaca la relación de poder entre ella y el artista. La ambigüedad de la mirada impide reducir el cuadro a una simple ilustración de una leyenda.
Fuente: Museo de Arte AKG de Buffalo.
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#23 23. El bohemio durmiente
En El bohemio durmiente, una mujer vestida con largas y coloridas rayas duerme en un paisaje desértico iluminado por la luna. Una mandolina y una jarra descansan cerca de ella; un león se acerca a su rostro, sin que el cuadro muestre un ataque. El cuerpo alargado, la línea de las montañas y la franja de agua organizan la composición en horizontales, a lo que responden la melena detallada y la cola elevada del animal. Los contornos agudos y las grandes superficies de color dan a la escena una inmovilidad casi irreal. La asociación de estos contornos agudos y grandes superficies de color le dan a la escena una inmovilidad casi irreal. Los contornos claros y las grandes superficies de color crean una tensión entre el sueño tranquilo y el posible peligro. Rousseau construye así una imagen enigmática, donde el espectador imagina lo que podría suceder sin encontrar una respuesta definitiva.
Fuente: Museo de Arte Moderno.
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#24 24. Campo de trigo con cuervos
En Campo de trigo con cuervos, el formato muy alargado da una escala inusual al paisaje. Tres caminos en tonos rojos y marrones cruzan el trigo amarillo, bajo un cielo azul cargado de masas oscuras. Los pájaros negros, reducidos a unas pocas pinceladas, marcan el encuentro del campo y el cielo. Los toques espesos siguen direcciones diferentes: agitan las mazorcas de maíz, cavan los caminos y refuerzan los movimientos de las nubes. Pintado en Auvers-sur-Oise en julio de 1890, este cuadro pertenece a las últimas semanas de la obra de Van Gogh. El museo recuerda, sin embargo, que su identificación como cuadro final pertenece a las últimas semanas de trabajo de Van Gogh. El museo recuerda, sin embargo, que su identificación como cuadro final es un mito persistente. Por tanto, su tensión visual no es suficiente para convertirlo en un mensaje de despedida definitivo.
Fuente: Museo Van Gogh, hoja de trabajo ; textos de la colección permanente.
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#25 25. El niño del chaleco rojo - versión MoMA
En esta versión de Chico con chaleco rojo, la joven modelo sentada de perfil, con las manos apoyadas en las rodillas. Su deslumbrante chaleco contrasta con la camisa clara, las sombras azules de las mangas y la cortina oscura. Cézanne construye el rostro y la ropa con toques de color que dan volumen sin borrar la superficie pintada. El MoMA identifica al modelo como Miguel Ángel di Rosa, un joven italiano a quien el artista representó en cuatro cuadros y dos acuarelas. La postura contenida permite que el color y los contornos lleven la expresión del retrato. Este cuadro perteneció a Claude Monet, quien lo consideró el mejor cuadro de su colección: testimonio de su admiración por Cézanne.
Fuente: Museo de Arte Moderno.
Descubrir →Arles, Tahití, Pont-Aven y Montmartre muestran cómo una paleta puede contar una emoción, un lugar o una idea sin imitar obedientemente la realidad.
#26 26. La canción de cuna - versión del Museo Stedelijk
La canción de cuna representa a Augustine Roulin, esposa del cartero Joseph Roulin, amigo de Van Gogh en Arlés. Sentada en un sillón, sostiene una cuerda que permite mecer una cuna situada fuera del encuadre. Su vestido verde, su cabello anaranjado y el suelo rojo se recortan ante un papel pintado de flores, cuyos motivos dan al retrato una dimensión decorativa. Los contornos oscuros simplifican los volúmenes y unen la figura al fondo. El título alude tanto a la mujer que mece como a la nana musical: Van Gogh quería evocar el consuelo y la maternidad. Retomó esta composición en cinco cuadros. La versión reproducida aquí pertenece al Stedelijk Museum y lleva la referencia F507.
Fuentes: Museo Van Gogh, ficha sobre Google Arts & Culture ; Revista del Museo Van Gogh, estudio de versión.
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#27 27. Noche estrellada en el Ródano
Pintado en Arles en septiembre de 1888, Noche estrellada en el Ródano reúne el cielo, las luces de la ciudad y sus reflejos en el río. El blues domina el lienzo, mientras que la iluminación de gas dibuja largos senderos amarillos y naranjas sobre el agua. En primer plano, una pareja camina por la orilla; su presencia da escala humana a la vasta escena nocturna. Los toques visibles animan la superficie sin disolver los edificios ni los barcos. Van Gogh buscó entonces traducir los colores de la noche, que consideraba particularmente ricos. Esta vista del Ródano precede al paisaje estrellado de Saint-Rémy pintado en 1889: tiene composición propia y una atmósfera más serena.
Fuente: Museo de Orsay.
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#28 28. Autorretrato con oreja vendada
Van Gogh pinta esto Autorretrato de oreja vendada En enero de 1889, poco después de su salida del hospital de Arles. Su gorra forrada de piel y su abrigo verde evocan el frío del invierno; el vendaje sigue siendo claramente visible. La imagen, pintada desde un espejo, invierte el costado de la oreja lesionada. Al fondo, un lienzo sobre caballete y un grabado japonés recuerdan su obra y sus fuentes de inspiración. Los toques cortos, los contornos oscuros y las proporciones de verde, azul y amarillo dan al rostro una presencia intensa. El Courtauld interpreta estos signos de taller como una expresión de su determinación de seguir pintando: el retrato también muestra al artista trabajando después de la crisis.
Fuente: Galería Courtauld, colección en línea.
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#29 29. El encantador de serpientes
Una flautista se recorta como una silueta oscura ante un curso de agua iluminado por la luna. A su alrededor, las serpientes se entremezclan con las ramas y las hojas largas; un ave aparece en primer plano. Rousseau construye una vegetación exuberante mediante contornos nítidos y múltiples matices de verde. El contraste entre el cielo pálido, el agua casi inmóvil y la masa oscura de las plantas da a la escena una atmósfera silenciosa e inquietante. La música parece reunir a la figura humana y a los animales en un mismo encantamiento. Pintada en 1907, esta selva imaginaria combina un dibujo minucioso con una composición asimétrica: su extrañeza explica el interés que la obra suscitará entre los surrealistas.
Fuente: musee d'Orsay, ficha de El encanto de la serpiente.
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#30 30. La Iglesia de Auvers-sur-Oise
Van Gogh representa la iglesia de Auvers desde el ábside, bajo un intenso cielo azul que se encuentra en sus ventanas. Las paredes y tejados ondulan, mientras dos caminos rodean el edificio; una mujer avanza por el de la izquierda. Los toques curvos del cielo y las líneas rápidas del suelo dan movimiento a esta enorme arquitectura. Pintada durante su estancia en Auvers en 1890, la pintura transforma un edificio reconocible en una presencia casi viva. El contraste entre la sombra de la iglesia y los caminos claros refuerza esta tensión. Como señala el Museo de Orsay, Van Gogh favorece aquí una expresión personal del motivo: las deformaciones y el color anuncian la investigación de los fauves y los expresionistas.
Fuente: musee d'Orsay, ficha de la Iglesia de Auvers-sur-Oise, vista desde el ábside.
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#31 31. Comedores de patatas
Cinco personas comparten comida en un interior modesto, bajo una lámpara colgante. A la izquierda, las manos van al plato de patatas; a la derecha, una mujer vierte la bebida en las tazas. La figura vista desde atrás acerca al espectador a la mesa. Los marrones, verdes oscuros y luces amarillentas resaltan los rostros y las manos marcados por la obra. Creada en Nuenen en 1885, esta pintura pertenece al período holandés de Van Gogh, antes de su deslumbrante paleta de Arles. El pintor quería mostrar a los campesinos cuyas comidas eran fruto del trabajo de la tierra. Sus rasgos deliberadamente toscos y la sobriedad de la decoración dan a esta escena diaria una dignidad sin idealización.
Fuente: Museo Van Gogh, instrucciones para comedores de patatas.
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#32 32. Las capas
Tres figuras desnudas ocupan el taller: una sentada detrás, otra de pie de cara al espectador, la tercera se ajusta a una media. Ropa, zapatos y complementos recuerdan el trabajo diario de las modelos. A la izquierda, Seurat representa parte de su propio cuadro La Grande Jatte, creando un diálogo entre la escena de ocio al aire libre y el estudio del cuerpo en el taller. Pequeños toques de color construyen tonos de piel así como paredes y tejidos. Los pequeños toques de color construyen tonos de piel así como paredes y tejidos. Presentado en 1888, este gran lienzo responde a críticas que limitaron el puntillismo al paisaje. Seurat muestra que su método puede abordar el desnudo, un tema importante de tradición artística, con una composición reflexiva y una luz unificada.
Fuente: Fundación Barnes, presentación de los Poseuses.
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#33 33. Almendro en flor
Ramas de almendras cubiertas de flores blancas se despliegan contra un cielo azul turquesa, sin horizonte ni paisaje a su alrededor. Los marcos cerrados y los fuertes contornos dan a sus ramificaciones una presencia decorativa, alimentada por el interés de Van Gogh por los grabados japoneses. Entre las líneas sinuosas de las ramas destacan las flores claras, a veces teñidas de rosa. Pintada en Saint-Rémy-de-Provence en febrero de 1890, esta pintura es un regalo destinado a su sobrino recién nacido, Vincent Willem, hijo de Théo y Jo. El almendro, que florece temprano y anuncia la primavera, simboliza aquí una vida que comienza. Este contexto familiar explica la elección del patrón y da un significado preciso a la atmósfera luminosa de la obra.
Fuente: Museo Van Gogh, ficha del Almendro en Flores.
