Top 100 - Art Nouveau
Art Nouveau: 100 pinturas y sus motivos
Klimt, Munch, Khnopff, Redon, Hodler y sus vecinos europeos: la pintura descubre que la línea puede ondular sin perder su carácter.
Art Nouveau pinta cuerpos envueltos en oro, paisajes rítmicos, mitos inquietantes y rostros que guardan sus secretos. Las flores a veces crecen allí con disciplina militar, pero la pintura siempre conserva suficiente libertad para escapar de ellas.
La línea entra en juego
Cuando el adorno se convierte en arquitectura
Entre la década de 1880 y la Primera Guerra Mundial, la pintura Art Nouveau buscó una forma capaz de unir cuerpo, naturaleza, mito y vida moderna. En Viena, Bruselas, Múnich, Barcelona, Praga o Helsinki, Klimt, Khnopff, von Stuck, Casas y Gallen-Kallela inventan respuestas muy diferentes: ornamento total, simbolismo inquieto, retrato mundano, leyenda nacional o paisaje rítmico. Estos cien cuadros siguen los intercambios entre ornamento, historia, retrato y paisaje que dieron al movimiento su sorprendente diversidad.
El Art Nouveau no deposita algunas flores en la modernidad: vuelve a dibujar sus paredes, letras e incluso su peinado, con una línea que cortésmente se niega a caminar recto.Cambiar a imágenes
Las obras en la selección
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Iconos de la modernidad
Klimt, Munch, Khnopff, Redon y Hodler abren la ruta con las pinturas que dieron cara a finales de siglo.
#1
Gustav Klimt1. El beso
Klimt pintó El beso en 1907-1908, en el apogeo de su época dorada. Abrigos cubiertos de rectángulos y círculos envuelven a la pareja como un mosaico, mientras los pies permanecen al borde de un prado florido: el abrazo parece eterno, pero su equilibrio es deliciosamente precario.
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#2
Edvard Munch2. El grito
Munch concibió El Grito a partir de un paseo por el fiordo de Oslo, cuando dijo que sentía un grito atravesar la naturaleza. Puede que la figura no grite: se está cubriendo las orejas. El cielo ondulado transforma una crisis íntima en una imagen universal de la ansiedad moderna.
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#3
Gustav Klimt3. Retrato de Adèle Bloch-Bauer I
Encargado por el industrial Ferdinand Bloch-Bauer, este retrato de 1907 representa a su esposa Adèle en medio de un campo dorado. Klimt mezcla óleo, láminas metálicas y patrones inspirados en los mosaicos de Rávena. El cuerpo casi desaparece bajo el adorno, excepto el rostro y las manos, intensamente presentes.
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#4
Franz von Stuck4. Pecado
Expuesto por primera vez en 1893, Sin hizo la reputación de Franz von Stuck. Una mujer desnuda, abrazada por una serpiente, emerge de un fondo casi negro. El cuadro no habla de la falta bíblica: organiza un encuentro inquietante entre el deseo, la amenaza y la mirada frontal.
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#5
Fernando Khnopff5. Me cierro la puerta encima
Khnopff tomó prestado el título de un poema de Christina Rossetti y pintó en 1891 a una mujer aislada entre lirios, busto de Hypnos y rue de Bruges. Cada objeto parece pertenecer a una memoria privada. La puerta cerrada protege menos una habitación que un mundo interior cuidadosamente cerrado.
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#6
Odilón Redón6. El cíclope
Alrededor de 1914, Redon imaginó a Polifemo observando a Galatea durmiendo detrás de una colina de flores. El cíclope de la Odisea ya no es un monstruo brutal: su inmenso ojo expresa una curiosidad casi tímida. Sin embargo, los colores brillantes mantienen una ligera fiebre en el sueño.
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#7
Fernando Hodler7. La noche
Cuando Hodler expuso La Nuit en 1891, Ginebra consideró escandalosos sus desnudos y eliminó el cuadro. El artista se representa entre los durmientes, despertado por una figura negra que encarna la muerte. La repetición de cuerpos transforma la cama colectiva en un friso sobre el sueño y la vulnerabilidad.
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#8
Akseli Gallen-Kallela8. La defensa de Sampo
Gallen-Kallela recurre al Kalevala para mostrar a Väinämöinen defendiendo el Sampo, un molino mágico codiciado por Louhi. La lucha se desarrolla en mares embravecidos, bajo velas rojas. La leyenda nacional finlandesa recibe aquí la energía aguda de una gran aventura moderna.
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#9
Gustav Klimt9. Frisia de Beethoven
Creado para la exposición de Beethoven sobre la Secesión vienesa en 1902, este friso ilustra la búsqueda de la felicidad a través del sufrimiento de la humanidad. Klimt lleva al visitante desde las fuerzas hostiles hasta el abrazo final, en diálogo con la Novena Sinfonía y la arquitectura de Josef Hoffmann.
