NEOEXPRESIONISMO · FIGURA · MATERIAL · DÉCADA DE 1980
Neoexpresionismo: 100 pinturas imprescindibles
El turbulento regreso de la figura, la historia y el gesto pictórico
A finales de los años 1970, una generación de pintores volvió a poner en primer plano la figura, la historia, el símbolo y el material. De Alemania a Estados Unidos, de Italia a Francia, el lienzo vuelve a convertirse en un lugar de enfrentamiento con la historia, el cuerpo, la memoria y la cultura popular.
Una constelación más que una escuela
Lo que cubre el neoexpresionismo
El término designa el retorno internacional a la pintura figurativa, física y voluntariamente disonante hacia 1980. Reúne, sin confundirlas, la Neue Wilde alemana, la Transavanguardia italiana, la escena neoyorquina y ciertas figuraciones francesas.
Estos artistas no están simplemente restaurando el expresionismo: están reanudando sus tensiones para enfrentar el período de posguerra, los medios de comunicación, la violencia política y la crisis de las grandes narrativas.
El viaje comienza con las obras icónicas de Baselitz, Kiefer, Basquiat, Schnabel, Chia y Clemente. Luego incluye precursores decisivos como Philip Guston, contemporáneos cercanos y luego ampliaciones que muestran cómo la pintura expresiva sobrevivió a los años 1980.
Ingrese a la clasificación100 pinturas para comprender el neoexpresionismo
Las obras que impusieron el retorno de la figura, la historia y el material.
#1
Subasta de esclavos (Subasta de esclavos)
Basquiat mezcla siluetas, palabras, diagramas y papeles arrugados para confrontar la historia de la esclavitud con la circulación moderna de cuerpos y bienes. La corona y los signos de autoridad son constantemente cuestionados por la imagen de la venta.
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#2
La Orden de los Ángeles (Die Ordnung der Engel)
Kiefer organiza las jerarquías celestiales en torno a una paleta, un emblema ambiguo del poder del artista. La paja, el plomo y la goma laca transforman la pintura en una reliquia material donde la espiritualidad y la historia alemana siguen siendo inseparables.
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#3
Las Hijas de Olmo II (Die Mädchen von Olmo II)
Baselitz ha estado invirtiendo sus figuras desde 1969 para centrar la atención del sujeto hacia el acto de pintar. Las hijas pequeñas de Olmo se vuelven así cuerpos familiares pero inestables, sometidos a un toque duro y una orientación imposible.
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#4
Humanidad durmiente (Humanidad dormida)
Schnabel pinta sobre placas rotas adheridas al soporte, haciendo de la superficie un relieve nítido. Humanity Asleep contrasta la fragilidad del cuerpo dormido con un material espectacular que rechaza la pintura plana.
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#5
El portador de agua (portador de agua)
El portador de agua de Chia avanza como un héroe antiguo deliberadamente poco convencional. Colores brillantes, modelado enfático y pose monumental reactivan la gran pintura histórica con una ironía típica de Transavanguardia.
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#6
Sol de medianoche II (Sol de medianoche II)
En Midnight Sun II, Clemente combina figura, símbolo y espacio mental sin someterlos a una narrativa continua. Su nomadismo entre Italia, India y Nueva York nutre una iconografía donde se fusionan identidad y metamorfosis.
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#7
Todo proviene de la voluntad del pueblo (Alles geht vom Volke aus)
Immendorff desvía una fórmula política afirmando que todo poder proviene del pueblo. La pintura se convierte en un escenario de enfrentamiento entre lemas, personajes y símbolos, en la Alemania dividida de los años 1970.
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#8
Pintura para Eli (Pintura para Eli)
Salle yuxtapone imágenes de registros incompatibles, sin ofrecer una única clave narrativa. Pintar para Eli hace de la edición visual una crítica de la mirada: cada fragmento modifica la lectura de los demás.
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#9
Fiesta de pijamas (fiesta de pijamas)
Fischl sitúa la ambigüedad psicológica en el corazón de una escena doméstica aparentemente mundana. Los adolescentes, los gestos y la luz generan tensión sin acontecimientos explícitos, revelando las cosas no dichas de los suburbios estadounidenses.
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#10
Estados Unidos (Estados Unidos)
El esquemático caballo de Rothenberg, aislado en el lienzo, fue decisivo en el regreso de la figura a mediados de los años 1970. Estados Unidos transformó al animal en un signo arcaico, a la vez cuerpo, territorio y memoria.