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#34 34. Retrato de Ambroise Vollard
Ambroise Vollard está sentado, con las piernas cruzadas y un libro apoyado en las rodillas. Su traje pardo, su pajarita y su rostro ligeramente inclinado le dan una presencia sobria. La ventana de la izquierda ilumina parte de su cuerpo, que se recorta contra el fondo oscuro del taller. Cézanne construye el rostro y la ropa mediante pinceladas y planos de color: las variaciones de ocre, verde y azul dan volumen sin borrar la materia pictórica. Realizado en 1899, el retrato da testimonio de la relación entre el pintor y el marchante que apoyaba su obra desde 1895. Según el relato de Vollard, requirió 115 sesiones de pose, señal de la observación paciente que exigía Cézanne.
Fuente: Museos de París, ficha del Retrato de Ambroise Vollard.
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#35 35. La casa del ahorcado
Un camino inclinado atraviesa el primer plano, entre un terraplén y casas con paredes claras. Los árboles sin hojas levantan sus troncos frente a las fachadas, mientras que una abertura entre los edificios revela el pueblo y las colinas. Cézanne articula el espacio a través de las diagonales del terreno, tejados y masas de vegetación. Los gruesos toques dan a las paredes y al suelo una textura rugosa; verdes, ocres y azules unen los diferentes planos. Pintado en Auvers-sur-Oise en 1873, este paisaje es una de las tres obras que Cézanne presenta en la primera exposición impresionista de 1874. Ayuda a comprender su evolución: la observación del paisaje ya va acompañada de investigaciones sobre la construcción de formas y espacios.
Fuente: musee d'Orsay, ficha de La casa del ahorcado.
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#36 36. Una Olimpia moderna
Una sirvienta levanta una sábana ante una mujer desnuda en una cama, mientras un hombre vestido de negro observa la escena, sentado de espaldas. El cortinaje, la mesa roja, el ramo y el perrito dan a este interior un aire teatral. Cézanne retoma el tema de la Olympia de Manet, pero añade un espectador dentro del cuadro y transforma la composición con pinceladas rápidas y colores luminosos. Esta versión de 1873–1874 se distingue de una primera interpretación más oscura. Presentada en la primera exposición impresionista en 1874, suscitó incomprensión y burlas. Su interés reside tanto en este diálogo con Manet como en su factura libre: las formas siguen esbozadas y dejan visibles el gesto del pincel y la evolución de Cézanne hacia una paleta más clara.
Fuente: musee d'Orsay, ficha de Una Olimpia moderna.
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#37 37. El talismán
Grandes playas amarillas, verdes, rojas y azules conforman este pequeño paisaje desde Bois d'Amour hasta Pont-Aven. Todavía podemos reconocer los árboles, la orilla oblicua, sus reflejos en el Aven y un molino en la parte trasera derecha. Sérusier simplifica las formas y favorece las relaciones de color, en lugar del modelado y la profundidad tradicionales. La inscripción del reverso sitúa la ejecución en octubre de 1888, bajo la dirección de Gauguin. Reportado en París, este panel se convierte en una referencia para los jóvenes artistas que formaron los Nabis. Su fuerza reside en esta nueva libertad dada al color. Su fuerza reside, sin embargo, en esta nueva libertad dada al color. A menudo comparado con los orígenes de la abstracción, El Talismán permanece vinculado a un paisaje observado: es su traducción pictórica la que se transforma.
Fuente: musee d'Orsay, ficha de Talismán.
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#38 38. Los Alyscamps
Un canal de color azul claro cruza este paisaje otoñal, bordeado de naranjos y masas de color verde oscuro. Tres figuras avanzan en la orilla, mientras que al fondo aparece la torre de la iglesia de Saint-Honorat. A pesar del título, Gauguin deja fuera del cuadro los sarcófagos de la famosa necrópolis de Arles: prefiere el paisaje y sus colores. Creado en 1888, este lienzo pertenece al salón durante el cual trabaja con Van Gogh. Las diagonales del canal y el camino conducen la mirada hacia los caminantes y luego hacia la iglesia. Las diagonales del canal y el camino conducen la mirada hacia los caminantes entonces hacia la iglesia. Las diagonales del canal y el camino conducen la mirada hacia los caminantes entonces.
Fuente: musee d'Orsay, ficha de Alyscamps.
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#39 39. Manzanas y Naranjas
Las manzanas y las naranjas se dividen entre un plato, un corte de pie y los pliegues de un mantel blanco. A la derecha, una jarra con decoración floral responde a los tejidos estampados que ocupan el fondo. Cézanne contrasta la redondez de los frutos con los ángulos y curvas del lino: cada objeto participa en la construcción del conjunto. Los rojos, amarillos y naranjas destacan contra los blancos teñidos de azul y morado. Las inclinaciones de los platos y el soporte destacan contra los blancos teñidos de azul y morado. Las inclinaciones de la vajilla y del soporte hacen que el espacio sea ligeramente inestable, manteniendo al mismo tiempo un equilibrio entre las masas. Pintada hacia 1899, esta naturaleza muerta muestra cómo Cézanne renueva un tema familiar a través del color, el volumen y la organización de los planos. Observar los pliegues ayuda a seguir los vínculos entre los diferentes grupos de frutas.
Fuente: musee d'Orsay, instrucciones para manzanas y naranjas.
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#40 40. Ia Orana María
A la derecha, una mujer con un pareo rojo lleva un niño sobre sus hombros; sus halos los identifican con María y Jesús. Dos mujeres unen sus manos en el centro, mientras que a la izquierda aparece un ángel con alas amarillas. Los frutos en primer plano, los árboles en flor y las grandes superficies coloreadas sitúan esta escena en un paisaje tahitiano imaginado por Gauguin. Pintada en 1891, durante su primera estancia en Tahití, la obra transpone una iconografía cristiana a este nuevo escenario. El título, traducido como "Ave María", combina el saludo tahitiano con las palabras de la Anunciación. Este encuentro de referentes religiosos y figuras polinesias forma parte de la invención del pintor: no debe leerse como un testimonio directo de las creencias locales.
Fuente: Museo Metropolitano de Arte, ficha de Ia Orana Maria.
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#41 41. Dos mujeres tahitianas en la playa
Dos mujeres de pie ocupan casi toda la altura del lienzo. La de la izquierda se ve de frente, mientras que la otra tiene la espalda y gira la cabeza hacia ella. Entre sus siluetas aparece un perro negro. Al fondo, el mar, la espuma y la playa forman bandas azules, blancas y rosadas que contrastan con los tonos marrones y verdes de las figuras. Los fuertes contornos y las superficies de colores simplificados dan a la escena una construcción decorativa. Conservada en Honolulu y fechada entre 1891 y 1894 por el museo, esta pintura pertenece al período de la primera estancia tahitiana de Gauguin. Nos invita a observar cómo el pintor organiza los cuerpos y el paisaje, en lugar de considerar la escena como una descripción objetiva de la vida local.
Fuente: Museo de Arte de Honolulu, presentación de Dos desnudos en una playa de Tahití.
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#42 42. El alboroto
Una fila de bailarines realiza el alboroto, una forma de cancán, frente a los músicos y el director que se ve en primer plano. Piernas levantadas, faldas levantadas y rostros sonrientes componen un ritmo repetido. Seurat organiza esta energía a través de una red de pequeños toques de color y líneas ascendentes: el contrabajo, gestos, bigotes e incluso patrones florales extienden el movimiento hacia arriba. Los tonos cálidos evocan la iluminación artificial de la habitación. Pintada en 1889 -1890, esta escena transforma el espectáculo en una composición cuidadosamente calculada. Nos permite comprender el puntillismo más allá de los puntos visibles: los colores, direcciones y repeticiones participan juntos en la expresión de la música y la danza.
Fuente: Museo Kroeller-Müller, ficha del Chahut.
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#43 43. Fabricante de cortinas, jarras y compotas
Una jarra de gres se alza a la izquierda de un frutero cargado de frutas. Entre ambos, un mantel blanco forma grandes pliegues que atraviesan la mesa y caen por la parte delantera del mueble. La cortina oscura equilibra la masa de frutas a la derecha. Cézanne construye los volúmenes con variaciones de verde, rojo y amarillo, mientras subraya los contornos de ciertos objetos. La inclinación del frutero y las direcciones de la tela crean tensión en esta disposición familiar. Fechado en 1893–1894 por el catálogo razonado, este bodegón permite seguir cómo los colores organizan el espacio. Las frutas aisladas conectan los dos grupos principales, mientras el contraste entre la tela clara y el fondo oscuro guía la mirada por la composición.
Fuente: catálogo de Cézanne raisonné, FWN 854.
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#4444. Pelirroja (El Baño)
1889 · Óleo sobre cartón · 67 × 54 cm · Museo de Orsay, París
En Pelirroja, también conocido por el título El baño, Toulouse-Lautrec representa a una mujer sentada detrás, rodeada de asientos de lino y ratán. Su cabello cobrizo llama la atención entre los grises, azules y amarillos del interior. La vista aérea y el encuadre cercano dan acceso a un momento cotidiano, sin pose solemne. Los rápidos toques permiten que el cartón respire y favorezcan el movimiento de las líneas más que un modelo suave. La influencia de Degas se puede reconocer en este tema íntimo y en la composición descentrada. El contraste entre el fondo claro, los textiles arrugados y los muebles crea un espacio reducido donde la presencia del modelo cuenta más que los detalles de la decoración.
Fuente: Museo de Orsay, RF 2242.
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#4545. Iris
1890 · Óleo sobre cartón diluido montado sobre lienzo · 62,2 × 48,3 cm · Galería Nacional de Canadá, Ottawa
El Iris Concéntrate en una flor azul que emerge de una maraña de hojas y pastos. En este formato vertical, Van Gogh sigue los tallos en líneas suaves y los contrasta con los toques cortos en la parte inferior. Los detalles en verde amarillo, azul y marrón dan a la vegetación una presencia vibrante. No hay horizonte ni barro: el marco acerca al espectador al suelo y hace de la planta el tema completo del cuadro. La flor situada en la parte superior izquierda capta la atención del espectador, mientras que las hojas largas bajan la vista. La flor situada en la parte superior izquierda capta la atención, mientras que las hojas largas bajan la mirada. Este estudio conservado en Ottawa se distingue del gran macizo de iris pintado por Van Gogh y conservado en el Museo Getty.