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#10
Akseli Gallen-Kallela10. El tríptico de Aino
El Tríptico de Aino relata tres episodios del Kalevala: el encuentro con Väinämöinen, la huida de Aino y luego su desaparición en el agua. Gallen-Kallela enmarca la historia con motivos inspirados en el arte popular finlandés. La naturaleza idílica se convierte en escenario de una trágica negativa.
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#11
Fernando Khnopff11. Caricias
En Caresses, pintada en 1896, Edipo está de pie frente a una esfinge con cuerpo de guepardo y el rostro inspirado de Marguerite, la hermana de Khnopff. El antiguo enigma se convierte en una intimidad peligrosa. La mano puesta en la mejilla duda entre ternura, dominación y trampa.
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#12
Odilón Redón12. Ojos cerrados
Alrededor de 1890, Redon pintó un rostro con los párpados bajos, inspirado en su esposa Camille. Tras el carboncillo oscuro de sus inicios, introduce aquí un color muy sobrio. El mundo visible se desvanece lo suficiente como para que el sueño, la meditación y la apariencia interior se vuelvan inseparables.
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#13
Edvard Munch13. Madonna
Madonna pertenece a la Frisia de la vida de Munch. Una mujer con los ojos cerrados arquea la espalda frente a un halo rojo, entre el éxtasis y la preocupación. El artista combina concepción, amor y muerte en una imagen cuyas versiones pintadas y grabadas han perturbado durante mucho tiempo los límites de lo sagrado.
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#14
Franz von Stuck14. Lucifer
Von Stuck presenta a Lucifer como un gobernante sentado en lugar de un demonio en acción. El enorme cuerpo se mezcla con las sombras, mientras que los ojos miran directamente al espectador. Esta inmovilidad fortalece la amenaza: el mal ni siquiera necesita surgir.
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#15
Carlos Schwabe15. La muerte y el sepulturero
Schwabe pintó La muerte y el sepulturero en 1895 para ilustrar el fin de un mundo. Un ángel verde desciende hacia el hombre que está cavando, llevando una frágil llama en medio de un cementerio nevado. Invierno, cansancio y esperanza se encuentran sin resolverse.
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#16
Ramón Casas16. Ramón Casas y Pere Romeu en tándem
Ramon Casas y Pere Romeu, propietarios del cabaret barcelonés Els Quatre Gats, actuaron en 1897 en tándem. La pintura parodia retratos oficiales mientras celebra la modernidad urbana. Dos bohemios en bicicleta bastan para darle al modernismo catalán su manifiesto más sonriente.
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#17
Henri de Toulouse-Lautrec17. En el Moulin Rouge: El inicio de la cuadrilla
Toulouse-Lautrec observa el final de la cuadrilla en Moulin-Rouge, cuando bailarines y clientes se dispersan. Las siluetas cortadas y el vacío del suelo de parquet reflejan menos el espectáculo que sus consecuencias. El pintor conoce a estos habituales; relata su cansancio sin transformarlos en curiosidades.
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#18
Henri de Toulouse-Lautrec18. En Moulin-Rouge
Pintada hacia 1892, Au Moulin-Rouge reúne varias figuras del cabaret: Jane Avril cruza el escenario, La Goulue aparece en el espejo y May Milton aparece en el borde derecho con un rostro verde por la iluminación. Lautrec compone un verdadero retrato grupal de la noche parisina.
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#19
Gustav Klimt19. Judit I
Klimt pintó a Judith en 1901, al comienzo de su época dorada. La heroína bíblica apenas muestra la cabeza de Holofernes, arrinconada, mientras domina su propio rostro. La victoria política se convierte en una imagen de poder sensual y el collar dorado casi parece una armadura.
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#20
Gustav Klimt20. Judit II
En Judith II, pintada ocho años después de la primera versión, Klimt alarga el cuerpo de la heroína y endurece sus manos. Los patrones decorativos se están poniendo más nerviosos. A menudo llamada Salomé, la figura duda deliberadamente entre dos mujeres fatales cuya historia termina con una cabeza cortada.
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#21
Gustav Klimt21. Huerto con girasoles
Hacia 1907, Klimt pintó este jardín cerca del Attersee como tapiz vertical. Los girasoles se elevan sobre una multitud de flores pequeñas sin horizonte visible. La finca casi desaparece entre la vegetación: el paisaje se convierte en un muro viviente, mucho más rebelde que el papel tapiz.
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#22
Henri de Toulouse-Lautrec22. La Goulue entrando en Moulin-Rouge
Lautrec agarra a La Goulue cuando entra al Moulin-Rouge, antes de que comience el baile. El encuadre y la silueta reconocible hablan de la fama de Louise Weber sin una pose oficial. La estrella pertenece al lugar tanto como sus espejos, sus lámparas y su público.
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#23
Gustav Klimt23. Serena Pulitzer Lederer
Klimt interpretó a Serena Pulitzer Lederer en 1899, antes del libertinaje dorado de sus obras más famosas. El color blanco destaca en una atmósfera pálida y casi líquida. Miembro de una familia de grandes coleccionistas, Serena aparece con una elegancia más comedida que ostentosa.