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#11
Interrogatorio II (Interrogatorio II)
Golub representa el interrogatorio como una relación de poder despojada de todo heroísmo. Los verdugos ocupan el espacio frontal de la red libre; la superficie raspada le da a la violencia una presencia física.
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#12
De vuelta en la Tierra (De vuelta en la Tierra)
Murray rompe el rectángulo tradicional combinando dos lienzos con contornos activos. Back on Earth transforma objetos domésticos y formas abstractas en personajes de una escena cómica, inestable y decididamente corpórea.
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#13
Al Ser Supremo (Al Ser Supremo)
Kiefer retoma la idea revolucionaria de un "Ser Supremo" para cuestionar la fabricación de creencias colectivas. La paja, la madera grabada y las gruesas capas dan a la pintura la apariencia de un paisaje quemado y un monumento en ruinas.
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#14
Adiós
Dos figuras invertidas parecen separarse en Adiós. Baselitz evita el patetismo narrativo al darle la vuelta a la escena, pero la densidad de la clave y la distancia entre los cuerpos mantienen una emoción rompiente.
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#15
El gran paso (El gran paso)
Lüpertz trata el paso monumental como un fragmento de un signo heroico que se ha vuelto difícil de leer. El objeto permanece presente, pero su simplificación y aislamiento lo empujan hacia la abstracción.
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#16
Parsifal II
Parsifal II transpone la leyenda wagneriana a una cámara de madera vacía. La sangre mezclada con el cuadro y el mobiliario frontal hacen del mito nacional un inquietante espacio de memoria, sin carácter heroico.
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#17
Retrato de JS en Hakodate, Japón, 1934
El retrato ficticio combina una identidad, fecha y ubicación que resiste una simple verificación. Schnabel utiliza este acertijo biográfico para darle a la pintura la autoridad engañosa de un documento antiguo.
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#18
Albino
Dumas trabaja a partir de imágenes fotográficas que diluye hasta el punto de hacer vulnerables los cuerpos. Albino confronta la mirada con las categorías raciales y la visibilidad de la piel, sin estabilizar la identidad del modelo.
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#19
Salomón
Barceló mezcla acrílico, carbón, colillas de cigarrillos y cerillas en una superficie que parece consumida por su propio sujeto. Salomón transforma la figura bíblica en una presencia material, tanto erudita como terrenal.
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#20
Reggae egipcio
En 1979, Combas inventó una pintura saturada de música, cómics y contracultura. El reggae egipcio combina la antigüedad imaginaria y la cultura popular en un ritmo gráfico sin jerarquía.
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Ver aviso de la institución →La pintura se convierte en un teatro de memoria colectiva y violencia contemporánea.
#21
Pintar sobre el otro (Bildübereins)
Tableau-sur-l'autre lleva en su título la idea de recuperación y recuperación. Baselitz superpone la memoria de la imagen y la materialidad del tacto, haciendo de la pintura un acto que corrige tanto como afirma.
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#22
Ralf III
Ralf III pertenece a las fragmentadas figuras heroicas de los años 60. El enorme cuerpo parece herido por los cortes en la composición; Baselitz inventa un antihéroe alemán incapaz de encarnar una grandeza intacta.
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#23
Ejecución (Ejecución)
En Ejecución, Lüpertz combina lienzo y metal para darle al motivo una presencia casi monumental. El título impone una violencia histórica que la figura no cuenta directamente, pero que el material hace sensible.
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#24
El bosque del mundo (Weltenwald)
Weltenwald, el "bosque del mundo", reúne símbolos políticos, mitos y recuerdos en un espacio denso. Immendorff transforma el bosque alemán en un teatro de historia más que en un refugio natural.
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#25
En sus manos (En sus manos)
En In Her Hands, Salle continúa su montaje de imágenes en la época contemporánea. El carbón, el óleo y el acrílico establecen varias temporalidades, como si la pintura examinara la memoria fragmentaria de los medios.
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#26
Problema de enrutamiento (Problema en el enrutamiento)
Los problemas en Routing evocan tanto un problema de tráfico como una interrupción narrativa. Los fragmentos visuales no convergen hacia una sola escena; el espectador debe construir y luego abandonar varias rutas.