Fuente: Galería Nacional de Canadá, en Google Arts & Culture.
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#4646. Doctor Paul Gachet
1890 · Óleo sobre lienzo · 68,2 × 57 cm · Museo de Orsay, París
Van Gogh pintó al doctor Paul Gachet en Auvers-sur-Oise, donde el médico lo acompañó durante los últimos meses de su vida. La cabeza sostenida por la mano, el rostro inclinado y la mirada lejana componen una actitud meditativa. La chaqueta y el fondo presentan un azul profundo, al que responde el rojo anaranjado de la mesa. Una rama de dedalera recuerda la actividad médica del modelo. En esta versión conservada en el Museo de Orsay, la flor descansa directamente sobre la mesa y los libros presentes en el otro retrato no aparecen. En esta versión conservada en el Museo de Orsay, los fuertes contornos y las teclas orientadas dan tensión a esta pose fija. Gachet, amante del arte y pinceladas orientadas dan tensión a esta pose fija. Gachet, amante del arte y grabador, aparece así en una relación que va más allá del mero encuentro entre un médico y su paciente.
Fuente: Museo de Orsay, RF 1949 16.
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#47 47. Fatata te Miti
1892 · Óleo sobre lienzo · 67,9 × 91,5 cm · Galería Nacional de Arte, Washington
Fatata te Miti, o Cerca del mar, muestra a dos mujeres que se preparan para bañarse y a un pescador que sostiene una larga lanza en el agua. Un tronco oscuro atraviesa la composición y separa las figuras del primer plano. La orilla rosa y violeta, las flores anaranjadas y el agua de un verde profundo componen un paisaje de colores intensos más que una descripción naturalista. Las siluetas simplificadas y los contornos sinuosos dan a la escena su ritmo decorativo. Pintado durante la primera estancia de Gauguin en Tahití, este cuadro expresa su visión idealizada de la isla. Informa así más sobre el imaginario del pintor que sobre la vida real de las personas representadas. La composición invita a seguir las curvas del tronco y después los gestos de las bañistas hacia el agua.
Fuente: Galería Nacional de Arte, 1963.10.149.
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#48 48. Pérdida de virginidad
1890 -1891 · Óleo sobre lienzo · 89,5 × 130,2 cm · Museo de Arte Chrysler, Norfolk
En La pérdida de la infanciaGauguin combina una figura alargada, un zorro y un paisaje costero bretón para construir una escena simbólica. El cuerpo luminoso cruza el primer plano, mientras que los campos rosados, las colinas verdes y el mar azul se superponen en amplias bandas. Una pequeña procesión sigue un camino a lo lejos. El museo interpreta la gavilla de trigo cerca de los pies como un signo de fertilidad y el zorro como una presencia amenazante. Estos elementos dan a la pintura una ambigüedad que el paisaje por sí solo no sería suficiente para explicar. Creada antes de la partida de Gauguin a Tahití, la obra ya muestra su gusto por los colores simplificados y por las imágenes cuyo significado va más allá de la representación de un lugar.
Fuente: Museo de Arte Chrysler, 71.510.
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#49 49. El pino Buenaventura
1893 · Óleo sobre lienzo · 65,7 × 81 cm · Museo de Bellas Artes de Houston
En Le Pin de Bonaventure en Saint-Tropez, opus 239Signac le da a un pino paraguas la presencia de un retrato real. Su gran corona oscura ocupa casi todo el lienzo, sobre una pendiente verde y una bahía por donde pasan algunos veleros. Los puntos azules y verdes del follaje están animados por acentos amarillos y naranjas; el cielo despejado permanece visible entre las ramas. Esta yuxtaposición de colores caracteriza el método divisionista del pintor. Tras un estudio sobre el motivo, Signac creó la composición final en el taller. Tras un estudio sobre el motivo, Signac creó la composición definitiva en el taller. La silueta organizada en arabescos combina observación y estilización. Pintada poco después de descubrir Saint-Tropez, la pintura muestra cómo la luz mediterránea nutre su trabajo sobre coloridos contrastes y el equilibrio de formas.
Fuente: Museo de Bellas Artes, Houston, 74.142.
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#50 50. Día de Dios
1894 · Óleo sobre lienzo de lino · 68 × 91 cm · Instituto de Arte de Chicago
Día de Dios, o Mahana no atua, organiza un paisaje en torno a una estatua erigida en el centro. Las figuras caminan, llevan ofrendas o descansan sobre un banco rosa. En primer plano, un bañista está rodeado por dos figuras reclinadas y grandes playas de agua en colores amarillo, azul, verde y naranja. Estas formas entrelazadas dan a la superficie un ritmo casi abstracto. Gauguin crea el cuadro en París después de su primera estancia en Tahití: compone a partir de recuerdos e imaginación. Por lo tanto, no describe una ceremonia observada en el lugar. Compone a partir de recuerdos e imaginación. Los grupos de personajes, el paisaje simplificado y los colores inusuales construyen un mundo simbólico, donde los gestos y las formas cuentan tanto como el tema religioso anunciado por el título.
Fuente: Instituto de Arte de Chicago, 1926.198.
Descubrir →Los volúmenes cebannianos, los puntos neoimpresionistas y los sólidos sintetistas ofrecen varias respuestas a la misma pregunta: ¿qué hacer después de la sensación inmediata?
#51 51. Aire vespertino
Hacia 1893 · Óleo sobre lienzo · 116 × 166 cm · Museo de Orsay, París
Aire vespertino Representa a mujeres descansando y moviéndose bajo pinos, cerca de un mar por donde pasan veleros. Los troncos verticales marcan el paisaje, mientras que la orilla y el horizonte estiran la escena horizontalmente. Cross elige una tarde tranquila y compone un paisaje ideal más que un momento fugaz. Para este gran formato, amplía el toque neoimpresionista: los pequeños rectángulos de colores producen un efecto mosaico, especialmente visible en los vestidos, el suelo y el follaje. La obra responde al proyecto decorativo propuesto por su amigo Signac en 1893. Luego se le ofreció, fue descubierto por Matisse en su casa y alimentó su reflejo Lujo, calma y voluptuosidad. Su luz combina así el resto de figuras y vibraciones coloreadas.
Fuente: Museo de Orsay, RF 1976 81.
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#52 52. El Golfo de Marsella visto desde Estaque
1878 -1879 · Óleo sobre lienzo · 59,5 × 73 cm · Museo de Orsay, París
En esta vista de Golfo de Marsella de L'Estaque, Cézanne contempla la bahía desde lo alto de la costa. Casas, muros y una chimenea industrial ocupan el primer plano, entre rocas y vegetación. Más allá se extiende el agua azul, la cadena de colinas y una franja de cielo despejado. Estas cuatro zonas organizan el paisaje por masas más que por una perspectiva regular. Los elementos construidos se destacan por contornos oscuros más que por una perspectiva regular. Los elementos construidos se resaltan por contornos oscuros, mientras que los toques yuxtapuestos animan los árboles y las piedras. El contraste entre la densa costa y el mar más liso da estabilidad a la composición. Conservada en el Museo de Orsay, esta versión de 1878 -1879 pertenece al legado de Caillebotte y se distingue de las vistas posteriores del mismo golfo.
Fuente: Museo de Orsay, RF 2761.
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#53 53. En el Salón de la rue des Moulins
1894 · Óleo sobre lienzo · 111 × 132 cm · Museo Toulouse-Lautrec, Albi
En En el Salón de la rue des Moulins, Toulouse-Lautrec representa la espera de las mujeres en un burdel parisino. El museo conecta esta escena en el momento del reconocimiento médico. Un gran sofá rojo ocupa el primer plano, mientras que las figuras sentadas parecen absorbidas en sus pensamientos. La pierna y el brazo alargados del modelo más cercano trazan una diagonal que organiza el espacio; la curva del sofá cierra la composición. Los rojos, rosas y verdes amortiguados refuerzan la impresión de un interior cerrado. Lautrec individualiza rostros y actitudes en lugar de reducir a las mujeres a un grupo anónimo. La pintura individualiza así rostros y actitudes en lugar de reducir a las mujeres a un grupo anónimo. La pintura muestra así un tiempo de espera y fatiga, lejos del movimiento parisino que también representa el pintor.
Fuente: Museo Toulouse-Lautrec, Albi.
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#54 54. Comedor en el campo
1913 · Óleo sobre lienzo · 164,47 × 205,74 cm · Instituto de Arte de Minneapolis
Comedor rural representa el interior de Mi caravana, la casa comprada por Bonnard en Vernonnet en 1912. Una gran mesa de mantel blanco ocupa el primer plano; los gatos se deslizan entre las sillas y Marthe aparece en la ventana. La puerta y la ventana abiertas comunican la habitación con el jardín. Los rojos anaranjados de las paredes y la ropa responden a los verdes y azules del paisaje, mientras que los toques libres conectan los objetos con el color. Bonnard pinta aquí de memoria, favoreciendo su percepción personal de este espacio familiar. La pintura combina así una escena doméstica reconocible con una organización colorida donde el interior y el exterior parecen compartir la misma luz.
Fuente: Instituto de Arte de Minneapolis, 54.15.
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#55 55. Mujer joven empolvándose
Alrededor de 1888 -1890 · Óleo sobre lienzo · 95,5 × 79,5 cm · Courtauld Gallery, Londres
Mujer joven empolvándose representa a Madeleine Knobloch, compañera de Seurat, ante un pequeño espejo colocado sobre una mesa. Su mano sostiene una borla para polvos, mientras su mirada acompaña el gesto del aseo. El moño, el corpiño y la falda construyen grandes volúmenes redondeados, a los que responden las curvas del mobiliario. Los puntos de color cubren tanto el rostro como la ropa y el fondo azul con motivos. Este método puntillista anima las superficies mediante la yuxtaposición de tonos contrastados. El tema íntimo se distingue de las grandes escenas de ocio del pintor: Seurat da aquí una amplitud monumental a un gesto cotidiano. La armonía entre las formas del cuerpo, el espejo y el decorado transforma esta escena familiar en una composición cuidadosamente organizada.
