Top 100 - Peinture allemande : 100 tableaux célèbres de Dürer à Richter
Peinture allemande : 100 tableaux célèbres de Dürer à Richter
Renaissance, romantisme, expressionnisme et mémoire : cinq siècles racontés par cent œuvres de musée
Ce parcours rassemble cent peintures de peintres allemands, d'Albrecht Dürer à Gerhard Richter, à partir de références contrôlées.
Cinq siècles de précision, de rupture et de mémoire
Cent tableaux pour raconter la peinture allemande
À la charnière des XVe et XVIe siècles, Dürer, Cranach, Grünewald, Altdorfer et Holbein donnent à l'image une autorité nouvelle. Le portrait affirme l'individu, le paysage gagne son autonomie, tandis que la peinture religieuse mêle dévotion, observation et bouleversements de la Réforme. La précision du dessin n'est jamais pure virtuosité : elle organise une manière critique de voir.
De la frontalité de Dürer au flou de Richter, la peinture allemande ne cesse de demander ce qu'une image peut montrer, croire, commémorer ou contester.Passer aux images
Le classement en images
Friedrich, Dürer, Grünewald, Marc, Kirchner et Dix ouvrent le parcours par les images devenues emblèmes.
#1
Wanderer above the Sea of Fog
Une silhouette vue de dos domine un relief noyé de brume; le spectateur partage son point de vue sans jamais pouvoir atteindre exactement sa position. Friedrich ne décrit pas simplement un site : il construit une expérience mentale de la distance, du silence et du sublime à travers horizons, ruines, montagnes et figures vues de dos. Datée c. 1817, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 94.8 × 74.8 cm; elle appartient à Hamburger Kunsthalle, Hamburg. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 1 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la romantisme et naissance du paysage moderne. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
© SHK / Hamburger Kunsthalle / ARTOTHEK, photo Elke Walford Voir le produit →
#2
Self-Portrait with Fur-Trimmed Robe
Dürer se présente frontalement, presque comme une icône du Christ, et fait de son visage comme de sa main l'affirmation solennelle du statut moderne de l'artiste. Dürer unit l'observation nordique, la culture humaniste et les proportions apprises au contact de l'Italie; son pinceau donne au portrait comme à l'histoire sacrée une autorité nouvelle. Datée 1500, cette œuvre est réalisée en Oil on linden panel et mesure 67.1 × 48.9 cm; elle appartient à Alte Pinakothek, Munich. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 2 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la Renaissance allemande. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
CC BY-SA, Bayerische Staatsgemäldesammlungen Voir le produit →
#3
Isenheim Altarpiece
Le corps supplicié du Christ, la couleur maladive et l'ouverture progressive des volets composent une machine visuelle pensée pour des malades confrontés à la douleur. Grünewald oppose à l'équilibre classique une peinture d'intensité physique et spirituelle, capable de conduire le regard de la souffrance extrême à l'éclat de la résurrection. Datée 1512–1516, cette œuvre est réalisée en Tempera and oil on panel et mesure Multiple panels; elle appartient à Musée Unterlinden, Colmar. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 3 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la Renaissance allemande. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Musée Unterlinden, Colmar Voir au musée →
#4
The Monk by the Sea
Un minuscule moine fait face à trois bandes presque vides de sable, de mer et de ciel; l'espace réduit la narration à l'expérience vertigineuse de l'infini. Friedrich ne décrit pas simplement un site : il construit une expérience mentale de la distance, du silence et du sublime à travers horizons, ruines, montagnes et figures vues de dos. Datée 1808–1810, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 110 × 171.5 cm; elle appartient à Alte Nationalgalerie, Berlin. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 4 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la romantisme et naissance du paysage moderne. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
© Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie / Andres Kilger Voir le produit →
#5
The Sea of Ice
Des plaques de glace dressées comme des éclats minéraux engloutissent le navire et substituent au paysage héroïque une nature indifférente à l'homme. Friedrich ne décrit pas simplement un site : il construit une expérience mentale de la distance, du silence et du sublime à travers horizons, ruines, montagnes et figures vues de dos. Datée 1823–1824, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 96.7 × 126.9 cm; elle appartient à Hamburger Kunsthalle, Hamburg. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 5 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la romantisme et naissance du paysage moderne. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
© Hamburger Kunsthalle / bpk, photo Elke Walford Voir le produit →
#6
The Battle of Alexander at Issus
Des milliers de soldats se déploient sous un ciel apocalyptique tandis que la Méditerranée courbe l'horizon : la bataille devient une carte du monde. Altdorfer fait du paysage un acteur de l'histoire et dilate les récits dans des espaces cosmiques, architectures vertigineuses ou forêts autonomes. Datée 1529, cette œuvre est réalisée en Oil on linden panel et mesure 158.4 × 120.3 cm; elle appartient à Alte Pinakothek, Munich. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 6 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la Renaissance allemande. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
CC BY-SA, Bayerische Staatsgemäldesammlungen Voir le produit →
#7
The War (Triptych)
Dix reprend la forme d'un retable ancien pour montrer le départ, le charnier, le sauvetage et le sommeil des soldats sans aucune promesse de rédemption. Dix combine le regard clinique de la Nouvelle Objectivité aux techniques des maîtres anciens pour décrire la guerre et la société de Weimar sans indulgence. Datée 1929–1932, cette œuvre est réalisée en Mixed media on wood et mesure 204 × 468 cm; elle appartient à Albertinum, Staatliche Kunstsammlungen Dresden. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 7 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
© VG Bild-Kunst / SKD, photo Estel-Klut Voir au musée →
#8
Street, Berlin
Deux femmes élégantes avancent au milieu d'une foule masculine comprimée; angles, regards et couleurs tranchantes rendent sensible la tension de la métropole. Kirchner traduit l'énergie urbaine, le cirque et la montagne par des angles aigus, des couleurs dissonantes et une ligne qui conserve l'urgence de Die Brücke. Datée 1913, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 120.6 × 91.1 cm; elle appartient à Museum of Modern Art (MoMA), New York. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 8 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
© Estate of Ernst Ludwig Kirchner / MoMA Voir au musée →
#9
Animal Destinies
Dans « Animal Destinies », Marc fait de la couleur et de l’animal les signes d’un monde spirituel menacé. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1913, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 194.7 × 263.5 cm; elle appartient à Kunstmuseum Basel. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#10
The Night
Dans « The Night », Beckmann comprime le monde moderne en scènes allégoriques aux contours tranchants. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1918–1919, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 133 × 154 cm; elle appartient à Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#11
Blue Horse I
Le jeune cheval bleu se tient devant des collines rouges et jaunes; sa pose méditative transforme la couleur arbitraire en présence spirituelle. Marc attribue à la couleur une valeur spirituelle et fait de l'animal le centre sensible d'un monde où formes naturelles et rythmes abstraits commencent à fusionner. Datée 1911, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 112 × 84.5 cm; elle appartient à Lenbachhaus, Munich. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 11 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
CC0 1.0, Lenbachhaus, Bernhard und Elly Koehler Stiftung Voir le produit →
#12
Abbey in the Oakwood
Dans « Abbey in the Oakwood », Friedrich fait du paysage une expérience intérieure où le spectateur mesure sa propre place. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1809–1810, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 110.4 × 171 cm; elle appartient à Alte Nationalgalerie, Berlin. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#13
Chalk Cliffs on Rügen
Dans « Chalk Cliffs on Rügen », Friedrich fait du paysage une expérience intérieure où le spectateur mesure sa propre place. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1818, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 90.5 × 71 cm; elle appartient à Museum Oskar Reinhart am Stadtgarten, Winterthur. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#14
The Four Apostles: Saints Mark and Paul
Les figures monumentales serrées dans l'espace prennent l'autorité d'un manifeste religieux et civique adressé par Dürer à sa ville de Nuremberg. Dürer unit l'observation nordique, la culture humaniste et les proportions apprises au contact de l'Italie; son pinceau donne au portrait comme à l'histoire sacrée une autorité nouvelle. Datée 1526, cette œuvre est réalisée en Oil on linden panel et mesure 212.4 × 76.3 cm; elle appartient à Alte Pinakothek, Munich. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 14 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la Renaissance allemande. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
CC BY-SA, Bayerische Staatsgemäldesammlungen Voir le produit →
#15
A Lady with a Squirrel and a Starling (Anne Lovell?)