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#27
Papel azul (papel azul)
Blue Paper yuxtapone pintura fluorescente, óleo y planos discontinuos. Salle utiliza la seducción cromática para hacer más incierta la relación entre cuerpos, objetos y sus fuentes reproducidas.
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#28
Extraño lugar para aparcar no. 2
Un coche aparcado en un lugar inadecuado es suficiente para desencadenar una narrativa inquietante. Fischl transforma la escena estadounidense ordinaria en un enigma moral, donde la inquietud surge de lo que queda fuera de cámara.
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#29
Vietnam I
Vietnam I rechaza la gloriosa imagen militar. Los cuerpos agrandados y el lienzo en bruto devuelven la guerra a una confrontación física; Golub vincula directamente el gesto pictórico con la violencia política contemporánea.
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#30
Torso Colosal II (Torso Colosal II)
El colosal torso ocupa la escala heroica de la Antigüedad mientras lo priva de integridad. La carne lacerada por el trabajo superficial transforma el monumento en un cuerpo vulnerable.
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#31
Escuadrón Blanco XI (Escuadrón Blanco XI)
White Squad XI representa la violencia estatal anónima, inspirada en los escuadrones de la muerte. El lienzo gratuito acerca las figuras al espectador y elimina la distancia protectora del marco.
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#32
Pintura con Tres Bolas (Pintura con Tres Bolas)
Baechler aísla tres balas en un espacio deliberadamente resumido. El dibujo de aspecto infantil, ampliado y cubierto, cuestiona la forma en que los símbolos ordinarios se convierten en emblemas.
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#33
Foto de ex cabra
En Ex-voto à la chèvre, Barceló trata el lienzo como una pared cargada de ofrendas y huellas. El animal conecta iconografía rural, sacrificio y memoria mediterránea.
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#34
Hola de Marcel
Alberola envía un saludo irónico a Marcel Duchamp mientras regresa a la pintura. El texto y la imagen se convierten en elementos de una investigación sobre el patrimonio conceptual y la posibilidad de representación.
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#35
África
África no se describe como un territorio homogéneo: Alberola confronta la imaginación política, citas y fragmentos narrativos. La pintura asume sus contradicciones en lugar de pretender proporcionar un mapa.
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#36
Adelante niños
En avant les enfants combina humor, violencia y energía gráfica en un cartón de embalaje. Combas suprime la frontera entre el apoyo deficiente, la cultura popular y la ambición monumental.
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#37
La Virgen Negra y su hijo blanco
El título invierte las categorías de color asociadas con Virgo y Child. Combas transforma la iconografía religiosa en una imagen crítica, saturada de signos e invenciones verbales.
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#38
Un hombre y una mujer pero no el que entrecierra los ojos
La frase principal ya funciona como una escena cómica. Combas pinta a la pareja con una profusión de contornos y patrones que evita que cualquier personaje permanezca aislado de la narrativa circundante.
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Ver aviso de la institución →Francia, Alemania y sus vecinos están renovando imágenes, mitos y signos populares.
#39
Lambert Pépère
Lambert Pépère pertenece al mundo de los héroes comunes inventados por Combas. El toque y la inscripción le dan al personaje una identidad ruidosa, situada entre retrato, caricatura y canción.
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#40
La comida animal
Di Rosa pinta sobre piel de cebú y añade cuero y eucalipto, resultado de su investigación fuera del apoyo tradicional occidental. La comida se convierte en una escena fabulosa donde se encuentran viajes, manualidades e imágenes populares.
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#41
Sin título (1982, Rémi Blanchard)
Untitled de Blanchard transforma el lienzo en un espacio para la narrativa inmediata. La simplificación de las formas y el color directo rechazan tanto el realismo académico como la neutralidad conceptual.
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#42
Museo del Hombre I
Boisrond toma como tema el museo en sí, observando a los visitantes, vitrinas y dispositivos de exposición. La aparente sencillez gráfica se convierte en un reflejo de la forma en que se muestran las culturas.
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#43
Seis cuadros para el Museo Nacional de Arte Moderno
Estas seis pinturas fueron diseñadas para dialogar con el museo colgado. Boisrond pone obras, arquitectura y la mirada del visitante en un abismo, transformando la institución en una escena pintada.
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#44
Sin título (1982, Jean Charles Blais)
Blais utiliza carteles rotos cuyas capas se pliegan y destacan. La figura emerge de un soporte urbano ya marcado, como si el cuadro revelara un cuerpo escondido en la ciudad.