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#24
Gustav Klimt24. La cuna
The Cradle, terminado alrededor de 1917-1918, esconde casi por completo al bebé bajo una montaña de telas coloridas. Klimt transforma mantas y cojines en una pirámide decorativa. Sólo la carita de arriba nos recuerda que esta espectacular composición textil aún debe dejar dormir a alguien.
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#25
Gustav Klimt25. Mäda Primavesi
Mäda Primavesi tenía sólo nueve años cuando Klimt lo pintó en 1912-1913. Su color blanco y su postura segura contrastan con un fondo floral muy brillante. Hija de mecenas vieneses, respalda la mirada con una rara autonomía en los retratos de niños de la época.
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De Viena a Barcelona, los artistas observan modelos, bailarines, escritores y nuevos lugares de sociabilidad.
#26
Santiago Rusiñol26. Retrato de Miquel Utrillo
Rusiñol pintó a su amigo Miquel Utrillo en el Moulin de la Galette durante sus años parisinos. El crítico e ingeniero aparece inmerso en el ambiente ahumado del cabaret. Este retrato conecta la bohemia de Montmartre con el modernismo catalán que pronto se organizará en torno a Els Quatre Gats.
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#27
Giovanni Segantini27. Mediodía en los Alpes
Segantini pintó Midi en los Alpes en 1891, con una pastora y su rebaño bajo una luz casi cristalina de gran altitud. Sus pequeños toques separados intensifican el aire y la hierba. El trabajo rural se convierte en una visión panteísta donde las montañas parecen respirar con los animales.
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#28
Franz von Stuck28. Sísifo
Von Stuck retoma el mito de Sísifo, condenado a empujar su roca eternamente. El cuerpo tenso ocupa casi todo el lienzo y transforma el castigo en un estudio de la fuerza. Nada indica la cumbre: el esfuerzo monumental es precisamente lo que nunca tendrá éxito.
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#29
Edvard Munch29. Beso
En The Kiss, Munch fusiona los rostros de una pareja cerca de una ventana. El abrazo protege a los amantes del mundo exterior, pero su identidad desaparece en una masa oscura. Pintada en varias versiones, la escena pertenece a la Frisia de la vida, entre el deseo y la pérdida de uno mismo.
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#30
Fernando Hodler30. Thunersee mit symmetrischer Spiegelung
Hodler construye esta vista del lago Thun alrededor de un reflejo casi perfectamente simétrico. Las montañas, el agua y el cielo responden entre sí según su principio de paralelismo. El paisaje suizo deja de ser una mera vista pintoresca y se convierte en una meditación muy ordenada sobre la repetición natural.
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#31
Akseli Gallen-Kallela31. Mama lui Lemminkäinen
En el Kalevala, la madre de Lemminkäinen encuentra el cuerpo desmembrado de su hijo a orillas del río de los muertos e intenta reanimarlo. Gallen-Kallela pintó Esperando el signo divino en 1897. El joven pálido y el cielo silencioso dan al mito un dolor materno inmediato.
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#32
Santiago Rusiñol32. Los Jardines de Aranjuez
Rusiñol descubrió los jardines de Aranjuez durante sus estancias en Castilla y los convirtió en un tema importante. Pasarelas, fuentes y árboles podados parecen desiertos, como después de salir de un antiguo patio. La geometría del jardín acoge una melancolía muy moderna.
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#33
Henri de Toulouse-Lautrec33. En Grenelle, bebedor de absenta
En Grenelle, Toulouse-Lautrec pinta a un bebedor de ajenjo sin el ruidoso folclore de los cabarets. La mujer permanece absorta en su soledad, rodeada de un espacio poco acogedor. El vidrio no es un accesorio moral: pertenece a una existencia observada muy de cerca.
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#34
Fernando Khnopff34. Quien me entregará?
Khnopff toma prestado de Christina Rossetti el título ¿Quién me entregará? y le da a la figura una presencia casi cautiva. El rostro, aislado en un espacio silencioso, no ofrece respuesta narrativa. Todo el cuadro se sostiene en esta expectativa, entre el deseo de escapar y la retirada voluntaria.
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#35
Henri de Toulouse-Lautrec35. En Moulin-Rouge: El payaso Cha-U-Kao
Cha-U-Kao, artista y payaso del Moulin-Rouge, era una de las modelos favoritas de Lautrec. Él la muestra con su traje amarillo y negro, consciente del espectáculo pero no reducido a él. Su presencia masiva y digna resiste las caricaturas habituales del mundo nocturno.
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#36
Egon Schiele36. Cardenal y Monja (Caresse)
Schiele pintó Cardenal y monja en 1912 secuestrando el beso de Klimt. Se representa a sí mismo con Wally Neuzil, vestido como un clérigo, en un abrazo rígido y preocupado. El fondo negro transforma el gesto amoroso en una falta, confesión o separación anunciada.