Dans « A Lady with a Squirrel and a Starling (Anne Lovell?) », Holbein transforme le portrait en langage du rang, de l’identité et de la diplomatie. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée probably 1527–1528, elle est réalisée en Oil on oak et mesure 56 × 38.8 cm; elle appartient à National Gallery, London. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#16
Judith with the Head of Holofernes
Dans « Judith with the Head of Holofernes », Cranach fait dialoguer cour, Réforme et invention picturale. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée ca. 1530, elle est réalisée en Oil on linden et mesure 89.5 × 61.9 cm; elle appartient à The Metropolitan Museum of Art, New York. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#17
Portrait of the Journalist Sylvia von Harden
La journaliste, cigarette et monocle à la main, occupe seule la table d'un café berlinois; la pose émancipée reste traversée de détails volontairement discordants. Dix combine le regard clinique de la Nouvelle Objectivité aux techniques des maîtres anciens pour décrire la guerre et la société de Weimar sans indulgence. Datée 1926, cette œuvre est réalisée en Oil and tempera on wood et mesure 121 × 89 cm; elle appartient à Centre Pompidou, Paris. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 17 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
© ADAGP, Paris; Centre Pompidou, MNAM-CCI / Audrey Laurans / Dist. GrandPalaisRmn Voir au musée →
#18
Self-Portrait as a Soldier
Dans « Self-Portrait as a Soldier », Kirchner traduit la ville et la crise moderne par des couleurs et des angles sous tension. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1915, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 69.2 × 60.8 cm; elle appartient à Allen Memorial Art Museum, Oberlin. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#19
Five Women on the Street
Dans « Five Women on the Street », Kirchner traduit la ville et la crise moderne par des couleurs et des angles sous tension. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1913, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 120.5 × 91 cm; elle appartient à Museum Ludwig, Cologne. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
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#20
Ad Parnassum
Dans « Ad Parnassum », Klee traite la peinture comme un organisme de signes, de rythmes et de couleurs. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1932, elle est réalisée en Oil and casein on canvas et mesure 100 × 126 cm; elle appartient à Zentrum Paul Klee, Bern. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#21
Departure
Dans « Departure », Beckmann comprime le monde moderne en scènes allégoriques aux contours tranchants. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1932–1935, elle est réalisée en Oil on canvas, triptych et mesure 215.3 × 314 cm overall; elle appartient à Museum of Modern Art, New York. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#22
Candle (Kerze)
Une flamme immobile se détache devant un mur gris; la précision photographique et le léger flou maintiennent l'image entre présence, souvenir et reproduction. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1982, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 69.8 × 54.6 cm (27 1/2 × 21 1/2 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 22 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Through prior gift of Mr. and Mrs. Lewis Larned Coburn; gift of Lannan Foundation Voir au musée →
#23
The Hülsenbeck Children
Dans « The Hülsenbeck Children », Runge donne au romantisme allemand une dimension symbolique, familiale et cosmique. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1805–1806, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 131.5 × 143.5 cm; elle appartient à Hamburger Kunsthalle, Hamburg. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Photographie Dguendel, CC BY 4.0; œuvre dans le domaine public Voir le produit →
#24
Cross in the Mountains (Tetschen Altar)
Dans « Cross in the Mountains (Tetschen Altar) », Friedrich fait du paysage une expérience intérieure où le spectateur mesure sa propre place. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1807–1808, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 115 × 110.5 cm; elle appartient à Galerie Neue Meister, Dresden. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#25
Two Men Contemplating the Moon
Dans « Two Men Contemplating the Moon », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Caspar David Friedrich. Friedrich ne décrit pas simplement un site : il construit une expérience mentale de la distance, du silence et du sublime à travers horizons, ruines, montagnes et figures vues de dos. Datée ca. 1825–30, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 13 3/4 x 17 1/4 in. (34.9 x 43.8 cm); elle appartient à The Metropolitan Museum of Art, New York. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 25 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la romantisme et naissance du paysage moderne. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Wrightsman Fund, 2000 Voir le produit →Cranach, Holbein, Altdorfer et Elsheimer donnent au panneau peint une précision politique, religieuse et spatiale nouvelle.