Fuente: Galería Courtauld, P.1932.SC.396 ; comentario del museo.
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#56 56. El inglés en Moulin-Rouge
1892 · Óleo sobre cartón · 85,7 × 66 cm · Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
El inglés en el Moulin Rouge Muestra a William Tom Warrener, pintor inglés y amigo de Toulouse-Lautrec, conversando con dos mujeres. El sombrero de copa y el traje oscuro forman una silueta compacta, frente a ropa ligera y rostros muy cerrados. El encuadre corta las figuras y concentra la escena en su intercambio. Las líneas rápidas y las áreas visibles de cartón y los detalles en amarillo y morado dan a la pintura la apariencia de un estudio animado. El museo interpreta la oreja enrojecida de Warrener como un signo de vergüenza en esta conversación. Producida en 1892, la pintura prepara una litografía en color del mismo tema. Revela el paso entre la observación de los habituales de Moulin Rouge y la simplificación gráfica que caracteriza las impresiones de Lautrec.
Fuente: Museo Metropolitano de Arte, 67.187.108.
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#57 57. Pechos con flores rojas
1899 · Óleo sobre lienzo · 94 × 72,4 cm · Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Conservado en el Museo Metropolitano bajo el título Dos tahitianos, esta pintura también se conoce como Pechos con flores rojas. Dos figuras cercanas ocupan casi todo el formato vertical: una presenta una bandeja de frutas, la otra sostiene flores y se vuelve hacia su compañera. Los tejidos azules, tonos de piel y acentos rojos destacan de un fondo vegetal simplificado. Los gestos y miradas dan a la escena una presencia silenciosa. El museo destaca que Gauguin construye una visión imaginaria de Tahití, alimentada por referencias al desnudo clásico y su propia visión de las mujeres indígenas. Por lo tanto, la obra se lee como una composición idealizada más que como un documento sobre su vida diaria. Por lo tanto, la obra se lee como una composición idealizada en lugar de un documento sobre su vida diaria. La obra se lee como una composición idealizada en lugar de un documento sobre su vida diaria. La obra se lee como una composición idealizada.
Fuente: Museo Metropolitano de Arte, 49.58.1.
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#58 58. Las Musas
Maurice Denis traslada las musas antiguas a un jardín poblado de mujeres con vestidos contemporáneos. En primer plano, tres figuras sentadas forman un círculo de conversación; Marthe, su esposa, aparece dos veces en este grupo. Los troncos de los castaños dan ritmo a la superficie, mientras las hojas y las telas dibujan motivos que se corresponden. La escena se inspira en la terraza de Saint-Germain-en-Laye, pero los colores y las siluetas simplificadas le dan una atmósfera de bosque sagrado. Las zonas de color plano y los contornos marcados muestran el gusto de los Nabis por una pintura decorativa. Observa sobre todo cómo los vestidos prolongan los arabescos del follaje: el paisaje y los personajes componen juntos un mismo ritmo.
Fuente: museo de Orsay, Las Musas.
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#59 59. La guerra
Una mujer que blande una espada y una antorcha atraviesa un paisaje devastado sobre un caballo negro. Debajo de ella, las víctimas yacen por el suelo y los cuervos invaden la escena. Rousseau personifica así la guerra, sin narrar una batalla identificable. Las ramas rotas, las nubes rojas y las grandes siluetas oscuras dan a esta alegoría una violencia que su dibujo simplificado hace aún más sobrecogedora. El museo de Orsay recuerda el peso de la guerra franco-prusiana y de la Comuna en su contexto. Presentada en el Salón de los Independientes de 1894, la obra divide a la crítica. Observa el contraste entre el impulso horizontal del caballo y la inmovilidad de los cuerpos: toda la composición opone la fuerza destructora a sus consecuencias humanas.
Fuente: museo de Orsay, La Guerra.
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#60 60. Bañista con los brazos extendidos
En una orilla ocre, un bañista en boxers se encuentra de cara al espectador, con un brazo levantado y el otro bajado. Detrás de él, el agua y el cielo ocupan casi toda la superficie, con algunas construcciones lejanas. Cézanne modela el cuerpo con toques espesos y contornos oscuros, en lugar de un suave gradiente. Los azules y morados del paisaje se encuentran en las sombras de la figura, mientras que tonos cálidos conectan su piel con la orilla. Este pequeño lienzo pertenece a varios estudios del mismo motivo: la versión reproducida es el número FWN 912 del catálogo raisonné. Mira las diagonales de los brazos y el soporte de las piernas: su asimetría le da al personaje una presencia tensa y escultórica.
Fuente: Compañía Paul Cezanne, catálogo raisonné, FWN 912.
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#61 61. Área no varua ino
Dos mujeres ocupan el primer plano: una, sentada de perfil, mira hacia la derecha; el otro apoya la cabeza en la mano. Un árbol oscuro separa sus siluetas de figuras lejanas y playas de colores brillantes. El título tahitiano, escrito en la parte inferior izquierda, se traduce como "Las diversiones del espíritu maligno" en la guía del Museo de Arte de Saint Louis. Esto asocia esta presencia con la figura esculpida que domina la escena de la izquierda. Gauguin, sin embargo, pinta esta visión en Bretaña, después de su regreso de Tahití, y dedica el cuadro a su anfitriona, Madame Gloanec. Este último asocia esta presencia con la figura esculpida que domina la escena de la izquierda. Las sombras moradas y el fondo rosado transforman el paisaje en un escenario simbólico: expresan una atmósfera más que una luz natural.
Fuente: Museo de Arte de Saint Louis, guía de exposición Paul Gauguin: El arte de la invención.
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#62 62. La Montaña Sainte-Victoire con el pino grande
Los troncos y ramas de los pinos enmarcan una vasta llanura, más allá de la cual destaca la Santa Victoria. En esta versión conservada en Washington, Cézanne divide los campos, casas y caminos en pequeñas zonas verdes y ocres. La montaña, más fría y clara, cierra la vista sin aplastar el paisaje. A la derecha, los arcos del viaducto nos recuerdan que este panorama provenzal incluye también el ferrocarril moderno. Las pinceladas permanecen visibles y el lienzo aparece en algunos lugares: la construcción se debe tanto a los intervalos como a las masas pintadas. La construcción se acerca tanto a los intervalos como a las masas pintadas. Observe cómo las ramas en primer plano acompañan las líneas de relieve, mientras que las diagonales de la llanura conducen gradualmente la mirada hacia la cima.
Fuente: La colección Phillips, Mont Sainte-Victoire.
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#63 63. Misterio católico
Maurice Denis traslada la Anunciación a un interior contemporáneo. A la derecha, la Virgen está sentada junto a una ventana; frente a ella, un diácono con un libro sustituye al ángel tradicional, acompañado por dos monaguillos. Las aureolas y el lirio blanco mantienen los signos de lo sagrado, mientras el mobiliario y el paisaje visible al exterior acercan la escena a la vida familiar. Los tonos pálidos, las sombras azuladas y los acentos rojos organizan una luz más espiritual que naturalista. Este lienzo es la segunda de las seis versiones del tema y la mayor según el museo. Observa las verticales de los cirios, el lirio y la ventana: dan a este encuentro silencioso una estructura casi ceremonial.
Fuente: museo Departamental Maurice Denis, Misterio Católico.
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#64 64. Un campo de trigo con cipreses
El trigo dorado ocupa el primer plano, mientras los cipreses elevan su silueta oscura a la derecha. Entre ellos, los olivos y los relieves azulados vinculan la tierra al cielo recorrido por nubes enroscadas. Van Gogh pinta este paisaje del natural durante su estancia en Saint-Rémy; los espesores de pintura hacen visibles los movimientos del pincel en cada parte de la escena. Las pinceladas curvas de los árboles se corresponden con las ondulaciones del cielo, mientras las espigas componen una amplia franja luminosa. La versión reproducida es la del Metropolitan Museum, realizada durante el verano de 1889, antes de las nuevas versiones de la composición en otoño. Observa el contraste entre la verticalidad de los cipreses y los ritmos horizontales del campo: da equilibrio a este paisaje vibrante.
Fuente: Museo Metropolitano de Arte, Campo de trigo con cipreses.
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#65 65. Desnudo en el baño
Marthe, la esposa de Bonnard, yace en una bañera vista desde arriba. Su cuerpo se distingue gradualmente del agua, ya que los reflejos y los colores acercan la piel a la decoración. Los amarillos de la pared y la ventana contrastan con los azules del suelo y los morados de las sombras; el borde blanco de la bañera traza una diagonal que mantiene la legibilidad del espacio. Esta escena familiar se convierte así en una investigación sobre la luz y la percepción. Bonnard a menudo vuelve al motivo del baño, trabajado a partir de notas y recuerdos en lugar de en una pose continua frente al modelo. Observe los pequeños toques de los azulejos: su repetición anima la superficie y dialoga con los contornos más inciertos de la figura.
Fuente: museo de Arte Moderno de París, desnudo en el baño.
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#66 66. Château Noir
El edificio ocre aparece detrás de una vegetación densa, cuyos troncos y follaje dificultan el acceso visual al paisaje. Cézanne opone las fachadas cálidas a los verdes profundos y a los azules del cielo, pero las mismas pinceladas amplias recorren la arquitectura y los árboles. Esta unidad de tratamiento acerca los planos en lugar de profundizar en una perspectiva regular. El Château Noir, cerca de Aix-en-Provence, es un edificio neogótico que evoca antiguas ruinas; Cézanne lo convierte varias veces en tema pictórico. La versión ilustrada, conservada en el MoMA, pertenece a los últimos años de su carrera. Observa las ventanas y los paños de muro que emergen entre las ramas: bastan unas pocas formas geométricas para hacer reconocible el edificio en esta trama de colores.
Fuente: Museo de Arte Moderno, Château Noir.