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#45
Sin título (1986, Jean Charles Blais)
En 1986, Blais combinó papel plateado y carteles rotos. Los reflejos y las lágrimas dan a la silueta una presencia teatral al tiempo que recuerdan la fragilidad de su soporte.
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#46
Paisaje internacional nocturno (Paisaje internacional nocturno)
Yan Pei-Ming amplía el paisaje hasta el punto de darle la intensidad de un retrato. La noche, pintada en un rango reducido, se convierte en un espacio político donde la luz y la oscuridad chocan.
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#47
Sobrevivientes
Los supervivientes muestran figuras sostenidas en material fluido, casi monocromático. Yan Pei-Ming evita una narrativa precisa para darle a la supervivencia un significado colectivo.
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#48
El Misionero (El Misionero)
El Misionero nace de una fotografía transformada por dilución y goteo. Dumas cuestiona simultáneamente la autoridad religiosa, el deseo, la vulnerabilidad y el poder del retrato pintado.
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#49
Hace cien años (Carrera)
Doig coloca una canoa y una figura en un paisaje que parece provenir de un recuerdo o de una imagen reproducida. El tiempo de pintar desdibuja la línea entre la escena vivida y la visión mental.
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#50
Sin título (1982, Jiri Georg Dokoupil)
Dokoupil pertenece a la generación alemana que rechaza cualquier firma estilística estable. Este Sin título utiliza la figura y el toque expresivo como una posibilidad entre otras, ya atravesada por la ironía.
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#51
Dirópolis
Dirópolis inventa una ciudad poblada de criaturas y signos de cómics. Di Rosa transforma el lienzo en un mundo autónomo, abundante y accesible sin renunciar a la sátira.
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#52
Mickey
Pintado a principios de 1979, Mickey desvió muy pronto un ícono global de la industria cultural. Combas la devuelve a un gesto crudo, inestable y personal.
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#53
El leñador (Waldarbeiter)
El leñador de Baselitz se da la vuelta y se lo trata como una masa fragmentada. El motivo del trabajador alemán se convierte en un problema pictórico: la identidad y el heroísmo se deshacen en el material.
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#54
Clínica Betty Ford (Betty Ford Klinik)
Kippenberger convierte el nombre de una clínica de desintoxicación en un emblema cultural. El autorretrato indirecto mezcla provocación, humor y conciencia del fracaso en una pintura deliberadamente antiheroica.
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#55
Barato (Preisgünstig)
Good Price utiliza el lenguaje de la mercancía y las buenas ofertas. Kippenberger ataca el aura de la pintura exponiendo su circulación social y económica.
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Ver aviso de la institución →Objetos, cuerpos, palabras e historias urbanas recorren la pintura americana.
#56
Sin título (1997, Albert Oehlen)
Oehlen combina serigrafía, acrílico y óleo para evitar que la imagen se estabilice. Su "mala" abstracción utiliza colisiones de técnicas como crítica del buen gusto pictórico.
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#57
Sin título (2019, Albert Oehlen)
El Sin título de 2019 muestra la persistencia de esta estrategia en un soporte industrial. Oehlen revela conflictos, recuperaciones y decisiones contradictorias más que una composición armoniosa.
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#58
El viento (El viento)
El viento despliega esmalte en aerosol y arcilla para modelar sobre una lona. Schnabel trata el viento no como un patrón visible, sino como una fuerza capaz de mover la superficie.
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#59
Melancolía azul (Blue Funk)
Blue Funk asocia la figura ecuestre de Rothenberg con una atmósfera más oscura y fragmentada. El caballo sigue siendo un hito corporal, pero es absorbido por el color y la memoria.
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#60
Combate
El combate pertenece a los primeros enfrentamientos monumentales de Golub. Los cuerpos inspirados en la Antigüedad son tratados sin gloria; la superficie abrasiva transforma la lucha en una experiencia física.
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#61
Figura Colosal (Figura Colosal)
La Figura Colosal ocupa la escala del monumento público para mostrar un cuerpo aislado y vulnerable. Golub conserva el poder de la postura mientras destruye la ilusión de invencibilidad.
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#62
Les Courtisanes (Las cortesanas)
Las cortesanas hacen referencia a figuras de la Antigüedad, pero su monumentalidad es preocupante. La mezcla de gouache y aceite en el panel confiere a la piel una densidad mineral.