#26
Yellow Cow
Une vache jaune bondit dans un paysage chromatique en spirale; l'animal devient l'énergie joyeuse et presque cosmique de la nature. Marc attribue à la couleur une valeur spirituelle et fait de l'animal le centre sensible d'un monde où formes naturelles et rythmes abstraits commencent à fusionner. Datée 1911, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 140.5 × 189.2 cm; elle appartient à Solomon R. Guggenheim Museum, New York. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 26 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Solomon R. Guggenheim Museum, New York Voir au musée →
#27
Lady in a Green Jacket
Dans « Lady in a Green Jacket », Macke construit une modernité lumineuse à partir de la promenade, de la vitrine et de la couleur. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1913, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 44 × 43.5 cm; elle appartient à Museum Ludwig, Cologne. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#28
The Iron Rolling Mill (Modern Cyclopes)
Dans « The Iron Rolling Mill (Modern Cyclopes) », Menzel porte le quotidien, l’industrie et l’histoire prussienne à une intensité visuelle inédite. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1872–1875, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 158 × 254 cm; elle appartient à Alte Nationalgalerie, Berlin. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#29
Flute Concert of Frederick the Great at Sanssouci
Dans « Flute Concert of Frederick the Great at Sanssouci », Menzel porte le quotidien, l’industrie et l’histoire prussienne à une intensité visuelle inédite. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1850–1852, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 142 × 205 cm; elle appartient à Alte Nationalgalerie, Berlin. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#30
Woman at a Window
Dans « Woman at a Window », Friedrich fait du paysage une expérience intérieure où le spectateur mesure sa propre place. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1822, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 44 × 37 cm; elle appartient à Alte Nationalgalerie, Berlin. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#31
Moonrise over the Sea
Dans « Moonrise over the Sea », Friedrich fait du paysage une expérience intérieure où le spectateur mesure sa propre place. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1822, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 55 × 71 cm; elle appartient à Alte Nationalgalerie, Berlin. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#32
The Stages of Life
Dans « The Stages of Life », Friedrich fait du paysage une expérience intérieure où le spectateur mesure sa propre place. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée ca. 1835, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 72.5 × 94 cm; elle appartient à Museum der bildenden Künste, Leipzig. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#33
The Singer Francisco d’Andrade as Don Giovanni
Dans « The Singer Francisco d’Andrade as Don Giovanni », Slevogt fait de la lumière et du mouvement les moteurs de la scène. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1912, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 210 × 170 cm; elle appartient à Alte Nationalgalerie, Berlin. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#34
Self-Portrait on the Sixth Wedding Anniversary
Dans « Self-Portrait on the Sixth Wedding Anniversary », Modersohn-Becker simplifie formes et couleurs pour donner au corps une présence frontale. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1906, elle est réalisée en Tempera and oil on cardboard et mesure 101.8 × 70.2 cm; elle appartient à Museums Böttcherstraße, Bremen. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#35
Salome II
Dans « Salome II », Corinth libère progressivement la touche jusqu’à la frontière de l’expressionnisme. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1900, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 127 × 148 cm; elle appartient à Museum der bildenden Künste, Leipzig. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
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#36
The Nymph of the Spring
Dans « The Nymph of the Spring », Cranach fait dialoguer cour, Réforme et invention picturale. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée after 1537, elle est réalisée en Oil on panel et mesure 48.4 × 72.8 cm; elle appartient à National Gallery of Art, Washington. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
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#37
Portrait of a Young Venetian Woman
Dans « Portrait of a Young Venetian Woman », Dürer associe observation, humanisme et ambition nouvelle du peintre. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1505, elle est réalisée en Oil on panel et mesure 32.5 × 24.5 cm; elle appartient à Kunsthistorisches Museum, Vienna. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
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#38
Portrait of Oswolt Krel
Dans « Portrait of Oswolt Krel », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Albrecht Dürer. Dürer unit l'observation nordique, la culture humaniste et les proportions apprises au contact de l'Italie; son pinceau donne au portrait comme à l'histoire sacrée une autorité nouvelle. Datée 1499, cette œuvre est réalisée en Oil on panel et mesure 50 × 39 cm; elle appartient à Alte Pinakothek, Munich. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 38 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la Renaissance allemande. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
CC BY-SA, Bayerische Staatsgemäldesammlungen Voir le produit →
#39
The Suicide of Lucretia
Dans « The Suicide of Lucretia », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Albrecht Dürer. Dürer unit l'observation nordique, la culture humaniste et les proportions apprises au contact de l'Italie; son pinceau donne au portrait comme à l'histoire sacrée une autorité nouvelle. Datée 1518, cette œuvre est réalisée en Oil on linden panel et mesure 168 × 74 cm; elle appartient à Alte Pinakothek, Munich. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 39 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la Renaissance allemande. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
CC BY-SA, Bayerische Staatsgemäldesammlungen Voir le produit →
#40
Susanna and the Elders
Dans « Susanna and the Elders », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Albrecht Altdorfer. Altdorfer fait du paysage un acteur de l'histoire et dilate les récits dans des espaces cosmiques, architectures vertigineuses ou forêts autonomes. Datée 1526, cette œuvre est réalisée en Oil on panel et mesure 74.8 × 61.2 cm; elle appartient à Alte Pinakothek, Munich. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 40 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la Renaissance allemande. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
CC BY-SA, Bayerische Staatsgemäldesammlungen Voir le produit →
#41
Portrait of Magdalena of Saxony, Wife of Elector Joachim II of Brandenburg
Dans « Portrait of Magdalena of Saxony, Wife of Elector Joachim II of Brandenburg », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Lucas Cranach the Elder. Cranach adapte la Renaissance à la cour de Saxe : silhouettes nerveuses, couleurs franches, portraits politiques et récits bibliques y partagent une même élégance incisive. Datée c. 1529, cette œuvre est réalisée en Oil on panel et mesure 59.8 × 41.6 cm (23 9/16 × 16 3/8 in.); Framed: 69.3 × 50.8 × 5.8 cm (27 1/4 × 20 × 2 1/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 41 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la Renaissance allemande. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Kate S. Buckingham Voir le produit →
#42
Terminus, the Device of Erasmus
Dans « Terminus, the Device of Erasmus », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Hans Holbein the Younger. Holbein pousse le portrait à une précision diplomatique où chaque étoffe, emblème et inflexion du regard renseigne sur le rang autant que sur le caractère. Datée c. 1532, cette œuvre est réalisée en oil on wood et mesure Framed: 32.4 x 32.4 x 4.5 cm (12 3/4 x 12 3/4 x 1 3/4 in.); Unframed: 21.6 x 21.6 cm (8 1/2 x 8 1/2 in.); elle appartient à Cleveland Museum of Art, Cleveland. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 42 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la Renaissance allemande. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Dr. and Mrs. Sherman E. Lee in memory of Milton S. Fox Voir le produit →
#43
Adam
