Pintura rusa: 100 cuadros famosos desde Rublev hasta Malevich

La historia comienza con el icono, una imagen de presencia antes de ser una imagen de ilusión. La Virgen de Vladimir, La Trinidad de Andrei Rublev, las pinturas de Teófanes el Griego, Dionisio y Simón Ushakov organizan figuras, gestos y colores según una lógica espiritual. El fondo dorado no reemplaza el paisaje en economía: sitúa la escena fuera del tiempo ordinario. En La Trinidad, las líneas, el la mirada y la mesa dibujan un círculo de estabilidad tan precisa que parece respirar sin moverse.

En el siglo XVIII y principios del XIX, el retrato dio rostro al Imperio. Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Kiprenski y Tropinin trabajan sobre el parecido, el rango y la intimidad. El Retrato de María Lopukhina suaviza las convenciones mundanas a través del paisaje y la pose; el Retrato de Pushkin establece una presencia intelectual que se ha vuelto casi nacional. Detrás de las telas y decoraciones, los mejores retratos siempre permiten a una persona superar ligeramente su papel oficial, lo que ya es una pequeña victoria en la etiqueta.

El siglo XIX dio al paisaje una escala excepcional. Aivazovsky pinta el mar como luz, movimiento y peligro; Shishkin da a los bosques una precisión monumental; Kouïndji concentra el espacio en torno a sorprendentes efectos de iluminación; Levitan transforma la carretera, el lago, el otoño y el deshielo en estados de conciencia. La Novena Ola, Mañana en un Bosque de Pinos, Noche en el Dnieper o Sobre el la Paz Eterna es famosa porque su espectáculo sigue vinculado a una sensación muy concreta de la escala humana.

Los Ambulantes acercan la pintura a la historia vivida y a las realidades sociales. Repin distribuye gestos y miradas en Los barcos del Volga, La procesión religiosa en la provincia de Kursk o El regreso inesperado; Kramskoy, Perov, Savitsky y sus contemporáneos observan el trabajo, la pobreza, las creencias y la vida cotidiana. Sourikov hace grandes escenas históricas de dramas multitudinarios donde ninguna figura es sólo decorativa. Incluso las barbas tienen una función narrativa, lo que representa un nivel de organización bastante envidiable.

A finales de siglo, Vrubel, Serov, Nesterov, Borissov-Musatov, Korovin y Kustodiev cambiaron el realismo hacia el simbolismo, la intimidad y un color más autónomo. El Demonio sentado fragmenta los volúmenes como un mosaico oscuro; La chica melocotón captura una presencia vivaz en un interior luminoso; La visión del joven Bartolomé conecta paisaje y espiritualidad. La pintura rusa nunca se marcha el mundo visible: ella comienza a preguntarle qué esconde.

Las vanguardias de principios del siglo XX aceleraron este cambio. Kandinsky hace del color y la línea una construcción emocional; Malevich concentra la pintura en Cuadrado Negro y luego Blanco sobre Blanco; Popova, Rozanova, Exter, Filonov y Petrov-Vodkin inventan espacios que ya no se lo deben todo a la perspectiva clásica. La abstracción no borra siglos anteriores: sí toma su gusto por la superficie, el signo y la imagen activa, con menos oro y más diagonales.