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#63
Cabeza I (Cabeza I)
En Cabeza (I), la cabeza no es un retrato psicológico: se convierte en un fragmento de un cuerpo sometido a los rasguños del soporte. Golub hace del borrado un lenguaje de violencia.
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#64
Hola tú (Hola)
Pensato pinta una figura de dibujos animados con esmalte negro gestual. Hola, transforma una imagen cómica en una apariencia agresiva, entre la risa, la amenaza y el colapso.
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#65
Gasthof zur Muldentalsperre
Gasthof zur Muldentalsperre parte de una fotografía antigua de un edificio alemán. Doig transforma esta fuente en un lugar suspendido, donde la arquitectura, la memoria y el color parecen pertenecer a diferentes épocas.
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#66
Pareja en la cama (Pareja en la cama)
Guston representa a la pareja en la cama con formas pesadas y deliberadamente torpes. La intimidad se vuelve tierna y sofocante, lejos del heroísmo del expresionismo abstracto.
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#67
Malos tiempos (malos tiempos)
Bad Times marca el controvertido regreso de Guston a los extras en 1970. Los objetos, extremidades y figuras encapuchados dan una forma grotesca a la violencia política y la culpa.
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#68
Caja roja (Caja roja)
La caja roja ocupa el espacio como un objeto mental más que doméstico. Guston transforma las cosas ordinarias en protagonistas silenciosos de un mundo deliberadamente cerrado.
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#69
Mar Verde (Mar Verde)
En Mar Verde, cabezas, zapatos y fragmentos emergen de una extensión verdosa. El paisaje se convierte en un inventario de signos personales, a la vez cómicos, profundamente íntimos y funerarios.
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#70
Rito
Rite todavía pertenece al período abstracto de Guston. Las masas apretadas y los toques gruesos, sin embargo, anuncian el peso corporal de sus figuras posteriores.
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#71
Retrato II
El Retrato II se sitúa en el umbral de retorno a la figura. Guston deja que se forme una presencia en el empaste, como si la abstracción comenzara a producir un rostro.
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#72
Sin título (1981, Keith Haring)
En 1981, Haring pintó un vocabulario de siluetas y carteles cercanos a sus intervenciones en el metro. El lienzo conserva la urgencia pública del graffiti y al mismo tiempo se convierte en un campo pictórico autónomo.
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#73
Dulce Olvido (Dulce Olvido)
Martin Wong le da a las paredes, carteles y calles del Lower East Side una densidad de memoria. Sweet Oblivion combina un realismo meticuloso y una atmósfera de desaparición.
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Ver aviso de la institución →Los medios, las citas, las tipografías y las imágenes de los medios cambian los límites de la pintura.
#74
Sin título (1983, David Wojnarowicz)
Wojnarowicz superpone plantillas, collage y spray para construir una ciudad mental atravesada por símbolos. El Sin Título de 1983 transforma la cultura callejera en una narrativa política.
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#75
Atacante homofóbico / Caída de Ícaro
Queer Basher/Icarus Falling se enfrenta a la violencia homofóbica y la caída mitológica. La imagen personal se convierte en una acusación pública, pintada en un momento en que la crisis del SIDA está intensificando la marginación.
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#76
Bañista /Noche (Bañista/Noche)
Dunham retoma el desnudo bañándose como un arquetipo grotesco. Los contornos gruesos y la anatomía deliberadamente imposible hacen de la tradición pictórica un terreno de conflicto cómico.
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#77
Cabeza roja (Cabeza roja)
En Red Head, Fetting agranda el rostro hasta el punto de convertirlo en un campo de gestos coloridos. La identidad individual se disuelve en la urgencia física de pintar.
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#78
Rotación vertical (Giro vertical)
La rotación vertical organiza el cuerpo y el movimiento alrededor de un eje inestable. Rothenberg combina la energía del gesto con una estructura rigurosa que sostiene la figura.
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#79
Mar Negro (Mar Negro)
En el Mar Negro, Guston transforma algunas formas rosadas, negras y grises en un paisaje mental. El horizonte marino se convierte en una escena oscura de vigilia, espera y duda.
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#80
El cerebro de Maggie (El cerebro de Maggie)
La lana utiliza esmalte sobre aluminio para darle al patrón un resfriado industrial. Maggie's Brain, sin embargo, conserva las irregularidades del gesto, oponiéndose a la reproducción y al accidente.