Dans « Adam », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Lucas Cranach the Elder. Cranach adapte la Renaissance à la cour de Saxe : silhouettes nerveuses, couleurs franches, portraits politiques et récits bibliques y partagent une même élégance incisive. Datée 1533–37, cette œuvre est réalisée en Oil on panel et mesure 107.5 × 36.4 cm (42 5/16 × 14 5/16 in.); Framed: 121.6 × 51.6 cm (47 7/8 × 20 5/16 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 43 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la Renaissance allemande. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Charles H. and Mary F. S. Worcester Collection Voir le produit →
#44
Eve
Dans « Eve », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Lucas Cranach the Elder. Cranach adapte la Renaissance à la cour de Saxe : silhouettes nerveuses, couleurs franches, portraits politiques et récits bibliques y partagent une même élégance incisive. Datée 1533–37, cette œuvre est réalisée en Oil on panel et mesure 107.5 × 36.4 cm (42 5/16 × 14 5/16 in.); Framed: 121.6 × 51.6 cm (47 7/8 × 20 5/16 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 44 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la Renaissance allemande. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Charles H. and Mary F. S. Worcester Collection Voir le produit →
#45
Charles de Solier, Sieur de Morette
Dans « Charles de Solier, Sieur de Morette », Holbein transforme le portrait en langage du rang, de l’identité et de la diplomatie. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1534–1535, elle est réalisée en Oil on oak et mesure 92.5 × 75.5 cm; elle appartient à Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
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#46
The Crucifixion
Dans « The Crucifixion », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Lucas Cranach the Elder. Cranach adapte la Renaissance à la cour de Saxe : silhouettes nerveuses, couleurs franches, portraits politiques et récits bibliques y partagent une même élégance incisive. Datée 1538, cette œuvre est réalisée en Oil on panel et mesure 121.1 × 82.5 cm (47 3/4 × 32 1/2 in.); Framed: 147.4 × 109 × 7.7 cm (58 × 42 7/8 × 3 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 46 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la Renaissance allemande. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Charles H. and Mary F. S. Worcester Collection Voir le produit →
#47
Sir Thomas More
Dans « Sir Thomas More », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Hans Holbein the Younger. Holbein pousse le portrait à une précision diplomatique où chaque étoffe, emblème et inflexion du regard renseigne sur le rang autant que sur le caractère. Datée 1600s, cette œuvre est réalisée en oil on wood in a gilt wood frame et mesure Framed: 8.6 x 8.6 x 1.3 cm (3 3/8 x 3 3/8 x 1/2 in.); Diameter: 6.5 cm (2 9/16 in.); Unframed: 6.7 x 6.4 cm (2 5/8 x 2 1/2 in.); Diameter of frame: 8 cm (3 1/8 in.); elle appartient à Cleveland Museum of Art, Cleveland. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 47 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la romantisme et naissance du paysage moderne. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
The Edward B. Greene Collection Voir le produit →
#48
Saint John the Baptist in the Wilderness
Dans « Saint John the Baptist in the Wilderness », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Adam Elsheimer. Elsheimer condense de vastes récits dans de petits formats de cuivre où l'éclairage nocturne et la profondeur atmosphérique annoncent des recherches baroques. Datée c. 1605, cette œuvre est réalisée en Oil on copper et mesure 21 × 16.3 cm (8 1/4 × 6 3/8 in.); Framed: 33 × 26.7 × 2.5 cm (13 × 10 1/2 × 1 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 48 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la romantisme et naissance du paysage moderne. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Lacy Armour Fund, Chester D. Tripp Estate Fund, European Painting General Sales Proceeds, Mrs. Albert Beveridge Fund, Rhoades Foundation Voir le produit →
#49
The Park of the Villa d’Este
Dans « The Park of the Villa d’Este », Blechen observe la lumière et le paysage avec une liberté qui annonce la modernité. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée ca. 1830, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 78 × 100 cm; elle appartient à Alte Nationalgalerie, Berlin. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#50
The Interior of the Palm House on the Pfaueninsel Near Potsdam
Dans « The Interior of the Palm House on the Pfaueninsel Near Potsdam », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Carl Blechen. Blechen libère le paysage romantique de l'idéalisation et observe directement la lumière, les architectures industrielles et la végétation avec une franchise presque moderne. Datée 1834, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 135 × 126 cm (52 1/2 × 50 in.); Framed: 155 × 145.5 cm (61 × 57 1/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 50 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la romantisme et naissance du paysage moderne. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Through prior acquisitions of the George F. Harding Collection; L.L. and A.S. Coburn and Alexander A. McKay endowments; through prior gift of William Wood Prince; through prior acquisitions of the Charles H. and Mary F. S. Worcester Endowment Voir le produit →Runge, Friedrich, Blechen, Menzel, Leibl, Liebermann et Slevogt déplacent la peinture vers l'expérience moderne.
#51
The Balcony Room
Dans « The Balcony Room », Menzel porte le quotidien, l’industrie et l’histoire prussienne à une intensité visuelle inédite. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1845, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 58 × 47 cm; elle appartient à Alte Nationalgalerie, Berlin. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#52
The Artist's Sitting Room in Ritterstrasse
Dans « The Artist's Sitting Room in Ritterstrasse », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Adolph Menzel. Menzel scrute la Prusse industrielle et domestique avec une acuité prodigieuse; ses cadrages mobiles font entrer le quotidien, le travail et la vitesse dans la peinture d'histoire. Datée 1851, cette œuvre est réalisée en Oil on cardboard et mesure 12 5/8 x 10 5/8 in. (32.1 x 27 cm); elle appartient à The Metropolitan Museum of Art, New York. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 52 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la réalisme et impressionnisme allemands. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Purchase, Nineteenth-Century, Modern and Contemporary Funds, Leonora Brenauer Bequest, in memory of her father, Joseph B. Brenauer, Catharine Lorillard Wolfe Collection, Wolfe Fund, and Paul L. and Marlene A. Herring and John D. Herring Gift, 2009 Voir le produit →
#53
Women Plucking Geese
Dans « Women Plucking Geese », Liebermann unit regard social, plein air et impressionnisme berlinois. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1871–1872, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 118 × 172 cm; elle appartient à Alte Nationalgalerie, Berlin. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#54
Peasant Girl with a White Headcloth
Dans « Peasant Girl with a White Headcloth », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Wilhelm Leibl. Leibl impose un réalisme dense, sans anecdote superflue, fondé sur la présence matérielle des visages, des vêtements et des gestes ruraux. Datée 1885, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 9 7/8 x 9 1/8 in. (25.1 x 23.2 cm); elle appartient à The Metropolitan Museum of Art, New York. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 54 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la réalisme et impressionnisme allemands. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Reisinger Fund, 1916 Voir le produit →
#55
Flax Spinners in Laren
Dans « Flax Spinners in Laren », Liebermann unit regard social, plein air et impressionnisme berlinois. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1887, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure format listed by the museum; elle appartient à Alte Nationalgalerie, Berlin. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#56
Still-Life with a Green Flower Vase
Dans « Still-Life with a Green Flower Vase », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Paula Modersohn-Becker. Modersohn-Becker simplifie volumes et couleurs pour donner aux corps, aux enfants et aux natures mortes une gravité frontale qui précède l'expressionnisme. Datée c. 1902, cette œuvre est réalisée en Oil on brown wood pulp board, varnished et mesure 37.7 × 29.1 cm (14 7/8 × 11 1/2 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 56 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la réalisme et impressionnisme allemands. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Worcester Sketch Collection Voir le produit →
#57