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#37
Henri de Toulouse-Lautrec37. En la cama, bésalo
En la cama, el beso pertenece a la serie donde Lautrec observa a dos mujeres en la intimidad de un burdel. Los cuerpos se juntan sin puesta en escena erótica destinada al cliente. La dulzura del momento contrasta con la dureza social del lugar.
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#38
Henri de Toulouse-Lautrec38. Dos mujeres bailando en el Moulin-Rouge
Dos mujeres bailando en el Moulin-Rouge muestran el movimiento desde el borde de la pista. Lautrec utiliza faldas, piernas y diagonales para restaurar el ritmo. No busca una pose perfecta: la danza existe en sucesivos desequilibrios.
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#39
Franz von Stuck39. Judit y Holofernes
Von Stuck elige el momento en que Judith muestra la cabeza de Holofernes. La heroína no es frágil: su cuerpo destaca con una confianza casi escultórica. La historia bíblica se convierte en un enfrentamiento entre seducción, violencia y poder femenino.
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#40
Franz von Stuck40. Judit y Holofernes II
En Judith y Holofernes II, von Stuck retoma a su heroína con una tensión más teatral. El contraste oscuro refuerza la acción alrededor del cuerpo y el trofeo. La repetición del tema muestra cómo la mujer victoriosa fascinó la cultura fin-de-siecle.
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#41
Alfonso Mucha41. El beso de Francia a Bohemia
Mucha pinta la alegoría del beso de Francia a Bohemia en el contexto de los vínculos culturales franco-checos. Dos figuras femeninas encarnan las naciones. El adorno floral no sólo sirve como escenario: transforma la diplomacia en un gesto emocional.
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#42
Franz von Stuck42. El beso de la Esfinge
el Beso de la Esfinge de von Stuck combina al hombre y a una criatura mítica en un abrazo fatal. La Esfinge ya no espera a que se resuelva su acertijo; ella absorbe a su víctima. La pintura da al deseo la forma muy literal de un peligro al que nos acercamos voluntariamente.
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#43
Henri de Toulouse-Lautrec43. Jane Avril llega al Moulin Rouge
Jane Avril, al llegar al Moulin Rouge, muestra a la bailarina ante el escenario, todavía en movimiento por la calle. Lautrec reconoce inmediatamente su esbelta figura y su aspecto nervioso. Este momento de transición revela a la persona detrás del ícono del cartel.
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#44
Franz von Stuck44. La primavera del amor
En La primavera del amor, von Stuck coloca a una pareja desnuda en una naturaleza vibrante. Las flores y los cuerpos jóvenes combinan estación, deseo y renovación. Debajo de la suavidad decorativa, el abrazo conserva el poder físico específico del pintor de Munich.
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#45
Henri de Toulouse-Lautrec45. Jane Avril en la entrada del Moulin Rouge, poniéndose los guantes
Lautrec sorprende a Jane Avril en la entrada del Moulin-Rouge poniéndose los guantes. El gesto diario reemplaza la pose de estrella. Este segundo antes de la muestra habla mejor de su elegancia y profesionalidad que de un retrato perfectamente preparado.
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#46
Ramón Casas46. În afara afara
El aire de Plein, pintado por Ramón Casas hacia 1890-1891, muestra a una mujer en una terraza de Barcelona. La luz, los muebles y la vestimenta ligera introducen la modernidad en la vida doméstica. El título celebra tanto el aire libre como una nueva forma de vida urbana.
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#47
Franz von Stuck47. Tilla Durieux en Circe
Von Stuck pinta a la actriz Tilla Durieux como Circe, maga de la Odisea. El perfil autoritario y el suntuoso traje transforman el retrato en un papel. La fama moderna se encuentra así con una mujer antigua que tiene fama de convertir a los hombres en animales.
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#48
Odilón Redón48. Pueblo pesquero, Bretaña
Redon se quedó en Bretaña y pintó este pueblo pesquero en un rango más terrenal que sus visiones mitológicas. Pero las casas, la costa y el cielo conservan una silenciosa extrañeza. La realidad aquí parece observarse desde la orilla de un sueño.
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#49
Franz von Stuck49. En la fuente (escucha de ninfa)
En el manantial se muestra una ninfa atenta al murmullo del agua. Von Stuck ralentiza el mito hasta el punto de convertirlo en una escena de escucha. La figura y el paisaje comparten la misma calma, lejos de las luchas de centauros que pueblan otra parte de su obra.
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#50
Gustav Klimt50. Adán y Eva
Adán y Eva quedaron inacabados cuando Klimt murió en 1918. Eva, luminosa y frontal, casi esconde a Adán en las sombras. La inversión de la jerarquía tradicional sitúa a la primera mujer en el centro de una escena menos culpable que sensual y misteriosa.
Ordene una reproducción de este cuadro →Mitos, deseo y preocupación
Judith, esfinges, amazonas y visiones interiores muestran cómo la belleza moderna también ama las zonas peligrosas.