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#81
Tipo B
El tipo B pertenece a las primeras pinturas donde Wool trata las palabras y los patrones como estructuras autoritarias. La superficie esmaltada reduce la expresión al tiempo que produce una fuerte presencia visual.
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#82
Problema (trastorno)
El problema hace que la palabra en sí sea una imagen, fragmentada y difícil de leer. El lenguaje publicitario se convierte en un obstáculo y la lectura se convierte en una experiencia física.
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#83
Sin título (2010, Christopher Wool)
En este último Sin título, Wool reintroduce goteos, borrados y repeticiones. La pintura parece luchar contra su propia imagen, entre el control digital y el gesto manual.
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#84
Nacimiento de la Gran Madre (Gran Nacimiento de la Madre)
Spero pinta a la Gran Madre que da a luz como una figura arcaica y violenta. Producida en 1962, la obra anuncia las críticas feministas que desarrollará contra las heroicas historias masculinas.
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#85
El sueño de la Virgen (El sueño de la Virgen)
El sueño de la Virgen combina pintura y dibujo para revisitar una figura religiosa desde una sensibilidad contemporánea. Steir transforma la tradición en un espacio de proyección psicológica.
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#86
Hombre bajo una pirámide (Hombre bajo una pirámide)
Bajo una pirámide, el hombre parece diminuto en comparación con la arquitectura funeraria. Kiefer asocia el motivo antiguo con la memoria europea y la fragilidad del individuo.
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#87
Paleta
La paleta es un emblema ambivalente para Kiefer: una herramienta creativa, pero también un signo de responsabilidad histórica. Los clavos, el papel y la goma laca lo transforman en un objeto casi ritual.
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#88
Parsifal III
Parsifal III amplía el ciclo de interiores vacíos inspirados en Wagner. La sala familiar se convierte en el lugar donde se contaminan el mito germánico, la memoria personal y la historia nacional.
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Ver aviso de la institución →Desde las mitologías de Kiefer hasta los herederos contemporáneos de la pintura expresiva.
#89
Urd, Verdandi y Skuld, los Norns
Urd, Verdandi y Skuld son los tres Norns del pasado, presente y futuro. Kiefer le da a su mito una gran materialidad, hecha de petróleo, fibras y depósitos.
Imagen documental e instrucciones: Tate. Alpha Reproduction no ofrece este trabajo para reproducción.
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#90
Esta luz oscura que cae de las estrellas
El título toma prestada de Corneille la idea de una luz oscura que cae de las estrellas. Tierra, arena, vidrio, plomo y libros hacen del cuadro un cosmos construido con materiales terrestres.
Imagen documental e instrucciones: Tate. Alpha Reproduction no ofrece este trabajo para reproducción.
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#91
Satori a tres pulgadas de tu corazón
Salle despliega seis lienzos sobre madera como los paneles discontinuos de una escena imposible. El título budista de Satori promete una revelación que las imágenes fragmentadas se niegan a entregar por completo.
Imagen documental e instrucciones: Tate. Alpha Reproduction no ofrece este trabajo para reproducción.
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#92
Cálmate en un periódico, díptico
Calm Down in a Diary organiza el díptico en dos páginas contradictorias. Figuras, objetos y estilos responden entre sí sin unificarse, reproduciendo el funcionamiento discontinuo de la memoria.
Imagen documental e instrucciones: Tate. Alpha Reproduction no ofrece este trabajo para reproducción.
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#93
Vestito/Vestitia
Vestito/Vestitia asocia la ropa con un cuerpo ausente o transformado. Clemente usa gouache y tinta sobre papel montado para hacer del disfraz una segunda piel simbólica.
Imagen documental e instrucciones: Tate. Alpha Reproduction no ofrece este trabajo para reproducción.
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#94
¿Dónde está la jarra de leche amarilla, señora Bird?
La cuestión de la jarra de leche amarilla parece absurda, pero reintroduce la vida cotidiana en el universo invertido de Baselitz. El objeto y la figura pierden su obviedad en cuanto cambia la orientación.
Imagen documental e instrucciones: Tate. Alpha Reproduction no ofrece este trabajo para reproducción.