Wrestlers in a Circus
Dans « Wrestlers in a Circus », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Ernst Ludwig Kirchner. Kirchner traduit l'énergie urbaine, le cirque et la montagne par des angles aigus, des couleurs dissonantes et une ligne qui conserve l'urgence de Die Brücke. Datée 1909, cette œuvre est réalisée en oil on canvas et mesure Framed: 107.5 x 121 x 7 cm (42 5/16 x 47 5/8 x 2 3/4 in.); Unframed: 80.5 x 94 cm (31 11/16 x 37 in.); elle appartient à Cleveland Museum of Art, Cleveland. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 57 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Contemporary Collection of The Cleveland Museum of Art and Bequest of William R. Valentiner Voir le produit →
#58
Still Life with Queen
Dans « Still Life with Queen », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gabriele Münter. Münter simplifie les contours et intensifie les contrastes pour faire du paysage comme de la nature morte un champ de décisions chromatiques franches. Datée 1912, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 78.4 × 57.5 cm (30 7/8 × 22 5/8 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 58 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Arthur Jerome Eddy Memorial Collection Voir au musée →
#59
The Blue Lake (Der blaue See)
Dans « The Blue Lake (Der blaue See) », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gabriele Münter. Münter simplifie les contours et intensifie les contrastes pour faire du paysage comme de la nature morte un champ de décisions chromatiques franches. Datée 1912, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 45.4 × 60.5 cm (17 7/8 × 23 3/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 59 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Promised gift of Dale Taylor and Angela Lustig Voir au musée →
#60
Hat Shop
Une femme vue de dos s'arrête devant une vitrine où chapeaux et reflets s'ordonnent en facettes colorées; la promenade moderne devient un événement optique. Macke peint la modernité heureuse des promenades, vitrines et jardins; la couleur structurée par Delaunay transforme chaque scène quotidienne en architecture lumineuse. Datée 1913, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 54.9 × 44.4 cm; elle appartient à Lenbachhaus, Munich. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 60 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
CC0 1.0, Lenbachhaus, Bernhard und Elly Koehler Stiftung Voir le produit →
#61
Promenade
Dans « Promenade », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à August Macke. Macke peint la modernité heureuse des promenades, vitrines et jardins; la couleur structurée par Delaunay transforme chaque scène quotidienne en architecture lumineuse. Datée 1913, cette œuvre est réalisée en Oil on cardboard et mesure 51.5 × 57.5 cm; elle appartient à Lenbachhaus, Munich. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 61 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
CC0 1.0, Lenbachhaus, Bernhard und Elly Koehler Stiftung Voir le produit →
#62
The Bewitched Mill
Dans « The Bewitched Mill », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Franz Marc. Marc attribue à la couleur une valeur spirituelle et fait de l'animal le centre sensible d'un monde où formes naturelles et rythmes abstraits commencent à fusionner. Datée 1913, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure Without frame: 130.2 × 90.8 cm (51 5/16 × 35 3/4 in.); 130.2 × 91.2 cm (51 1/4 × 35 7/8 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 62 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Arthur Jerome Eddy Memorial Collection Voir le produit →
#63
Sandstorm in the Libyan Desert
Deux cavaliers minuscules affrontent un désert balayé de lumière; la touche rapide dissout presque le sable, l'air et l'horizon dans une même vibration. Slevogt développe un impressionnisme énergique, attentif à la lumière en mouvement et à la capacité de quelques touches rapides à restituer l'espace. Datée 1914, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure dimensions listed by the museum; elle appartient à Albertinum, Staatliche Kunstsammlungen Dresden. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 63 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
© SKD, photo Elke Estel / Hans-Peter Klut Voir le produit →
#64
Figure and Flowers
Dans « Figure and Flowers », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Emil Nolde. Nolde pousse aquarelle et huile vers des saturations extrêmes; visages, fleurs et horizons marins semblent surgir directement de la couleur humide. Datée c. 1915, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 60.6 × 47.9 cm (23 7/8 × 18 7/8 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 64 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Richard Feigen Voir au musée →
#65
Self-Portrait with Hat and Coat
Dans « Self-Portrait with Hat and Coat », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Lovis Corinth. Corinth fait basculer le naturalisme vers une peinture de plus en plus libre, où la matière, la vitesse du geste et l'autoportrait deviennent les instruments d'une vérité instable. Datée 1915, cette œuvre est réalisée en oil on canvas et mesure Framed: 118.1 x 97.5 x 8.3 cm (46 1/2 x 38 3/8 x 3 1/4 in.); Unframed: 99.7 x 78.8 cm (39 1/4 x 31 in.); elle appartient à Cleveland Museum of Art, Cleveland. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 65 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Leonard C. Hanna Jr. Fund Voir le produit →
#66
Self-Portrait
Dans « Self-Portrait », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Lovis Corinth. Corinth fait basculer le naturalisme vers une peinture de plus en plus libre, où la matière, la vitesse du geste et l'autoportrait deviennent les instruments d'une vérité instable. Datée 1917, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 46 × 36.8 cm (18 1/8 × 14 1/2 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 66 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Mr. and Mrs. Lewis Larned Coburn Memorial Collection Voir au musée →
#67
Red-Haired Girl
Dans « Red-Haired Girl », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Emil Nolde. Nolde pousse aquarelle et huile vers des saturations extrêmes; visages, fleurs et horizons marins semblent surgir directement de la couleur humide. Datée 1919, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 65.4 × 40 cm (25 3/4 × 15 3/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 67 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Bequest of Mr. and Mrs. George H. Tagge Voir au musée →
#68
Death in the Garden (Legend)
Dans « Death in the Garden (Legend) », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Paul Klee. Klee traite la peinture comme une pensée visible : signes, architectures, rythmes musicaux et organismes imaginaires se développent selon leurs propres lois. Datée 1919, cette œuvre est réalisée en Oil on cotton, on cardboard nailed to wood et mesure 27.3 × 24.8 cm (10 3/4 × 9 3/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 68 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Mr. and Mrs. Joseph R. Shapiro Voir au musée →
#69
Kummeralp Mountain and Two Sheds
Dans « Kummeralp Mountain and Two Sheds », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Ernst Ludwig Kirchner. Kirchner traduit l'énergie urbaine, le cirque et la montagne par des angles aigus, des couleurs dissonantes et une ligne qui conserve l'urgence de Die Brücke. Datée 1920, cette œuvre est réalisée en Oil and encaustic on canvas et mesure 98.4 × 120 cm (38 3/4 × 47 1/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 69 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Wilson L. Mead Fund Voir au musée →
#70
Schoolhouse
Dans « Schoolhouse », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Paul Klee. Klee traite la peinture comme une pensée visible : signes, architectures, rythmes musicaux et organismes imaginaires se développent selon leurs propres lois. Datée 1920, cette œuvre est réalisée en Oil on paper, on board et mesure 36.8 × 31.8 cm (14 1/2 × 12 1/2 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 70 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Mary and Leigh Block Voir le produit →
#71
The Jochberg at Lake Walchen
Dans « The Jochberg at Lake Walchen », Corinth libère progressivement la touche jusqu’à la frontière de l’expressionnisme. Le sujet, le cadrage et la matière expliquent pourquoi cette peinture constitue un repère du parcours allemand. Datée 1924, elle est réalisée en Oil on canvas et mesure 65 × 88 cm; elle appartient à German public collection. La notice institutionnelle permet de contrôler l’identité de l’œuvre, sa datation, sa technique et son lieu de conservation. Sa place dans ce classement tient à son importance historique, à sa force visuelle et à la qualité de sa documentation.