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#67 67. La comida
Una gran dieta de plátanos rojos, un recipiente de madera y algunas frutas dominan la mesa, frente a tres niños con miradas divergentes. Gauguin combina aquí naturalezas muertas y figuras humanas, con una desproporción voluntaria que da a los objetos una presencia imponente. Pintado en los primeros meses de su estancia en Tahití, el cuadro no describe una comida observada: el Museo de Orsay subraya el carácter arreglado de esta composición. El mantel blanco, las sombras moradas y el cuchillo oblicuo construyen el espacio, mientras que las bandas de colores de la pared aplanan el fondo. También titulada "Los Plátanos", la obra conserva un elemento de enigma. Observe la figura aislada en la abertura de la derecha: amplía el espacio y acentúa la distancia entre los personajes.
Fuente: musee d'Orsay, Les Bananes, también conocido como Le Repas.
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#68 68. El payaso Cha-U-Kao
Toulouse-Lautrec muestra a Cha-U-Kao en un interior, ocupado ajustando su disfraz en lugar de actuar frente a una audiencia. El gran cuello amarillo y la cinta de su peinado llaman inmediatamente la atención, entre la prenda oscura, el sofá rojo y la pared verdosa. El encuadre cercano hace que la espalda y el gesto de los brazos sean los elementos principales del retrato. Bailarina, payaso y a veces acróbata, Cha-U-Kao pertenece al mundo del Nouveau Cirque y del Moulin Rouge; la Musée d'Orsay conecta su nombre artístico con las palabras "chahut" y "caos". La bailarina, payaso y a veces acróbata, Cha-U-Kao pertenece al mundo del Nouveau Cirque y del Moulin Rouge; La Musée d'Orsay conecta su nombre artístico con las palabras "chahut" y "caos". Las pinceladas rápidas le dan al disfraz una energía casi independiente del personaje. Observe el pequeño rostro en la parte superior izquierda: retrato o reflejo, su presencia sigue siendo ambigua.
Fuente: museo de Orsay, Payaso Cha-U-Kao.
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#69 69. Pirámide de cráneos
Cuatro cráneos se agrupan en pirámide, con una cabeza clara erguida en la cima y formas más oscuras que sostienen el conjunto. El fondo casi negro y la tela blanca acentúan su volumen sin distraer la mirada. Cézanne modula las superficies óseas con pinceladas de ocre, verde y gris: el color hace visibles los cambios de plano, mientras las órbitas se convierten en cavidades muy marcadas. El tema recuerda la tradición de las vanitas, donde el cráneo invita a reflexionar sobre la mortalidad, pero la construcción sigue siendo ante todo una investigación de las relaciones entre formas. Observa las distintas orientaciones de las cabezas y sus superposiciones: dan una densidad singular a este pequeño bodegón, fechado en 1898–1900 en el catálogo razonado.
Fuente: Compañía Paul Cezanne, catálogo raisonné, FWN 874.
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#70 70. Retrato de Alice Sèthe
Fecha: 1888 · Técnica: óleo sobre lienzo · Dimensiones: 195 × 98 cm · Colección: museo Departamental Maurice Denis, Saint-Germain-en-Laye (PMD 978.13.1).
Alice Sèthe está de pie con un largo vestido morado, frente a un espejo que muestra su peinado trasero. El marco dorado, la consola y la escultura oscura conforman un interior elegante, mientras que el formato estrecho acentúa la verticalidad de la figura. Pequeños toques de azul, morado y amarillo animan la tela y la decoración; el rostro conserva una luz más suave. Según el museo Maurice Denis, este es el primer retrato en el que Van Rysselberghe aplica la técnica neoimpresionista descubierta por Seurat. La yuxtaposición de colores busca producir su mezcla en la mirada del espectador. La pintura muestra así cómo el divisionismo puede construir una presencia individual, más allá del paisaje.
Fuente: Museo Maurice Denis - Retrato de Alice Sèthe.
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#71 71. La Torre Eiffel
Fecha: hacia 1889· Técnica: aceite sobre panel · Dimensiones: 24,1 × 15,2 cm · Colección: Museos de Bellas Artes de San Francisco, Legión de Honor.
En este pequeño panel vertical, la Torre Eiffel ocupa casi toda la altura de la imagen. Sus pilares y suelos están perfilados en toques rojos y naranjas sobre un cielo azul pálido, mientras que un árbol, a la izquierda, equilibra la silueta del monumento. Seurat reduce los detalles de la estructura metálica para resaltar sus líneas y proporciones de color. Las teclas siguen siendo visibles incluso en el cielo y en primer plano: la luz se construye mediante yuxtaposición y no mediante un gradiente continuo. Pintada hacia 1889, cuando la torre se convirtió en símbolo de la Exposición Universal, esta vista combina un tema de arquitectura moderna con la colorida investigación del neoimpresionismo.
Fuentes: Legión de Honor - hoja de trabajo ; Museos de Bellas Artes de San Francisco - citas.
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#72 72. La carrera de Bibémus
Fecha: hacia 1895· Técnica: óleo sobre lienzo · Dimensiones: 92 × 73 cm · Colección: Fundación Barnes, Filadelfia (BF34).
En esta versión vertical de La carrera de BibémusA la derecha ocupa un gran frente rocoso, mientras que pinos y matorrales cruzan los bloques en primer plano. Cézanne contrasta los ocres anaranjados de la piedra con los verdes de la vegetación y las sombras gris azuladas. Las superficies cortadas confieren al paisaje una estructura angular, animada por las inclinaciones de los troncos y las ramas. La mirada pasa de un plano a otro sin seguir un camino claramente trazado: la profundidad nace de las relaciones entre colores y masas. Este cuadro de la Fundación Barnes pertenece a las vistas de las canteras cercanas a Aix-en-Provence, donde Cézanne explora el equilibrio entre la solidez mineral y la construcción pictórica del paisaje.
Fuente: Fundación Barnes - Cantera Bibémus, BF34.
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#73 73. En la cama, beso
Fecha: 1892 · Técnica: pintura de gasolina sobre panel · Dimensiones: 45,5 × 58,5 cm · Colección: colección privada, documentada por Christie's en 2015.
Dos mujeres se besan en la cama, con el rostro muy unido entre almohadas y sábanas. El marco apretado extiende casi por completo la habitación y centra la atención en los brazos abrazados. El cabello rojo y los tonos cálidos de la piel destacan de un lino azul grisáceo, cubierto de líneas rápidas que prolongan el movimiento de los gestos. La pintura de esencia permite un material fluido, donde el dibujo permanece muy presente. Esta versión de En la cama, bésalo, enumerado con el número Dortu P.438, pertenece a las escenas de parejas femeninas pintadas por Toulouse-Lautrec en 1892. Combina la observación de un momento íntimo con una composición ajustada alrededor del abrazo.
Fuente: Christie's - En la cama: El beso, Dortu P.438.
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#74 74. El león, teniendo hambre, se arroja sobre el antílope
Fecha: 1898/1905, según la Fundación Beyeler · Técnica: óleo sobre lienzo · Dimensiones: 200×301 cm· Colección: Fundación Beyeler, Riehen/Basilea.
En primer plano, un león atrapa a un antílope, mientras aparecen una pantera y unas aves entre las ramas. Rousseau encierra la escena en una vegetación densa, donde cada hoja se distingue por su contorno y su matiz de verde. El sol rojo, visible al fondo, añade tensión a este paisaje casi inmóvil. La acción violenta contrasta con la precisión regular del follaje: la selva adquiere el aspecto de un decorado construido. Presentado en el Salón de Otoño de 1905, este gran lienzo marca una etapa importante en el reconocimiento de Rousseau. La Fundación Beyeler lo fecha en 1898/1905; su estudio de restauración ha identificado retoques cuyos materiales son compatibles con una intervención del pintor.
Fuentes: Fondation Beyeler - obras y restauración ; hoja expositiva.
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#75 75. Port-en-Bessin, entrada al puerto
Fecha: 1888 · Técnica: óleo sobre lienzo · Dimensiones: 54,9 × 65,1 cm · Colección: Museo de Arte Moderno, Nueva York (126.1934).
Desde lo alto, Seurat mira la entrada al puerto: dos diques enmarcan el paso, por donde circulan varios veleros. Una pendiente cubierta de hierba ocupa el primer plano, mientras que el horizonte y las estructuras portuarias organizan la parte superior en bandas horizontales. Las velas claras marcan el agua, atravesando zonas más oscuras. Pequeños toques verdes, azules y amarillos hacen vibrar las superficies sin borrar la nitidez de la composición. Las velas claras se utilizan aquí para construir los efectos de la luz: los colores yuxtapuestos se combinan en la mirada. Aquí se utiliza el puntillismo para construir los efectos de la luz: los colores yuxtapuestos se combinan en la mirada. El MoMA recuerda que Alfred H. Barr Jr. comparó las velas y sombras de las nubes con melodías independientes unidas en el mismo conjunto armonioso.
Fuente: MoMA - Port-en-Bessin, entrada al puerto.
Descubrir →Bonnard, Denis, Vuillard, Vallotton y obras tardías amplían la experiencia hacia lo íntimo, la decoración y las vanguardias del siglo XX.
#76 76. Clima gris, Grande Jatte
Fecha: hacia 1886 -1888 · Técnica: óleo sobre lienzo · Dimensiones: 70,5 × 86,4 cm · Colección: Museo Metropolitano de Arte, Nueva York (2002.62.3).
Los árboles enmarcan una vista del Sena desde la isla de Grande Jatte. En el centro, una chimenea y pequeñas embarcaciones ocupan aguas claras; en la otra orilla, los tejados rojos aparecen bajo un cielo nublado. La orilla oblicua en primer plano conecta los troncos y guía la vista hacia el río. Seurat anima esta suave luz con multitud de toques verdes, amarillos, azules y morados: el clima gris puede producir así una superficie rica en color. El borde pintado, también puntillista, extiende estos contrastes alrededor del paisaje. Según el Museo Metropolitano, fue añadido poco antes de la primera exposición de la obra en 1889.
Fuente: Museo Metropolitano - Clima gris, Grande Jatte.