#51
Edvard Munch51. Ansiedad
La ansiedad se apodera del puente y del cielo rojo del universo Cree, pero reemplaza la silueta aislada con una multitud avanzando hacia nosotros. Las caras pálidas no se comunican. Munch transforma así la ansiedad personal en malestar colectivo.
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#52
Egon Schiele52. Agonía (La lucha a muerte)
Schiele pintó Agony en 1912, con dos figuras unidas bajo una manta. El título y los rostros demacrados evocan enfermedad, muerte o separación espiritual. Los cuerpos permanecen cerca, pero el diseño angular impide un fácil consuelo.
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#53
Odilón Redón53. Alegoría: un árbol rojo no enrojecido por el sol
En esta Alegoría del Árbol Rojo, Redon libera color de la lógica natural. La extravagante planta se encuentra en un paisaje onírico sin una explicación precisa. Después de sus años de negro, el artista descubre que un color vibrante puede ser igual de misterioso.
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#54
Gustav Klimt54. Alegoría de la escultura
La Alegoría de la Escultura pertenece a los primeros encargos decorativos de Klimt. Una figura femenina encarna el arte plástico, rodeada de atributos clásicos. El cuerpo real ya dialoga con una superficie ornamental que anuncia las grandes decoraciones vienesas.
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#55
Odilón Redón55. Alsacia
Redon combina paisaje, memoria y atmósfera en Alsacia en lugar de una escena histórica precisa. Las formas parecen surgir de una niebla colorida. La obra sugiere una tierra soñada, cargada de identidad, sin verse encerrada en una ilustración patriótica.
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#56
Egon Schiele56. Iubitori
En Amantes, Schiele se acerca con extremidades anudadas y contornos nerviosos. El papel dejado visible aísla a la pareja del mundo. El abrazo no es ni pacífico ni mundano: involucra todo el frágil peso de ambos cuerpos.
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#57
Franz von Stuck57. Amazonas herido
la Amazona herida de Von Stuck muestra a un guerrero mientras el poder se desplaza hacia la vulnerabilidad. El cuerpo atlético sigue siendo monumental a pesar de la lesión. El mito permite al pintor asociar heroísmo antiguo y tensión erótica.
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#58
Franz von Stuck58. Amazonas en combate
Amazon en combate se apodera del guerrero en acción. Von Stuck simplifica el escenario para centrar la energía en cuerpos y armas. El episodio mitológico se convierte en un estudio del movimiento donde la musculatura ocupa el lugar de una historia.
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#59
Gustav Klimt59. Amigos I
Bajo el título Amies I, Klimt representa a dos mujeres muy juntas en un espacio saturado de motivos. Los vestidos y el fondo floral casi suprimen la profundidad. La intimidad surge tanto por la proximidad de las figuras como por compartir el mismo tejido decorativo.
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#60
Franz von Stuck60. Amazonas y Centauros
Amazona y Centauro reúne a dos figuras mitológicas cuyo enfrentamiento parece tanto físico como simbólico. Von Stuck contrasta el dominio del guerrero con la fuerza animal. La composición mantiene el resultado en suspenso, como un duelo esculpido antes del shock.
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#61
Odilón Redón61. Anémonas y Tulipanes
Redon pinta anémonas y tulipanes con una libertad de color que transforma el ramo en apariencia. Las flores no están clasificadas como en un herbario; flotan en un espacio vibrante. Su último período descubrió una fuente inagotable de extrañeza en la botánica.
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#62
Edvard Munch62. Cenizas
En Ashes, Munch muestra a un hombre abatido y una mujer con el pelo roto después de un encuentro romántico. El bosque rodea su consternación sin comentarlo. El título sugiere lo que queda cuando el deseo ha ardido más rápido que las promesas.
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#63
Odilón Redón63. Apolo
El Apolo de Redon no es un dios descrito según la arqueología. Emerge en una luz de color como una fuerza de claridad. El mito sirve al pintor para oponer el impulso solar a los monstruos y sombras de su universo interior.
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#64
Odilón Redón64. Apolo conquistador de la serpiente Pitón
Apolo, conquistador de la serpiente Pitón, reanuda la lucha fundacional del dios en Delfos. Redon disuelve la acción en una nube de colores. La victoria no es militar: se parece al lento paso de la oscuridad a la conciencia luminosa.
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#65
Egon Schiele65. Carro callejero
Schiele's Street Cart transforma un vehículo común y corriente en una forma nerviosa y aislada. Las ruedas, el cuerpo y la calle tienen la misma tensión gráfica que sus figuras humanas. Incluso sin modelo, la ciudad parece tener un cuerpo algo preocupado.
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#66
Odilón Redón66. Apariencia
En Aparición, Redon saca una figura de un espacio indeterminado. Los contornos siguen siendo deliberadamente inestables, como si la imagen dudara entre la memoria y la visión. El cuadro invita a mirar sin dar instrucciones, lo que le sienta bastante bien.