Image de la fiche Alpha Reproduction; œuvre originale documentée par le musée Voir le produit →
#72
Asiatic God
Dans « Asiatic God », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Paul Klee. Klee traite la peinture comme une pensée visible : signes, architectures, rythmes musicaux et organismes imaginaires se développent selon leurs propres lois. Datée 1924, cette œuvre est réalisée en Oil and plaster, over gauze, on panel et mesure 56.5 × 35.6 cm (22 1/4 × 14 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 72 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Bequest of Claire Zeisler Voir le produit →
#73
Stakim
Dans « Stakim », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Paul Klee. Klee traite la peinture comme une pensée visible : signes, architectures, rythmes musicaux et organismes imaginaires se développent selon leurs propres lois. Datée c. 1928, cette œuvre est réalisée en Oil on plaster et mesure 20.3 × 32.4 cm (8 × 12 3/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 73 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Mrs. Gilbert W. Chapman Voir au musée →
#74
Reclining Nude
Dans « Reclining Nude », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Max Beckmann. Beckmann enferme le monde dans des contours noirs, des espaces comprimés et des mythologies personnelles où le théâtre de la vie moderne devient allégorie. Datée 1929, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 83.4 × 119 cm (32 7/8 × 46 13/16 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 74 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Joseph Winterbotham Collection Voir au musée →
#75
Fleeing Ghost
Dans « Fleeing Ghost », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Paul Klee. Klee traite la peinture comme une pensée visible : signes, architectures, rythmes musicaux et organismes imaginaires se développent selon leurs propres lois. Datée 1929, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 89.5 × 63.5 cm (35 1/4 × 25 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 75 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Bequest of Claire Zeisler Voir le produit →Klee, Münter, Nolde, Grosz, Beckmann, Kiefer et Richter confrontent couleur, catastrophe et reproduction.
#76
Strange Glance
Dans « Strange Glance », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Paul Klee. Klee traite la peinture comme une pensée visible : signes, architectures, rythmes musicaux et organismes imaginaires se développent selon leurs propres lois. Datée 1930, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 65.4 × 38.1 cm (25 3/4 × 15 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 76 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Bequest of Claire Zeisler Voir au musée →
#77
Sunset
Dans « Sunset », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Paul Klee. Klee traite la peinture comme une pensée visible : signes, architectures, rythmes musicaux et organismes imaginaires se développent selon leurs propres lois. Datée 1930, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 46.1 × 70.5 cm (18 1/8 × 27 3/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 77 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la avant-gardes, expressionnisme et Nouvelle Objectivité. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Mary and Leigh Block Voir le produit →
#78
In the Magic Mirror
Dans « In the Magic Mirror », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Paul Klee. Klee traite la peinture comme une pensée visible : signes, architectures, rythmes musicaux et organismes imaginaires se développent selon leurs propres lois. Datée 1934, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas, on board et mesure 66 × 50 cm (26 × 19 3/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 78 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la peinture allemande entre catastrophe et reconstruction. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Bequest of Claire Zeisler Voir au musée →
#79
Self-Portrait
Dans « Self-Portrait », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Max Beckmann. Beckmann enferme le monde dans des contours noirs, des espaces comprimés et des mythologies personnelles où le théâtre de la vie moderne devient allégorie. Datée 1937, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 192.5 × 89 cm (75 3/4 × 35 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 79 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la peinture allemande entre catastrophe et reconstruction. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Lotta Hess Ackerman and Philip E. Ringer Voir au musée →
#80
Harmonized Region
Dans « Harmonized Region », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Paul Klee. Klee traite la peinture comme une pensée visible : signes, architectures, rythmes musicaux et organismes imaginaires se développent selon leurs propres lois. Datée 1938, cette œuvre est réalisée en Oil on burlap on cardboard et mesure 38.7 × 47 cm (15 1/4 × 18 1/2 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 80 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la peinture allemande entre catastrophe et reconstruction. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of the estate of Alexander M. Bing Voir le produit →
#81
Exotics
Dans « Exotics », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Paul Klee. Klee traite la peinture comme une pensée visible : signes, architectures, rythmes musicaux et organismes imaginaires se développent selon leurs propres lois. Datée 1939, cette œuvre est réalisée en Oil on burlap et mesure 71.1 × 55.9 cm (28 × 22 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 81 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la peinture allemande entre catastrophe et reconstruction. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Bequest of Mrs. Walter Paepcke Voir au musée →
#82
God of War
Dans « God of War », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à George Grosz. Grosz transforme la ville moderne en satire : cafés, ambitions politiques et corps sociaux sont saisis par une ligne corrosive et des couleurs volontairement acides. Datée 1940, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 119.5 × 90 cm (47 × 35 3/8 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 82 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la peinture allemande entre catastrophe et reconstruction. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Promised Gift of Robert J. Buford Voir au musée →
#83
Landscape with Sunbather
Dans « Landscape with Sunbather », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à George Grosz. Grosz transforme la ville moderne en satire : cafés, ambitions politiques et corps sociaux sont saisis par une ligne corrosive et des couleurs volontairement acides. Datée 1940, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas board et mesure 41 × 50.8 cm (16 1/8 × 20 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 83 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la peinture allemande entre catastrophe et reconstruction. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Bequest of Sylvia Simons Sights Voir au musée →
#84
Dancing Girl
Dans « Dancing Girl », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Paul Klee. Klee traite la peinture comme une pensée visible : signes, architectures, rythmes musicaux et organismes imaginaires se développent selon leurs propres lois. Datée 1940, cette œuvre est réalisée en Oil on cloth et mesure 53.3 × 51.2 cm (21 × 20 7/8 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 84 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la peinture allemande entre catastrophe et reconstruction. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of George B. Young Voir au musée →
#85
Perseus's Last Duty
Dans « Perseus's Last Duty », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Max Beckmann. Beckmann enferme le monde dans des contours noirs, des espaces comprimés et des mythologies personnelles où le théâtre de la vie moderne devient allégorie. Datée 1949, cette œuvre est réalisée en oil on canvas et mesure Framed: 125 x 178.5 x 8.5 cm (49 3/16 x 70 1/4 x 3 3/8 in.); Unframed: 89.4 x 142 cm (35 3/16 x 55 7/8 in.); elle appartient à Cleveland Museum of Art, Cleveland. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 85 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la peinture allemande entre catastrophe et reconstruction. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Mrs. Henry White Cannon by exchange Voir le produit →