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#77 77. Te aa no areois - La semilla del Areoi
Fecha: 1892 · Técnica: aceite sobre arpillera· Dimensiones: 92,1 × 72,1 cm · Colección: Museo de Arte Moderno, Nueva York (SPC14.1990).
Una figura sentada sobre una tela azul y blanca ocupa el centro de este paisaje tahitiano. Su pose inmóvil contrasta con las flores rosadas, las palmeras amarillas y el suelo anaranjado; en primer plano, los frutos refuerzan los acordes de color. Las siluetas oscuras de las montañas y las grandes superficies mal modeladas confieren a la escena un carácter simbólico. Según el MoMA, Gauguin representa aquí a Vairaumati, vinculado al mito original de los Areoi, combinando referencias egipcias, japonesas y javanesas. Esta composición inventada expresa su visión de un pasado polinesio idealizado: la sociedad Areoi ya había desaparecido, en una isla transformada por la colonización. Por tanto, el color participa plenamente en la construcción de la historia.
Fuente: MoMA - La semilla del Areoi.
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#78 78. Hola Sr. Gauguin
En Hola Sr. Gauguin, una barrera de madera separa a un hombre con boina de una mujer bretona vista desde atrás. Un pequeño perro blanco ocupa el fondo del camino; Detrás de las figuras, los coloridos campos y los árboles desnudos organizan la profundidad. Pintado en el otoño de 1889 en Pouldu, Bretaña, este encuentro toma el título de Hola señor Courbet, que Gauguin había descubierto en Montpellier con Van Gogh. La Galería Nacional de Praga destaca el contraste entre la solemne recepción imaginada por Courbet y el saludo más ordinario e irónico de Gauguin. Mira cómo la barrera estructura la composición: une a los personajes en la imagen manteniendo una distancia entre ellos.
Fuente: Galería Nacional de Praga - Hola Sr. Gauguin.
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#79 79. La cuenca del Jas de Bouffan
En La cuenca del Jas de Bouffan, Cézanne enmarca un estanque en la finca familiar cerca de Aix-en-Provence. El invernadero aparece a la izquierda; los grandes árboles, flores y esculturas bordean la piscina. Sus reflejos ocupan todo el primer plano, donde el azul, el verde y el ocre tocan fragmentar las formas. La línea horizontal del borde estabiliza la composición, mientras que los troncos erectos y los chorros de agua le dan su ritmo. Mira los reflejos de los pilares: sus troncos erectos y chorros de agua le dan su ritmo. Mira los reflejos de los pilares: sus colores responden a los de los edificios y conectan las dos mitades de la imagen. Esta versión, catalogada como FWN 92 y fechada alrededor de 1876, permite observar cómo Cézanne construye un paisaje con proporciones de color y direcciones pincelada.
Fuente: Compañía Paul Cezanne - catálogo raisonné, FWN 92. El catálogo menciona 49 × 55 cm y también reporta las medidas del Hermitage: 46,1 × 56,3 cm.
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#80 80. La Bella Ángela
La bella Ángela Representa a Marie-Angélique Satre, hotelera de Pont-Aven, vestida con un traje ceremonial bretón. Gauguin inscribe su rostro, tocado y manos entrelazadas en un gran medallón, desprendido de un fondo azul con motivos florales. A la izquierda, una cerámica antropomórfica de inspiración peruana acompaña al retrato. El Museo de Orsay vincula este marco circular con los grabados japoneses: el espacio se convierte en una superficie decorativa, donde los contornos oscuros y las formas simplificadas cuentan más que la perspectiva tradicional. Mire el contraste entre el tocado claro y la prenda oscura, luego la repetición de las curvas del medallón y la cerámica. El modelo rechazó el cuadro; Degas, que lo admiraba, lo compró en 1891. Estas reacciones opuestas arrojan luz sobre la audacia del retrato.
Fuente: Museo de Orsay - La Belle Angèle, RF 2617.
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#81 81. El sembrador - versión de Winterthur
En esta versión de Sembrador, un campesino atraviesa un amplio campo amarillo, con un saco contra el cuerpo y un brazo extendido para esparcir las semillas. Los surcos y las pinceladas curvas ocupan casi todo el lienzo; los edificios y árboles cercanos a Arlés forman una estrecha franja en el horizonte. La silueta oscura y su sombra se recortan sobre los amarillos, ocres y grises azulados del suelo. En su carta a Theo del 27 o 28 de octubre de 1888, Van Gogh describe un nuevo estudio con un paisaje muy plano y una pequeña figura poco detallada. La edición científica de las cartas identifica esta obra como F 494 / JH 1617. Observa cómo el tamaño reducido del sembrador da toda su amplitud al campo.
Fuentes: Museo Van Gogh e Instituto Huygens - carta 714, nota 5 ; Kunst Museum Winterthur - lista de obras de Villa Flora, núm. 18.
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#82 82. Vista desde el taller de Vincent
Vista desde el taller de Vincent Muestra una maraña de tejados, chimeneas y fachadas parisinas vistas desde arriba. Las secciones de color gris azulado se superponen; las pequeñas chimeneas de color naranja y algunos toques verdes rompen la sobria gama. El cielo despejado ocupa la parte superior de la imagen, mientras que la vegetación cierra el primer plano. Pintado en París en junio de 1886, este pequeño óleo sobre cartón invita a observar la ciudad a través de sus volúmenes y superficies. Mira cómo las chimeneas verticales interrumpen las diagonales de los tejados: dan puntos de referencia en un espacio muy denso. Mira cómo las chimeneas verticales interrumpen las diagonales de los tejados: proporcionan puntos de referencia en un espacio muy denso. Los toques visibles siguen las pendientes de los tejados y animan las fachadas, sin recurrir a una escena callejera ni a personajes.
Fuente: Museo Van Gogh - Vista desde Vincent's Studio, s0095V1962.
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#83 83. La ventana abierta
En La ventana abierta, Bonnard pone en diálogo una habitación de su casa en Normandía con el jardín exterior. El azul del cielo y los verdes del follaje contrastan con los rojos y anaranjados de las paredes y los muebles. Un estor oscuro corta la parte superior de la abertura; la hoja clara de la ventana a la derecha prolonga la luz en la estancia. Una mujer y un gato aparecen discretamente en el ángulo inferior derecho. Observa cómo estas presencias se descubren después de la ventana, que atrae primero la mirada. La Phillips Collection recuerda que Bonnard trabajaba de memoria: esta escena doméstica es una reconstrucción pictórica. La restauración de 2023 reveló que incluso el gato aparentemente negro está pintado con mezclas de azul y rojo.
Fuentes: La colección Phillips - La ventana abierta, núm. 0172 ; Mundos de Bonnard: examen y restauración de la pintura.
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#84 84. El lago de Annecy
En Lago Annecyun gran árbol a la izquierda enmarca el agua azul, el castillo en la orilla y las montañas. Los reflejos extienden las formas en la mitad inferior del cuadro, mientras que las ramas cruzan el paisaje en diagonal. Cézanne pintó esta vista durante una estancia en los Alpes con su esposa y su hijo en 1896. Según la Galería Courtauld, es el único cuadro realizado durante este viaje. El pintor reorganiza este paisaje que considera demasiado pintoresco: el castillo se convierte en un conjunto de volúmenes geométricos y las laderas se construyen en zonas de colores contrastantes. Mira cómo los ocres del tronco y los edificios responden a los azules y verdes del lago: el color conecta los diferentes planos.
Fuente: Galería Courtauld - Lago Annecy, P.1932.SC.60.
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#85 85. Dos mujeres bretonas en un prado
En Dos mujeres bretonas en un prado, Émile Bernard coloca las dos pequeñas figuras en el ángulo inferior derecho, en medio de un paisaje dominado por los árboles y el cielo. La pradera amarilla y verde, las sombras azuladas y el follaje están construidos con una multitud de pequeñas pinceladas diferenciadas. Observa cómo los colores se mezclan a distancia y cómo cada pincelada reaparece al acercarse. Pintado en Pont-Aven en 1886, este óleo sobre tabla da testimonio de una fase de experimentación puntillista de Bernard, descrita por el catálogo científico del Van Gogh Museum. La diagonal descendente de la línea de árboles conduce hacia los personajes; su pequeño tamaño hace sentir la extensión del prado. Este cuadro permite comprender la diversidad de sus investigaciones antes de las grandes composiciones de contornos delimitados de 1888.
Fuentes: Museo Van Gogh - Dos mujeres bretonas en un prado ; catálogo científico - Investigación de Bernard en 1886.
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#86 86. La Casa Amarilla
La casa amarilla representa la Place Lamartine en Arles, donde Van Gogh alquiló cuatro habitaciones en mayo de 1888. Las contraventanas verdes identifican su alojamiento en el edificio de la esquina. Las fachadas amarillas y la calzada contrastan con un cielo azul intenso; Las líneas de las calles conducen al puente del ferrocarril y al tren de la derecha. Pequeños transeúntes y figuras sentadas animan el entorno de la casa. El Museo Van Gogh recuerda que el artista llamó a este cuadro La calle : también muestra el restaurante donde comió a la izquierda y el barrio de su amigo Joseph Roulin más allá del segundo puente. Mire el encuentro del amarillo y el azul: da unidad visual al lugar donde Van Gogh quería reunir a pintores para vivir y trabajar juntos.
Fuente: Museo Van Gogh - La Casa Amarilla (La Calle), s0032V1962.
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#87 87. El Chenal de Gravelines, una tarde
En El Chenal de Gravelines, una tarde, Seurat organiza una vista portuaria en torno a grandes franjas horizontales: el muelle oscuro en primer plano, el agua clara, la orilla opuesta y el cielo. Un poste a la izquierda y las anclas oblicuas a la derecha enmarcan los veleros, cuyas siluetas y reflejos salpican el canal. Observa la diferencia entre estos objetos cercanos, muy oscuros, y los barcos más pálidos: hace legible la distancia pese a una superficie enteramente cubierta de pequeñas pinceladas. Fechado en el verano de 1890 por el MoMA, este óleo sobre lienzo muestra cómo el puntillismo puede combinar una estructura geométrica firme con una luz delicada. Los puntos rosas, azules, verdes y amarillos animan incluso las zonas que parecen casi blancas a distancia.