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#67
Gustav Klimt67. Después de la lluvia
Después de la lluvia, Klimt se aleja del oro de los retratos vieneses. El paisaje húmedo se construye en pequeños toques y masas vegetales. El aire lavado y los caminos oscurecidos revelan su atención a las variaciones atmosféricas alrededor del Attersee.
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#68
Egon Schiele68. Árbol de otoño en condiciones de aire agitado (árbol de invierno)
Schiele pinta este árbol de otoño como un organismo sujeto al viento. Las finas ramas se retuercen contra un fondo casi vacío. El paisaje recupera la vulnerabilidad de sus cuerpos humanos, pero con raíces que intentar aferrarse.
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#69
Odilón Redón69. Árboles en el cielo azul
Los Árboles del Cielo Azul pertenecen al colorido período de Redon. Los troncos y el follaje se elevan bajo una luz irreal. El sujeto natural se convierte en un paso entre el mundo observado y la visión interior, sin una ruptura repentina entre ambos.
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#70
Gustav Klimt70. Attersee
Klimt pasaba los veranos cerca del Attersee y pintaba el lago en formatos cuadrados. La línea del horizonte se eleva, el agua se cubre con pequeños toques y la distancia se reduce. El paisaje se convierte en una superficie meditativa más que en un panorama turístico.
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#71
Ramón Casas71. En el Moulin de la Galette
En el Moulin de la Galette, Ramon Casas observa la sociabilidad de Montmartre durante su estancia en París. El recinto de baile está tratado con sobriedad, lejos del espectacular cartel. El pintor catalán aprendió allí una modernidad que trajo de regreso a Barcelona.
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#72
Jan Toorop72. Broek en Waterland
Jan Toorop pinta a Broek en Waterland simplificando casas, canales y cielo en ritmos flexibles. El pueblo holandés mantiene la calma, pero las líneas onduladas le dan una vida casi orgánica. El paisaje participa plenamente en el vocabulario del Art Nouveau.
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#73
Fernando Hodler73. Leñador
Hodler convierte al leñador en una figura monumental en el preciso momento en que cae el hacha. El trabajador llena el lienzo y el paisaje se reduce a su gesto. Este pedido de billetes suizos transforma el esfuerzo diario en un emblema nacional.
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#74
Edvard Munch74. La danza de la vida
La Danza de la Vida reúne las edades del amor en una playa de Âsgårdstrand. Una mujer vestida de blanco camina hacia adelante, una pareja baila en el centro, una figura negra se aleja. Munch organiza el nacimiento del deseo, la posesión y la soledad en una ronda que no se detiene ante nadie.
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#75
Henri de Toulouse-Lautrec75. El gitano
La Gitane, pintada en 1899, muestra fuera del centro de atención el interés de Lautrec por los artistas escénicos. La modelo mantiene una presencia directa, sin una decoración de cabaret invasiva. El toque rápido captura una personalidad más que un tipo pintoresco.
Ordene una reproducción de este cuadro →Paisajes y modernismos europeos
Lagos alpinos, jardines, ciudades y leyendas nacionales toman la nueva línea mucho más allá de París y Viena.
#76
Fernando Khnopff76. Retrato de Margarita
Khnopff pinta a su hermana Marguerite con un vestido blanco, justo delante de una puerta cerrada. La frontalidad y la sencillez le dan al retrato una distancia casi ritual. Modelo recurrente de la artista, encarna aquí un ideal de belleza inaccesible y perfectamente silencioso.
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#77
Egon Schiele77. Pareja sentada
En Pareja sentada, Schiele entrelaza dos cuerpos sin borrar su individualidad. La ropa y las extremidades forman una construcción compacta sobre papel desnudo. La intimidad parece real, pero el vacío circundante nos recuerda lo frágil que sigue siendo esta proximidad.
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#78
Fernando Hodler78. Madame Valentine Godé-Darel enferma
Hodler pintó a Valentine Godé-Darel durante la enfermedad que se la llevó en 1915. Lejos del retrato oficial, la serie sigue con abrumadora honestidad el debilitamiento de su compañero. Esta imagen es tanto un acto de presencia como un enfrentamiento con la muerte.
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#79
Egon Schiele79. Pareja de mujeres enamoradas
La pareja de mujeres enamoradas de Schiele combina deseo y vulnerabilidad en una pose apretada. Los contornos angulares impiden que la imagen se vuelva decorativa. Las dos figuras ocupan un espacio propio, alejado de las convenciones sociales circundantes.
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#80
Alfonso Mucha80. Coronación del zar serbio Stefan Dušan como emperador bizantino
Esta escena pertenece a la Epopeya Eslava, un ciclo monumental pintado por Mucha para contar la historia de los pueblos eslavos. La coronación de Stefan Dušan se convierte en una ceremonia colectiva saturada de trajes y símbolos. El artista deja aquí el cartel de la gran pintura histórica.