#86
Mouth (Mund)
Dans « Mouth (Mund) », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1963, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 67 × 74 cm (26 1/2 × 29 1/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 86 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Through prior gift of Mrs. Henry C. Woods; gift of Lannan Foundation Voir au musée →
#87
Christa and Wolfi
Dans « Christa and Wolfi », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1964, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 150 × 130 cm (59 × 51 1/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 87 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Joseph Winterbotham Collection Voir au musée →
#88
Woman Descending the Staircase (Frau die Treppe herabgehend)
Dans « Woman Descending the Staircase (Frau die Treppe herabgehend) », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1965, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 198 × 128 cm (79 × 51 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 88 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Roy J. and Frances R. Friedman Endowment; gift of Lannan Foundation Voir au musée →
#89
Hunting Party (Jagdgesellschaft)
Dans « Hunting Party (Jagdgesellschaft) », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1966, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 160 × 179 cm (63 × 70 5/8 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 89 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Edlis Neeson Collection Voir au musée →
#90
Mrs. Wolleh with Children (Frau Wolleh mit Kindern)
Dans « Mrs. Wolleh with Children (Frau Wolleh mit Kindern) », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1967, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 200 × 160 cm (78 3/4 × 63 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 90 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Through prior gift of Mr. and Mrs. Lewis Larned Coburn; gift of Lannan Foundation Voir au musée →![Gerhard Richter, Townscape (P1) [Stadtbild (P1)], 1968, Art Institute of Chicago, Chicago](https://www.artic.edu/iiif/2/f69c0687-7233-f1ad-d340-3e8c26334304/full/843,/0/default.jpg)
#91
Townscape (P1) [Stadtbild (P1)]
Dans « Townscape (P1) [Stadtbild (P1)] », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1968, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 102 × 92 cm (40 × 36 1/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 91 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Edlis Neeson Collection Voir au musée →
#92
Little Landscape at the Seaside (Kleine Landschaft am Meer)
Dans « Little Landscape at the Seaside (Kleine Landschaft am Meer) », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1969, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 72.4 × 105.1 cm (28 1/2 × 41 3/8 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 92 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Through prior gift of Mr. and Mrs. Lewis Larned Coburn; gift of Lannan Foundation Voir au musée →
#93
Gray
Dans « Gray », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1972–73, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 250.2 × 200 cm (98 1/2 × 78 3/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 93 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Donna and Howard Stone Voir au musée →
#94
Davos
Dans « Davos », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1981, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 50.2 × 69.9 cm (19 3/4 × 27 1/2 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 94 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Edlis Neeson Collection Voir au musée →
#95
Two Candles (Zwei Kerzen)
Dans « Two Candles (Zwei Kerzen) », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1982, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 120 × 100 cm (47 1/4 × 39 1/2 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 95 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Twentieth-Century Discretionary Fund Voir au musée →
#96
The Order of the Angels (Die Ordnung der Engel)
Dans « The Order of the Angels (Die Ordnung der Engel) », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Anselm Kiefer. Kiefer travaille la mémoire allemande dans des surfaces lourdes où peinture, plomb, paille, photographie et livre deviennent des matières d'histoire. Datée 1983/84, cette œuvre est réalisée en Oil, emulsion, shellac, straw, and lead on canvas et mesure 330 × 555 cm (130 × 218 1/2 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 96 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Purchased with funds provided by Nathan Manilow Foundation; Lewis and Susan Manilow, Samuel A. Marx funds Voir au musée →![Gerhard Richter, Venice (Staircase) [Venedig (Treppe)], 1985, Art Institute of Chicago, Chicago](https://www.artic.edu/iiif/2/2fc6cbcb-3c5f-c1c3-47c2-d0ccb9914058/full/843,/0/default.jpg)
#97
Venice (Staircase) [Venedig (Treppe)]
Dans « Venice (Staircase) [Venedig (Treppe)] », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1985, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 51.4 × 71.8 cm (19 3/4 × 27 1/2 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 97 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Gift of Edlis Neeson Collection Voir au musée →
#98
Ice (1)
Dans « Ice (1) », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1989, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 203.2 × 162.6 cm (80 × 64 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 98 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Through prior gift of Joseph Winterbotham; gift of Lannan Foundation Voir au musée →
#99
Ice (2)
Dans « Ice (2) », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1989, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 203.2 × 162.6 cm (80 × 64 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 99 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Through prior gift of Joseph Winterbotham; gift of Lannan Foundation Voir au musée →
#100
Flowers (Blumen)
Dans « Flowers (Blumen) », le motif annoncé par le titre devient un laboratoire de cadrage, de couleur et de matière propre à Gerhard Richter. Richter met en crise la confiance accordée aux images : flou photographique, gris, paysage, bougie et abstraction raclée explorent des régimes de vérité incompatibles mais simultanés. Datée 1993, cette œuvre est réalisée en Oil on canvas et mesure 72.4 × 102.2 cm (28 1/2 × 40 1/4 in.); elle appartient à Art Institute of Chicago, Chicago. La notice du musée reliée à cette carte permet de vérifier le titre, la datation, la technique, le format, l'inventaire et la provenance, tandis que le crédit affiché sous l'image identifie clairement l'institution ou les ayants droit. Dans ce parcours, l'œuvre porte le numéro 100 parce qu'elle éclaire un moment distinct de la art allemand de l'après-guerre à aujourd'hui. Elle montre aussi que la peinture allemande ne suit pas une progression rectiligne : elle revient sans cesse au portrait, au paysage, à l'histoire et au statut même de l'image pour les remettre en tension. De Dürer à Richter, cette continuité critique constitue l'un des fils directeurs les plus solides du corpus.
Through prior gift of Mrs. Henry C. Woods; gift of Lannan Foundation Voir au musée →Ce que révèle le classement
Cent tableaux, trois traditions qui se répondent
La précision du dessin, l'intériorité du paysage et la critique des images ne forment pas trois périodes closes. Elles reviennent de Dürer à Richter et donnent à la peinture allemande sa continuité la plus profonde.
Voir reste un acte critique
Portrait, photographie ou paysage : l'image allemande demande souvent au spectateur de vérifier ce qu'il croit reconnaître.
Le passé demeure actif
Réforme, guerre, nazisme et reconstruction ne sont pas des décors historiques; ils modèlent les formes, les matériaux et les silences.
La matière pense
Bois, aquarelle, huile, plomb, paille et surface raclée transforment le tableau en lieu de mémoire autant qu'en représentation.