Fuente: MoMA - El canal de Gravelines, tarde, 785.1963.
Ver el trabajo en el MoMA →
#88 88. Retrato de Eugène Boch
En el Retrato de Eugenio BochVan Gogh contrasta la cabeza clara y la chaqueta amarilla del pintor belga con un fondo azul intenso cubierto de estrellas. El rostro estrecho, los ojos verdes y la corbata a rayas dan al modelo una presencia precisa; Sin embargo, el cielo transforma el retrato en una imagen imaginaria. El Museo de Orsay explica que Van Gogh quería expresar su afecto por este amigo artista sustituyendo una pared ordinaria por una evocación del infinito. Llamó a la obra El poeta. Mira cómo los amarillos del rostro y la vestimenta responden a las estrellas: el color une a la persona a este fondo simbólico. Van Gogh enmarcó el cuadro y lo colgó en su habitación de la Casa Amarilla; aparece en la primera versión de El dormitorio.
Fuente: Museo de Orsay - Eugène Boch, RF 1944 9.
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#89 89. La vid roja
En La vid rojaVan Gogh transforma la cosecha cerca de Arles en una confrontación de colores: las enredaderas rojas y naranjas responden a la ropa azul y verde de los trabajadores, bajo un sol amarillo brillante. La hilera de árboles de la izquierda y el camino despejado de la derecha dirigen la mirada hacia el fondo, mientras que las siluetas curvas hacen notar el trabajo de la cosecha. Mire las gruesas teclas orientadas: le dan al terreno un movimiento que va más allá de la simple descripción del paisaje. Pintado en noviembre de 1888, este lienzo se conserva en el Museo Pushkin. Anna Boch lo compró en Bruselas en 1890; Es una de las raras obras vendidas durante la vida de Van Gogh y no debe presentarse como su única venta.
Fuentes: museo Pushkin — catálogo actual, Ж-3372 ; ficha histórico del museo.
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#90 90. Arlequín
En Arlequínezanne pinta a su hijo Paul disfrazado de personaje de la commedia dell'arte. Los diamantes rojos y negros recortan la silueta en una pared azul verdosa, mientras que el sombrero claro y la espada de madera introducen acentos luminosos. Mire la larga diagonal de esta espada, las piernas desplazadas y la mano grande: estos detalles le dan a la pose una tensión que el rostro impasible parece contener. El colgar sobre el personaje recuerda al teatro, pero ningún público ni pareja anima el escenario. Esta versión conservada en Washington pertenece a un conjunto que incluye Mardi Gras y varios arlequines aislados. Los toques visibles construyen el cuerpo y la decoración a través de superficies coloreadas en lugar de mediante un dibujo cuidadoso.
Fuente: Galería Nacional de Arte - Arlequín, 1985.64.7.
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#91 91. El caballo blanco
En El caballo blancoGauguin imagina un paisaje tahitiano cerrado por vegetación, sin cielo ni horizonte. El caballo en primer plano bebe en un arroyo oscuro; su pelaje adquiere matices verdes que lo relacionan con el follaje. Dos jinetes más pequeños extienden la escena hacia arriba, mientras que las ramas y flores sinuosas construyen un marco decorativo. Mire cómo los profundos acentos azules, verdes y naranjas organizan el espacio: el color importa más que la perspectiva realista. Pintada durante la segunda estancia de Gauguin en Tahití, esta composición es una cuestión de visión recompuesta más que de un estudio fiel. Pintada durante la segunda estancia de Gauguin en Tahití, esta composición es una cuestión de visión recompuesta más que de una encuesta fiel. El museo informa que su patrocinador rechazó la pintura porque el caballo le parecía demasiado verde: el color cuenta más que la perspectiva realista. El museo informa que su patrocinador rechazó la pintura porque el caballo le parecía demasiado verde: el color cuenta más.
Fuente: musee d'Orsay - El caballo blanco, RF 2616.
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#92 92. Homenaje a Cézanne
En Homenaje a Cézanne, Maurice Denis reúne a artistas y críticos en la galería de Ambroise Vollard. Cézanne es mencionada por Compotier, vidrio y manzanas, naturaleza muerta colocada sobre el caballete. A la izquierda, Odilon Redon escucha a Paul Sérusier, cuyas manos abiertas dan a la discusión una presencia visible. Entre las otras figuras se encuentran Vuillard, Vollard, Denis, Ranson, Roussel, Bonnard y Marthe Denis. Mire el contraste entre la ropa oscura y los rostros, luego entre estas siluetas y las coloridas pinturas del fondo: organiza este retrato colectivo en torno al cuadro y sus defensores. Creada en 1900, la obra afirma las referencias de algunos de los Nabis. André Gide lo compró antes de entregárselo al Estado en 1928.
Fuente: musee d'Orsay - Homenaje a Cézanne, RF 1977 137.
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#93 93. Solo
En Solo, Toulouse-Lautrec agarra a una mujer acostada en una cama deshecha, con la cabeza hacia la derecha y las piernas cayendo hacia el primer plano. Las medias negras forman dos acentos oscuros entre las sábanas blancas; unas cuantas líneas azules son suficientes para indicar el cuerpo, el colchón y los pliegues. Mire las grandes zonas ocres que quedan visibles: el cartón contribuye al color de este estudio, cuya rápida ejecución da la impresión de un gesto inmediato. Realizado en 1896, se prepara Cansancio, una litografía del álbum Ellos, dedicado a la vida cotidiana de las mujeres de burdeles. La escena muestra un momento de descanso sin pose mundana ni juicio moral. Su pequeño formato y material ligero centran la atención en la actitud de la modelo.
Fuente: musee d'Orsay - Solo, RF 1984 30.
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#94 94. Autorretrato con sombrero de paja
En esto Autorretrato con sombrero de pajaVan Gogh contrasta el amarillo del sombrero y los tonos rojos de la barba con los azules y verdes de la chaqueta. Los pequeños toques siguen las curvas del rostro y el tocado, mientras que los de la espalda crean una vibración alrededor de los ojos. Mire cómo los colores siguen siendo distintos de cerca pero construyen los volúmenes juntos desde la distancia: esta versión de 1887 atestigua la investigación parisina del artista sobre el pincelada y el color. Debido a la falta de medios para contratar regularmente a un modelo, Van Gogh multiplicó los autorretratos durante su estancia en París. Al carecer de medios para contratar regularmente a un modelo, Van Gogh multiplicó los autorretratos durante su estancia en París. Al carecer de medios para contratar regularmente a un modelo, Van Gogh multiplicó los autorretratos parisinos del artista sobre el pincelada y el color. Falta de medios para contratar regularmente a un modelo, Van Gogh multiplicó los autorretratos durante su estancia en París. Falta de medios para contratar regularmente a un modelo, Van El pelador de patatas, pintado en 1885.
Fuente: Museo Metropolitano de Arte - Autorretrato con sombrero de paja, 67.187.70a.
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#95 95. Jardines públicos: niñas jugando
En Jardines públicos: niñas jugando, Vuillard utiliza un formato alto y estrecho para hacer emerger a los niños entre un gran tronco y follaje. Los vestidos rojos, azules y amarillos marcan la parte inferior de la composición, mientras que los toques claros del suelo y los árboles unen las figuras al jardín. Mira el tronco que esconde parte del grupo: este encuadre transforma una escena de juego en una disposición decorativa de formas y colores. El panel pertenece al ciclo de nueve Jardines públicos encargado en 1894 por Alexandre Natanson para su interior parisino. El expediente Orsay precisa que Vuillard lo retomó en 1936. Su composición se entiende así en un entorno destinado a rodear a los habitantes con una habitación.
Fuentes: museo de Orsay - Panel RF 1978 46 ; presentación del ciclo.
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#96 96. Desfile del circo
En Desfile circense, Seurat representa una atracción que se ofrece fuera del Circo Corvi para animar a los transeúntes a comprar una entrada. El trombonista central, los músicos de la izquierda y las figuras de la derecha aparecen bajo una hilera de quemadores de gas, mientras que los sombreros del público recortan la parte inferior del cuadro. Mira las líneas horizontales de la balaustrada y las verticales de los personajes: dan una estructura casi inmóvil a esta escena escénica. Los pequeños toques de colores producen una luz difusa, muy diferente al pleno sol de El gran Jatte. Iniciada a partir de bocetos en 1887 y terminada en 1888, esta composición es la primera gran pintura nocturna de Seurat dedicada al entretenimiento popular.
Fuente: Museo Metropolitano de Arte - Desfile del Circo, 61.101.17.
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#97 97. El globo
En El globoVallotton contempla el jardín desde un punto alto. Un niño con bata blanca y sombrero amarillo corre hacia una pequeña bola roja, por un camino ocre atravesado por las sombras de los árboles. Dos mujeres diminutas, de color azul y blanco, se encuentran más lejos, cerca del follaje. Mire la brecha entre su tamaño y el del niño, luego la gran curva que separa el camino de la luz de la vegetación oscura: estas opciones dan profundidad y hacen del paisaje una superficie casi plana. Pintada en 1899, la obra combina una escena familiar con un encuadre atrevido. La obra combina una escena familiar con un encuadre atrevido. Las formas simplificadas y las áreas coloreadas dejan tanta importancia al vacío del jardín como a los personajes.
Fuente: museo de Orsay - Le Ballon, RF 1977 353.
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#98 98. Yo mismo, retrato de paisaje
En Yo mismo, retrato de paisajeRousseau se representa de pie con traje y boina negros, sosteniendo una paleta y un pincel. Su silueta monumental domina un muelle parisino, un barco con bandera, un puente y la Torre Eiffel; un globo aerostático flota en el cielo. Mire a los dos pequeños caminantes a la orilla del agua: su escala subraya el lugar que el pintor se atribuye a sí mismo en este paisaje recompuesto. Los contornos nítidos y los detalles cuidadosamente separados dan a la escena una solemnidad singular. El título combina explícitamente retrato y paisaje, y las herramientas pictóricas afirman la identidad profesional de Rousseau. Fechada en 1890, la pintura pertenece a la Galería Nacional de Praga, tras su adquisición por el Estado checoslovaco en 1923.