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#81
Egon Schiele81. Media Luna de Casas (Pequeña Ciudad V)
En Crescent of Houses, Schiele observa Krumau, la ciudad natal de su madre. Las fachadas estrechas siguen la curva de la tierra como un organismo. La ausencia casi total de habitantes confiere al pequeño pueblo una extraña vida independiente.
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#82
Egon Schiele82. Media Luna de Casas II (Island Town)
El crecimiento de las casas II se apodera de la ciudad isleña acentuando la yuxtaposición de las fachadas. Los tejados, ventanas y paredes se convierten en un mosaico irregular. Schiele trata la arquitectura como un grupo de cuerpos, cada uno inclinado según su propia fatiga.
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#83
Alfonso Mucha83. Entrevista en Krichazky
La entrevista con Krichazky pertenece a las pinturas históricas de Mucha dedicadas a la memoria checa. La asamblea y el panorama sitúan el discurso político en una comunidad. La línea decorativa aquí sirve a una narrativa nacional más que a un anuncio parisino.
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#84
Egon Schiele84. Ciudad Muerta III (La Ciudad del Río Azul III)
Dead City III muestra a Krumau como una ciudad costera casi abandonada. Las casas repletas y los colores apagados crean una presencia funeraria. Schiele no pinta ruinas: da a una ciudad habitada la apariencia de un recuerdo ya lejano.
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#85
Egon Schiele85. Casas en invierno (vista desde el taller)
Desde su estudio, Schiele observa las casas atrapadas en invierno. Las fachadas oscuras se alinean bajo una luz fría, sin anécdota humana. El barrio se convierte en un retrato colectivo donde cada edificio parece apoyar la temporada a su manera.
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#86
Alfonso Mucha86. Mujer en el desierto
La Mujer en el Desierto de Mucha pertenece a sus composiciones donde la figura alegórica domina un paisaje estilizado. El traje, el velo y la línea ondulada construyen una visión más narrativa que sus paneles decorativos. La soledad del personaje le da al escenario su escala emocional.
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#87
Stanisław Wyspiaranski87. Niña apagando una vela
Wyspiahnski agarró a una niña inclinada sobre una vela, bajo una breve luz doméstica. El gesto de apagarse se convierte en el centro del retrato. El pastel se detiene este momento antes de que la habitación, y quizás la infancia misma, caiga en la oscuridad.
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#88
León Bakst88. Ida Rubinstein
Bakst pinta a Ida Rubinstein, bailarina de los Ballets Rusos, con la elegancia alargada que la hizo famosa. El retrato reúne personalidad mundana y presencia escénica. El vestuario, la pose y la línea transforman la modelo en una apariencia moderna sin reducirla a un rol.
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#89
Fernando Hodler89. La Hora Sagrada
La Hora Sagrada pertenece a las composiciones simbólicas de Hodler basadas en la repetición. Las figuras femeninas forman un friso tranquilo, casi musical. El pintor llama paralelismo a esta búsqueda de un orden visible capaz de expresar una experiencia espiritual.
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#90
Ramón Casas90. La carga
La Carga, pintada tras la represión de una manifestación obrera en Barcelona, muestra a un guardia a caballo dispersando a la multitud. Casas deja un gran vacío en torno a la violencia central. El acontecimiento político se convierte en una sorprendente imagen de poder y pánico.
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#91
Józef Mehoffer91. La musa
En The Muse, Mehoffer combina retrato, alegoría y decoración floral. La figura parece pertenecer a un interior real y al mismo tiempo encarna inspiración artística. Las líneas y colores del modernismo polaco transforman la presencia humana en ritmo decorativo.
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#92
Jan Toorop92. La nueva generación
La Nueva Generación de Toorop muestra cómo su línea sinuosa puede llevar consigo una idea social y espiritual. Las figuras responden entre sí como ramas del mismo árbol. El título mira hacia el futuro sin abandonar la densidad simbolista de finales de siglo.
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#93
Edvard Munch93. Pubertad
Munch pintó La pubertad alrededor de 1894: un adolescente desnudo sentado frente a una enorme sombra. La frontalidad, los brazos cruzados y la cama desnuda expresan la repentina conciencia del cuerpo. La sombra parece crecer más rápido que el modelo, lo que prácticamente resume la edad en cuestión.
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#94
Akseli Gallen-Kallela94. La venganza de Zhukahainen
En el Kalevala, Joukahainen prepara su venganza tras perder un duelo de canto contra Väinämöinen. Gallen-Kallela pinta al arquero extendido en un paisaje helado. La leyenda avanza aquí con la silenciosa precisión de una flecha antes de su partida.
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#95
Akseli Gallen-Kallela95. Lago Keitele
El lago Keitele, pintado en 1905, muestra una extensión finlandesa atravesada por largos rastros de plata. Estas bandas pueden evocar el viento, la estela de Väinämöinen o un fenómeno luminoso. El paisaje real se abre así discretamente al mito nacional.