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#95
Vietnam II
Vietnam II continúa la monumental denuncia de la guerra. Golub extiende los cuerpos sobre un lienzo libre cuya escala obliga al espectador a compartir el espacio de la violencia.
Imagen documental e instrucciones: Tate. Alpha Reproduction no ofrece este trabajo para reproducción.
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#96
lucy
Lucy muestra un rostro femenino diluido en aceite, entre la apariencia fotográfica y la desaparición. Dumas hace visible la fragilidad de cualquier identidad construida por la imagen.
Imagen documental e instrucciones: Tate. Alpha Reproduction no ofrece este trabajo para reproducción.
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#97
Blanco plomo (blanco plomo)
El blanco plomo lleva el nombre de un pigmento históricamente tóxico. Dumas conecta la blancura pictórica con la piel, el poder y la contaminación de categorías.
Imagen documental e instrucciones: Tate. Alpha Reproduction no ofrece este trabajo para reproducción.
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#98
La Enfermera, los ositos y el hombre del saco
Rego transforma la guardería en un teatro de miedo, poblado por osos y un hombre del saco. La infancia no está idealizada: se convierte en el lugar de las relaciones de poder, las fantasías y las historias transmitidas.
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#99
Chaqueta de esquí (Chaqueta de esquí)
Ski Jacket divide un paisaje nevado sobre dos lienzos cuya costura permanece visible. Doig trabaja a partir de una imagen fotográfica, pero el color transforma la escena en un recuerdo inestable.
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#100
La peligrosa juventud y la vejez de Lytton Strachey
Campbell pinta la vida de Lytton Strachey como un teatro erudito y absurdo. Los personajes parecen actuar varios momentos a la vez, mezclando biografía, ficción y sátira de la historia cultural.
Imagen documental e instrucciones: Tate. Alpha Reproduction no ofrece este trabajo para reproducción.
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Una clasificación controlada trabajo por trabajo
Cada entrada ha sido verificada según su medio, su fecha, su papel en el retorno internacional a la pintura y la correspondencia exacta entre título, imagen y aviso institucional.
Un núcleo histórico preciso
El corazón del ranking abarca finales de los años 1970 y 1980, con la Neue Wilde, la Transavanguardia y la escena figurativa americana.
Límites asumidos explícitamente
Guston aparece como precursor; Dumas, Doig, Wool o Dunham muestran extensiones, sin ser presentados artificialmente como miembros de una sola escuela.
Imágenes documentales
No existen obras exactas en la tienda Alpha Reproduction. Por lo tanto, las 100 imágenes abren las instrucciones del Centro Pompidou, la Tate o el Instituto de Arte de Chicago y no se ofrecen para su reproducción.
Fuentes y enlaces
Museos, obras y monumentos históricos
Las hojas de trabajo provienen de tres colecciones públicas. Los ensayos del Guggenheim y del MoMA proporcionan el contexto histórico necesario para distinguir las escenas nacionales y sus afiliaciones.
Hitos históricos
01Guggenheim - El renacimiento de la pinturaBaselitz, Kiefer, Chia, Clemente, Basquiat y el regreso de la pintura en los años 80.02Guggenheim - Desde el art 1945Contexto del neoexpresionismo alemán y sus transformaciones.03MoMA - Baselitz, Lüpertz y pintura alemanaCatálogo histórico sobre los nuevos expresionismos alemanes.Preguntas frecuentes
Preguntas sobre el neoexpresionismo
Algunos referentes para entender el término, sus artistas y los límites cronológicos de la clasificación.
¿qué es el neoexpresionismo?
El término designa un retorno internacional a la pintura figurativa, gestual y cargada de símbolos alrededor de 1980. Reúne varias escenas distintas en lugar de un movimiento organizado.
¿Qué artistas están en el corazón del movimiento?
Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Markus Lüpertz y Joerg Immendorff dominan la escena alemana; Sandro Chia y Francesco Clemente interpretan la Transavanguardia; Basquiat, Schnabel, Salle y Fischl se encuentran entre las principales figuras americanas.
¿por qué Philip Guston está en el ranking?
Su regreso a la figuración autobiográfica tosca a finales de los años 1960 precedió e influyó profundamente en el resurgimiento expresionista de las décadas siguientes.
¿Se ofrecen estas pinturas para reproducción?
No. Las 100 entradas son documentales: cada imagen y cada botón hacen referencia a la notificación de la institución que conserva o documenta la obra correspondiente.
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