Fuentes: Galería Nacional de Praga - retrato O 3221 ; museo del invernadero - Folleto Rousseau 2026, formato y técnica.
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#99 99. Huertos en flor, vista de Arles
En Huertos en flor, vista de ArlesVan Gogh coloca un gran árbol cortado a la derecha, tan cerca del ojo que sus ramas destacan del marco. Detrás de él, los árboles en flor, los tejados anaranjados y las torres de Arles se superponen sobre una pradera verde. Mire los pequeños toques blancos y amarillos de las flores que dan a los contornos azul y violeta de las ramas: hacen vibrar la primavera sin borrar la estructura de los árboles. Fechada en abril de 1889, esta versión conservada en Ámsterdam lleva el número F515; destaca de la vista F516 conservada en Munich. El museo destaca la influencia de los grabados japoneses en el marco del árbol en primer plano, lo que transforma el paisaje en una composición deliberadamente descentrada.
Fuentes: Museo Van Gogh: ficha publicado en Google Arts & Culture ; tienda del museo - dimensiones originales, s0036V1962.
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#100 100. Paisaje tahitiano
En Paisaje tahitianoUn camino rosa atraviesa una pradera amarilla y verde antes de llegar a los árboles al pie de una montaña roja. Un personaje que lleva una carga avanza por este pasaje, mientras que a la izquierda destaca un perro pequeño. Mire las palmeras con troncos finos: sus verticales conectan el primer plano con las nubes claras, mientras que las masas de colores simplifican el relieve. Pintado en 1891, durante la primera estancia de Gauguin en Tahití, este lienzo prefiere contornos sinuosos y colores intensos en lugar de una fiel restitución de la luz. El museo de Minneapolis lo ve como una búsqueda de la serenidad tropical: el paisaje expresa así una visión construida por el pintor, más que un documento neutral en la isla.
Fuente: Instituto de Arte de Minneapolis, ficha y dimensiones de la obra.
Descubrir →Lo que revelan las obras
Cien obras, tres libertades decisivas
Las obras revelan varias formas de organizar el color, la forma y el tema. Comparar sus métodos nos permite comprender la diversidad del postimpresionismo.
El color deja de obedecer
Puede intensificar una emoción, separar tomas o construir un acuerdo sin reproducir exactamente el tono observado.
La pintura afirma su superficie
Contornos, zonas planas, puntos y ritmos hacen visible la organización de la superficie pintada.
Cada artista inventa su propio método
Las series, el sintetismo, el divisionismo, la construcción o la decoración se convierten en programas personales más que en una doctrina común.
Cronología de bifurcaciones
Cinco fechas para salir del mismo camino
La octava exposición impresionista da la bienvenida a Seurat y Signac mientras las trayectorias del grupo se separan.
Van Gogh trabajó en el Sur mientras Gauguin, Bernard y Sérusier desarrollaban pintura sintética en Bretaña.
Van Gogh pintó en Saint-Remy mientras los nuevos colores expresivos ganaban un poder histórico duradero.
Gauguin busca nuevos motivos y construye imágenes cuya fuerza visual también requiere una mirada crítica al contexto colonial.
Roger Fry organizó la exposición Manet and the Post-Impressionists en Londres y fijó el término retrospectivamente.
Movimiento profundo
¿por qué importa tanto el postimpresionismo?
El postimpresionismo se refiere a una diversidad de investigaciones resultantes del impresionismo. Se entiende mejor comparando obras que buscando una técnica común. Las conexiones aquí propuestas se utilizan para observar diferencias en construcción, color y tema.
En Van Gogh, las direcciones pincelada y los contrastes de color dan especial intensidad a los paisajes y retratos. Cézanne examina los volúmenes y las relaciones entre tomas. Gauguin simplifica las formas y, en ocasiones, asocia las escenas representadas con contenido simbólico. Seurat y Signac separan los colores en toques organizados.
La selección también presenta artistas cercanos o herederos de estos enfoques. Los decorados de Bonnard, Vuillard y Maurice Denis muestran en particular que la mirada puede centrarse tanto en la superficie pintada como en la profundidad del escenario. Su presencia amplía el viaje más allá de las cuatro figuras habitualmente asociadas al postimpresionismo.
Varios títulos designan diferentes series o versiones. La colección, fecha e imagen de cada ficha permiten especificar cuál se presenta. No se debe utilizar una dimensión redondeada o una atribución antigua para confundir dos obras: las referencias dan acceso a información de museos y catálogos.
No todos los originales están pintados sobre lienzo. Algunas obras de esta ruta utilizan cartón, panel o arpillera. La información técnica describe el original; Se debe consultar el formato y soporte de una reproducción en su propio archivo.
Cuatro claves de lectura
Mire más allá de la primera impresión
Compare estructura, color, contorno y ritmo en imágenes para identificar las elecciones únicas de cada artista.
Identificar los volúmenes
En Cézanne, los planos, las líneas y las masas dan al motivo una solidez que ya no depende de la anécdota.
Observa las brechas
Una sombra alejada de la realidad puede expresar tensión, un recuerdo o la intensidad de un lugar.
Sigue las zonas planas
Las ojeras y las superficies simplificadas acercan determinadas obras a grabados, vidrieras o carteles.
Compara pinceladas y puntos
Repeticiones, direcciones e intervalos de colores organizan la circulación de la mirada por todo el lienzo.
Mapeo de talleres
Continúe después del último color
Consulte las colecciones de artistas y los recursos del museo para ampliar las comparaciones.
En Alpha Reproduction
01Vicente van GoghLos maestros del posimpresionismo02Georges SeuratLos maestros del posimpresionismo03Pablo CézanneLos maestros del posimpresionismo04Pablo GauguinLos maestros del posimpresionismo05Henri de Toulouse-LautrecLos maestros del posimpresionismo06Henri RousseauLos maestros del posimpresionismo07Pablo SignacLos maestros del posimpresionismo08Paul SérusierLos maestros del posimpresionismo09Cruz Henri EdmondLos maestros del posimpresionismo10Pedro BonnardLos maestros del posimpresionismo11PostimpresionismoColecciones y guías12Reproducciones postimpresionistasColecciones y guías13Pinturas famosasColecciones y guías14Todas las pinturas superiores famosasColecciones y guías15Reproducciones Vincent van GoghColecciones y guías16Reproducciones Paul CézanneColecciones y guías17Todas las reproducciones de pinturasColecciones y guíasMuseos y referencias
01Wikipedia - PostimpresionismoMuseo y referencia02Wikidata - PostimpresionismoMuseo y referencia03Wikimedia Commons - PostimpresionismoMuseo y referencia04Musee d'Orsay - colecciones postimpresionistasMuseo y referencia05Museo Van Gogh - colecciónMuseo y referencia06MoMA - PostimpresionismoMuseo y referencia07Galería Nacional - postimpresionismoMuseo y referencia08Wikipedia - Georges SeuratMuseo y referenciaPreguntas frecuentes
Preguntas y respuestas sobre el postimpresionismo
Las respuestas esenciales para comprender sus fronteras, distinguir sus corrientes y reconocer obras verdaderamente centrales.
¿qué es el postimpresionismo?
El postimpresionismo reúne varios enfoques que amplían o transforman la investigación impresionista. No corresponde a una sola escuela: la construcción de formas, el color expresivo, el simbolismo y los toques divididos ocupan diferentes lugares según el artista.
¿quiénes son los principales pintores postimpresionistas?
Cézanne, Van Gogh, Gauguin y Seurat constituyen hitos importantes. Esta selección también presenta a Signac, Toulouse-Lautrec, Émile Bernard, Sérusier, Cross y artistas cercanos a esta investigación, en particular Nabis Bonnard, Vuillard y Maurice Denis.
¿cuáles son las diferencias entre impresionismo y postimpresionismo?
Los impresionistas exploran en particular la luz cambiante y las escenas de la vida moderna. Los artistas agrupados bajo el nombre de postimpresionistas continúan esta investigación acentuando la estructura, las elecciones expresivas o el contenido simbólico. Los límites siguen siendo flexibles: ciertos pintores participan en varias tendencias.
¿es el puntillismo parte del postimpresionismo?
El neoimpresionismo de Seurat y Signac forma parte de este panorama. El puntillismo designa la yuxtaposición de pequeños puntos de colores; El divisionismo se refiere a la separación de colores en distintos toques. Por tanto, cualquier pintura postimpresionista no utiliza puntos.
¿cuándo apareció el término postimpresionismo?
Roger Fry utiliza el término para la exposición Manet and the Post-Impressionists, organizada en Londres en 1910. El nombre reúne retrospectivamente investigaciones ya desarrolladas a finales del siglo XIX; Por tanto, 1910 no marca el inicio de la creación de las obras.
¿qué pinturas mirar para comprender el postimpresionismo?
Compare La noche estrellada con el toque expresivo de Van Gogh, La Montaña Santa Victoria con la construcción de Cézanne, La Grande Jatte con el color dividido de Seurat y La Visión après le sermon pour le synthetisme de Gauguin. Los fichas especifican la versión ilustrada cuando varias pinturas llevan un título similar.
¿Las 100 tablas forman una clasificación oficial?
No. Esta es una selección editorial que combina obras importantes, pinturas menos conocidas y artistas cercanos al postimpresionismo. Los números facilitan la navegación y no miden el valor de mercado ni el consenso del museo.
¿La información se relaciona con el original o su reproducción?
Las fechas, colecciones, técnicas y dimensiones indicadas en los fichas se refieren a las obras originales. Las dimensiones se dan en altura × ancho. Los enlaces de reproducción se refieren a archivos comerciales separados; algunos fichas se dirigen a un museo para ver el original.
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