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#96
Fernando Hodler96. Lago Lemán visto desde Chexbres
Desde Chexbres, Hodler domina el lago Lemán y ordena lagos, montañas y nubes en bandas paralelas. La repetición simplifica el paisaje sin empobrecerlo. Cada banco responde al otro con una visión amplia, estable y casi musical.
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#97
Edvard Munch97. Separare
La separación pertenece a la Frisia de la vida. Un hombre se da vuelta mientras una mujer luminosa permanece cerca de la orilla; su cabello todavía parece llegarle. Munch pinta menos una ruptura relatada que un dolor físico que continúa después de la partida.
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#98
Edvard Munch98. Vampiro
Vampiro muestra a una mujer inclinada sobre el cuello de un hombre. Munch habló por primera vez de Amor y Dolor; un amigo impuso el título más sensacional. El pelo rojo envuelve a la pareja, dejando abierta la pregunta: beso consolador, agarre o lesión.
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#99
Fernando Khnopff99. Silencio
El Silencio condensa el arte de Khnopff: perfil cerrado, gestos sobrios y espacio sin narrativa explícita. La figura no sólo pide guardar silencio; hace que el silencio sea casi material. La obra protege su misterio con eficiencia de puerta cerrada.
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#100
Stanisław Wyspiaranski100. Retrat dublu
En este Doble Retrato, Wyspiajabski usa pastel para capturar dos presencias sin una bomba oficial. Las caras, cercanas pero distintas, están conectadas por la velocidad de la línea y la intimidad del encuadre. El modernismo polaco aquí se convierte en una cuestión de perspectiva compartida.
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Cien cuadros, tres impulsos duraderos
La ruta muestra un movimiento menos uniforme de lo que parece: Viena cubre los cuerpos con adornos, Bruselas cultiva el silencio, Munich despierta mitos y los modernismos del Norte recuerdan los paisajes.
La superficie se activa
Patrones, colores y contornos no decoran el tema: determinan su presencia.
El mito vuelve al presente
Judit, Edipo, Aino y Sísifo hablan de las preocupaciones de finales del siglo XIX.
El paisaje piensa
Lagos, jardines y ciudades se convierten en ritmos capaces de transportar memoria y emoción.
Cronología en arabesco
Cinco fechas para seguir el cuadro
Hodler transforma el sueño y el miedo a la muerte en un gran friso humano.
Von Stuck impuso en Munich una pintura simbolista que era tan monumental como inquietante.
Klimt y sus compañeros vieneses exigen arte libre, unido a arquitectura y decoración.
Pintura, música y espacio expositivo se responden mutuamente en una obra total.
Le Baiser y Adèle Bloch-Bauer llevan el adorno pictórico a una intensidad que se ha vuelto emblemática.
La línea en profundidad
¿por qué el Art Nouveau sigue siendo atractivo?
En pintura, el Art Nouveau no corresponde a una fórmula única. Klimt transforma el lienzo en un mosaico sensual; Khnopff construye cámaras mentales; von Stuck da poder físico a los mitos; Hodler ordena cuerpos y paisajes mediante repetición. Lo que tienen en común es menos el patrón floral que el deseo de trabajar toda la superficie.
El simbolismo recorre gran parte de este viaje. Redon abre la realidad a los sueños, Munch da forma visible a la ansiedad y Schwabe puebla la naturaleza con presencias espirituales. Para ellos, la curva no es una coquetería: conecta el cuerpo con una emoción que va mucho más allá de su contorno.
En Barcelona, Casas y Rusiñol observan los cafés, los jardines y las tensiones políticas de una sociedad moderna. En Finlandia, Gallen-Kallela hace de Kalevala una historia nacional en imágenes. En Polonia, Wyspiajabnski y Mehoffer unen retrato, memoria y decoración. El movimiento viaja bien y afortunadamente no requiere que todas las flores tengan el mismo pasaporte.
Los paisajes finalmente juegan un papel esencial. Klimt estrecha jardines y lagos hasta el tapiz; Hodler busca orden en las orillas y montañas; Schiele da a los árboles y a las casas la fragilidad de sus figuras. Por tanto, la naturaleza nunca es un simple fondo pulido: tiene carácter propio.
Cuatro claves de lectura
Mira más allá del arabesco
La belleza inmediata abre la puerta; el ritmo, el símbolo, el material y la pose explican por qué estas pinturas siguen llamando la atención.
Sigue las repeticiones
Observa cómo los cuerpos, árboles, tejidos y horizontes construyen una cadencia.
Identificar la historia
Una serpiente, una flor o un lago pueden llevar una memoria mitológica o íntima.
Comparar superficies
El oro, la pasta de colores, el pastel y las zonas planas dan peso a cada escuela.
Lee los silencios
Una cara cerrada o un gesto suspendido a menudo indica más que el escenario.
Biblioteca de línea gratuita
Continuar después del último arabesco
Artistas, colecciones, museos y fuentes sitúan las obras en su historia, porque una línea puede deambular manteniendo una dirección verificable.
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