Une chronologie de déplacements
Cinq dates pour entrer dans l'histoire
L'autoportrait de Munich affirme le peintre comme intellectuel et créateur à l'égal des humanistes.
Le Moine au bord de la mer transforme le paysage romantique en expérience radicale de l'infini.
Marc, Macke et Münter libèrent la couleur au sein du Blaue Reiter tandis que Die Brücke électrise la figure et la ville.
Le triptyque reprend la forme du retable pour dresser un monument sans rédemption à l'expérience des tranchées.
L'image photographique, exacte et floue, devient à la fois présence, reproduction, souvenir et doute.
La peinture allemande en profondeur
De Dürer à Richter : une histoire allemande du regard
À la charnière des XVe et XVIe siècles, Dürer, Cranach, Grünewald, Altdorfer et Holbein donnent à l'image une autorité nouvelle. Le portrait affirme l'individu, le paysage gagne son autonomie, tandis que la peinture religieuse mêle dévotion, observation et bouleversements de la Réforme. La précision du dessin n'est jamais pure virtuosité : elle organise une manière critique de voir.
Autour de 1800, Runge et Caspar David Friedrich déplacent le paysage vers l'expérience intérieure. Brume, mer, forêt, montagne et banquise ne décrivent pas seulement la nature; ils mesurent la place fragile du spectateur. Blechen, Menzel, Leibl, Liebermann et Slevogt prolongent cette attention au monde moderne, de l'atelier industriel à la vie urbaine et au voyage.
Au début du XXe siècle, Die Brücke et Der Blaue Reiter libèrent la couleur et déforment le visible. Kirchner, Marc, Macke, Münter, Nolde et Klee ne partagent pas un style unique, mais la conviction que ligne et couleur peuvent rendre sensibles des forces que l'imitation seule ne suffit pas à saisir. La ville, le corps, l'animal et le paysage deviennent des champs d'intensité.
La Première Guerre mondiale, la République de Weimar puis le nazisme modifient radicalement le statut de la peinture. Dix, Grosz et Beckmann combinent satire, frontalité et héritage des maîtres anciens pour montrer la violence sociale et politique. Leurs images refusent aussi bien l'héroïsation que le confort du simple constat.
Après 1945, Kiefer et Richter affrontent une mémoire saturée de documents et de silences. Le plomb, la paille, la photographie, le flou et la raclette font du tableau un objet matériel autant qu'une représentation. Le classement ne prétend pas remplacer un catalogue raisonné : il propose cent points d'entrée vérifiables, choisis pour leur importance historique, leur force visuelle et la qualité de leur documentation muséale.
Quatre clés de lecture
Suivre les retours plutôt que les étiquettes
La chronologie aide, mais les œuvres gagnent à être reliées par leurs problèmes communs : le statut du portrait, la construction du paysage, la violence de l'histoire et la confiance accordée à l'image.
Observer la frontalité
Chez Dürer, Holbein, Dix ou Richter, regarder et être regardé deviennent deux opérations inséparables.
Mesurer la distance
Brume, forêt, désert, montagne ou banquise organisent une relation morale et physique entre le corps et le monde.
Repérer les fractures
Réforme, industrialisation, guerres et mémoire nationale modifient les sujets aussi bien que la matière picturale.
Douter de l'image
Contour noir, aquarelle humide, plomb ou raclette rappellent que toute représentation est un objet construit.
Collections et notices officielles
Continuer directement dans les musées
Chaque image vient d'une infrastructure muséale officielle; chaque bouton ouvre la notice correspondante et les crédits restent visibles sous les cent œuvres.
Dans Alpha Reproduction
01Les 100 tableaux les plus célèbres du mondeParcours Alpha Reproduction02Les 100 tableaux essentiels du XXe siècleParcours Alpha Reproduction03Les 100 tableaux connus qui racontent KandinskyParcours Alpha ReproductionMusées et références
01Autoportrait de Dürer aux PinakothekenMusée & référence02L'Homme contemplant une mer de brume à la Hamburger KunsthalleMusée & référence03Le Moine au bord de la mer aux musées de BerlinMusée & référence04Le Cheval bleu I au LenbachhausMusée & référence05Street, Berlin au MoMAMusée & référence06La Guerre d'Otto Dix à l'AlbertinumMusée & référenceQuestions fréquentes
La peinture allemande sans récit simplifié
Les repères essentiels pour comprendre la Renaissance allemande, le romantisme, l'expressionnisme, la Nouvelle Objectivité, l'après-guerre et le choix des cent œuvres.
Quel tableau ouvre ce classement de la peinture allemande ?
L'Homme contemplant une mer de brume de Caspar David Friedrich occupe la première place. Sa silhouette de dos face à un paysage instable condense l'expérience romantique tout en restant l'une des images allemandes les plus reconnaissables au monde.
Pourquoi Dürer est-il un point de départ essentiel ?
Dürer associe précision nordique, culture humaniste, connaissance de l'art italien et conscience nouvelle du statut de l'artiste. Son Autoportrait de 1500, frontal et monumental, transforme le portrait du peintre en véritable déclaration intellectuelle.
Quelle place l'expressionnisme occupe-t-il dans la sélection ?
Une place centrale mais non exclusive. Marc, Macke, Münter, Kirchner et Nolde montrent la diversité du Blaue Reiter et de Die Brücke; Klee, Dix, Grosz et Beckmann permettent ensuite de suivre les transformations et les contestations de cet héritage.
Le classement contient-il encore des photographies, estampes ou dessins ?
Non. La sélection a été reconstruite pour ne conserver que des peintures : huiles, temperas, encaustiques et techniques picturales sur toile, panneau ou supports assimilés. Les aquarelles, pastels, lithographies, livres et œuvres photographiques ont été exclus.
Comment les cent œuvres ont-elles été choisies ?
La sélection croise importance historique, célébrité, diversité des périodes et disponibilité d'une image officielle accompagnée d'une notice muséale. Les doublons de titre, d'image et de notice ont été exclus.
Où voir les principaux chefs-d'œuvre ?
Les Pinakotheken de Munich, la Hamburger Kunsthalle, les Staatliche Museen zu Berlin, le Lenbachhaus, l'Albertinum de Dresde, le Met, l'Art Institute of Chicago, Cleveland, le MoMA et le Centre Pompidou conservent des œuvres de ce classement.
Comment les images et les droits ont-ils été contrôlés ?
Chaque œuvre garde sa référence muséale et sa mention de droits. Les produits nouvellement ajoutés utilisent uniquement des images explicitement ouvertes à la réutilisation commerciale, notamment CC0 ou Open Access; les autres œuvres restent reliées au musée.
Que font les boutons sous les œuvres ?
« Voir au musée » ouvre la notice officielle dans un nouvel onglet lorsque la reproduction n'est pas proposée ou que ses droits commerciaux ne sont pas confirmés.
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